Fervor barroco para tiempos de crisis

La extravagancia, el sensacionalismo, la opulencia y la originalidad que dieron identidad y poderío al imaginario visual del barroco regresan puestas al día para el tercer milenio en el arte contemporáneo más rabioso. Reinterpreta y actualiza los temas y la iconografía de la cultura del seicento. Han sido seleccionados 28 artistas, grandes nombres del star system del arte actual, y algunas de las obras más mediáticas y controvertidas de los últimos años para una sorprendente muestra. Titulada ‘Barock: Arte, ciencia, fe y tecnología en la edad contemporánea’, se celebra en el Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), en Nápoles.
El estilo, protagonista el otoño expositivo en media Europa, recibe aquí una atención novedosa. Y vuelve a probar que el barroco interesa. Una de las muestras de la temporada en Londres es ‘Lo sagrado hecho real’, que ha conquistado a las audiencias con sus dramáticas tallas de arte sacro español del siglo XVII. Acaso sea porque, como se comprueba en la cita de la National Gallery, un insospechado puente artístico conecta la escultura barroca y el hiperrealismo más rompedor.
Las decisiones que los organizadores ha tomado para la exhibición ‘Barock…’ se antojan idóneas. Una de las etapas obligadas del grand tour, el viaje iniciático por el sur de Europa de los aristócratas, era la Cartuja de San Martino en Nápoles. El enclave, símbolo del triunfo del barroco, era célebre por su cementerio decorado con las reproducciones de las calaveras de los monjes, elemento característico de los gustos fastuosos, decadentes, experimentales y morbosos de aquella época. Más de tres siglos después la joven italiana Giulia Piscitelli, en una acción relámpago -sin permisos ni sofisticados aparatos- las ha fotografiado para la exposición tocadas con cascos de obrero de la construcción.
Empezando por el tiburón tigre más caro de la historia, de Damien Hirst sumergió, el recorrido tiende un puente entre el siglo XVII y la actualidad, marcado por las pelucas de Sislej Xhafa, el fantasma de la religión de Shirin Neshat, y los ralladores gigantes que Mona Hatoum.
El encanto perverso y barroco de la provocación se plasma en la hiperrealista 'Mujer crucificada' (en la foto) de Maurizio Cattelan, célebre por su polémica escultura del papa Juan Pablo II derribado por un meteorito. El juego entre realidad y ficción, la sublimación de la decadencia y la muerte, las contradicciones del progreso, las ambigüedades visuales, análogas a las que caracterizaron la edad barroca, se materializan en obras de Jake & Dinos Chapman, de Anish Kapoor, de Jeff Koons, de Gilbert & George, de Jeff Wall y de Antonio Biasucci.
La muestra coincide muy apropiadamente con la gran manifestación ‘Retorno al Barroco. De Caravaggio a Vanvitelli’, compendio de las obras maestras de este periodo, que se celebra en los seis principales museos de la ciudad. El proyecto reúne más de 500 piezas procedentes de colecciones públicas y privadas italianas y extranjeras, empezando por las sombrías pinturas de Caravaggio, cuya llegada a Nápoles en 1606 marcó el inicio de la época barroca.

(Fuente: Diario ‘El País’)

El Thyssen expondrá a Monet en febrero

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogerán entre el 23 de febrero y el 30 de mayo de 2010 la exposición 'Monet y la Abstracción', que abarcará las obras más significativas de la última producción del pintor. Junto a los cuadros que reproducen el famoso jardín de Giverny, aparecerán los trabajos de toda una generación que recogió el testigo del maestro y que está constituida por nombres como Jackson Pollok, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell o Gerhard Richter.

Claude Monet - "Nenúfares"

En un momento en que Claude Monet era considerado como un artista desfasado con una producción igualmente anacrónica, surgieron una serie de jóvenes artistas que supieron encontrar en su pintura nuevos caminos o réplicas ante los gustos imperantes. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la historia del arte se vio, una vez más, mutilada y descompuesta en un abanico de estímulos que arrastraban las ya viejas estrategias de la Vanguardia canónica. Así, fórmulas manidas o excesivamente aprovechadas como el último Expresionismo o la Nueva Objetividad dieron paso a nuevas propuestas como la Abstracción americana, en cuyo seno se revalorizó cierto tipo de arte europeo y, más concretamente, se redefinió el modo de entender a Monet.
Con esta inminente exposición en Madrid se podrá no sólo comprender mejor a este artista de referencia, sino también colocar su mirada dentro de las inquietudes del panorama cultural americano, centrol munidial del arte durante la segunda mitad del siglo XX.

Barceló y Salvat-Papasseit, algunas de las novedades del Santa Mònica en 2010

El centro Arts Santa Mònica albergará el próximo año un total un total de 18 exposiciones, entre las que destacan una sobre el pintor Miquel Barceló, una retrospectiva de la obra del poeta Joan Salvat-Papasseit, un análisis de Las Ramblas de Barcelona y otra sobre la relación entre la televisión y el arte.
La exposición de Barceló, que tendrá lugar del 15 de julio al 26 de setiembre de 2010, mostrará un centenar de obras del artista mallorquín realizadas entre 1973 y 1982, año en el que se considera que Barceló se consagró internacionalmente tras participar en la Documenta de Kassel (Alemania).

El centro de Arte Arst Santa Mónica

Por su parte, la muestra sobre el poeta Salvat-Papasseit (1894-1924) una doble dimensión, por un lado histórica que pretende divulgar la obra del artista y, por el otro, una relectura de su trayectoria por parte de varios artistas actuales. La exposición, que se exhibirá de diciembre a marzo de 2011
La programación del año 2010 del Arts Santa Mònica rinde también un pequeño homenaje a la calle en que se ubica el centro: Las Ramblas serán reflejadas en una muestra fotográfica a cargo de Jordi Bernadó y Massimo Vitali, que se expondrá de abril a junio. El videoarte y la relación entre la televisión y las manifestaciones artísticas tendrán también cabida el próximo año en el Santa Mònica, a partir de tres exposiciones distintas, a la espera de que en otoño inicie su actividad el laboratorio de medios de comunicación que está impulsando este centro artístico.
Arts Santa Mònica ha distribuido su programación del año 2010 en cuatro temáticas distintas: "Lugares", que tendrá lugar desde la primavera hasta finales de junio; "Materias", desde julio hasta septiembre; "Tecnología y mediación", de octubre a diciembre y enero; y "Vanguardias", desde finales de diciembre hasta marzo de 2011. Cada una de estas áreas contará con cuatro exposiciones, que se ubican en espacios distintos del centro Santa Mònica, que cuenta con un presupuesto de 2,1 millones de euros para el año 2010.
Este centro de arte contemporáneo ha recibido en 2009 cerca de 70.000 visitantes, 12.000 más que en el año anterior.

Instaladas siete esculturas de Auguste Rodin en la Rambla de Barcelona

La muestra Arte en la calle. Auguste Rodin en Barcelona reúne en Rambla de Catalunya siete esculturas monumentales del Museo Rodin de París: El Pensador (que el escultor concibió en un inicio para formar parte del grupo escultórico de La Puerta del Infierno pero que acabó cobrando vida autónoma), y seis estudios de los seis prohombres que conforman el Monumento a los burgueses de Calais.
La exposición forma parte del programa Arte en la calle, una iniciativa pionera de la Obra Social ‘la Caixa’ que ya ha permitido ver en Barcelona dos exposiciones al aire libre de Manolo Valdés e Igor Mitoraj. El objetivo de este ciclo es el de sacar el arte de las salas de exposiciones, devolverlo al espacio público y provocar un diálogo con la arquitectura. Nunca mejor dicho en el caso de Rodin, quien concibió sus esculturas para ser expuestas al aire libre.
Auguste Rodin (París, 1840 – Meudon, 1917) no sólo revolucionó el arte de la escultura, que había quedado relegado a tediosa disciplina y reducido a mero monumento conmemorativo, sino que también demostró su modernidad apostando por exponer sus esculturas al aire libre.

Qué: Arte en la calle. Auguste Rodin en Barcelona
Donde: Instaladas en Rambla de Catalunya –entre las calles de Consell de Cent y Diputació
Cuándo: Del 18 de diciembre de 2009 al 6 de febrero de 2010

El lehendakari plantea un museo de artistas vascos en Urdaibai fuera de la marca Guggenheim

El Ejecutivo socialista que gobierna en el País Vasco ultima un proyecto alternativo al conocido ya como 'Guggenheim 2' que se sostiene sobre dos pilares: el arte vasco y el medio ambiente. Sin necesidad de girar sobre un gran edificio de firma, como el levantado por Frank Gehry en Bilbao, el Gabinete de Patxi López plantea un museo integrado en la zona, declarada Reserva de la Biosfera, y orientado al fomento de los artistas y la producción cultural de Euskadi. El propio lehendakari dará hoy carta de naturaleza a la propuesta en la cita convocada en el Patronato de la Fundación Guggenheim.

Bahía de Urdaibai

López presentará oficialmente a sus socios las líneas maestras de un plan que está llamado a abrir una profunda reflexión sobre el equipamiento que necesita este rincón protegido de Vizcaya, hasta ahora envuelto en la trifulca política. Su apuesta, además, se aleja de los megaproyectos arquitectónicos para centrarse más en la creación de varios centros menores.
El capítulo más revelador en esta polémica se vivió el miércoles pasado y tuvo tintes casi surreales. En la misma jornada, la consejera de Cultura del Gobierno, Blanca Urgell (PSE), desmontaba el proyecto del Guggenheim de Urdaibai en el Parlamento de Vitoria, mientras el diputado general, José Luis Bilbao (PNV), lo 'vendía' en Nueva York en compañía del director, Juan Ignacio Vidarte, ante los mentores de la Fundación. Aunque sus discrepancias son claras, las dos instituciones comparten la necesidad de dotar a la zona de un bien cultural, capaz de generar riqueza y abrir una nueva ventana artística en Euskadi.

Arte abstracto español en el IVAM

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) presentará mañana la exposición ‘La Línea roja. Arte abstracto español’ en la colección del IVAM, una muestra que permanecerá instalada en el museo hasta el próximo 21 de febrero.
El título de la exposición es un homenaje a Antoni Tàpies. Su pintura La línea roja, fechada en 1963 y perteneciente a la colección del IVAM, debe entenderse como un cruce de caminos en el que convergen la larga tradición constructiva, la pulsión figurativa, la experimentación con la materia y la quiebra de la naturaleza bidimensional de la pintura.
Entre las obras más relevantes que reúne la muestra figuran La ligne rouge (Antoni Tápies), Le cagoulard,1935 (Julio González), Aviat l'instant,1919 (Joan Miró), Relieves luminosos,1955-60 (Eugenio Sempere), Serie Limo,1991 (Luis Gordillo) o Teófanes, 2004 (Ana Peters).
La muestra quiere analizar los múltiples puntos de convergencia que se produjeron entre las investigaciones formales de las diversas generaciones de artistas españoles desde los años treinta del siglo XX hasta la actualidad.

Qué: La Línea roja. Arte abstracto español en la colección del IVAM.
Donde: Instituto Valenciano de Arte Moderno. Valencia
Cuando: desde el 23 de diciembre hasta el 21 de febrero de 2010.

La quinta edición de Art Madrid acogerá a 64 galerías nacionales e internacionales

La feria de arte moderno y contemporáneo Art Madrid celebrará su quinta edición del 17 al 21 de febrero de 2010 en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña, donde la organización espera recibir a más de 40.000 visitantes. Esta cita va dirigida principalmente a los coleccionistas de arte contemporáneo español y es la segunda de España tanto por el espacio ocupado como por el número de galerías.
En esta quinta edición está prevista la participación de 64 galerías, seleccionadas por un nuevo Comité, del panorama nacional e internacional, que mostrarán obras de los principales artistas contemporáneos.
Art Madrid acogerá, por segundo año consecutivo, un espacio dedicado al arte emergente, integrado en el programa Young Art, que integra a las galerías y los artistas más jóvenes.
Por otro lado, la feria se encuadra dentro del Programa Oficial para la celebración de los Bicentenarios de las independencias de los países latinoamericanos. Por este motivo, contará con un espacio exclusivo dedicado a esta celebración donde se mostrará una exposición con la obra de artistas latinoamericanos residentes en España.
Otra novedad es la creación de la Colección Art Madrid de Obra Única sobre papel. El objeto de la colección será la obra sobre papel de artistas contemporáneos españoles, con el único requisito de que ha de ser obra original, no seriada. La colección, además, comprenderá obras creadas exclusivamente en los últimos cuarenta años.

SALVADOS DEL INCENDIO: “Los Bisontes De Altamira” - Anónimo

Desde un punto de vista hegeliano en las pinturas de las cuevas de Altamira (Santillana del Mar, Santander. España), y en especial en sus bisontes, se encuentra ya todo el arte. A partir del momento en que fueron pintados, los especialistas los fechan en el periodo Magdaleniense, en torno a los 14.500 años, en el llamado Estilo III; el Arte empezó a despegar toda su potencia creativa y expresiva; dicho de otra manera; la cueva de Altamira es el bing band del Arte.

Lo genial, lo auténticamente genial de esas pinturas, es la modernidad que rezuman: el aprovechamiento de las condiciones espaciales, el minimalismo de sus trazos, la sobriedad del color: pintaban con colores y no con colorines tan de modo hoy en día. Pero hay más: da igual por qué y para qué fueron pintados; si como acciones mágicas para la consecución de la caza -lo que hoy son los happenings y las perfomances-, si como elementos decorativos de las cueva -que es para lo que se quiere el arte aquí y ahora-, o como pinturas con carácter religioso y místico –una de las funciones que hoy cumplen los museos. Genios, fueron auténticos genios, los que pintaron todo eso.
La técnica empleada por aquellos creadores para lograr sus fines estéticos fue la siguiente: primero grababa con buril el contorno de los animales que después resalta con negro manganeso, raspándolo y sombreándolo si es preciso.

El colorante de ocre se reserva para el interior, aplicado directamente con la mano o con aerógrafos de hueso, expresando la anatomía del animal (en el que se ha destacado el aspecto humanoide de la cara del animal); y destacando algunos detalles peculiares al administrar las distintas tonalidades, después algunas zonas se modelan a través del raspado, el lavado y la frotación de los colores. Hay que hacer notar que los colores se conseguieron a partir del carbón vegetal, arcillas y tierras naturales (óxidos de hierro y manganeso), disueltos en agua.
Más tarde, el pintor selecciona los rasgos esenciales que identifican la especie, aprovecha las formas y protuberancias naturales de la cueva para encajar sus figuras, adquiriendo así, algunas de ellas, volumen y relieve.

El pintor se iluminó con lámparas de tuétano, que dan una luz intensa y limpia y no ennegrecen las paredes. La humedad natural de la cueva fijó y mantuvo la frescura de los colores durante milenios, justo hasta que llegaron los turistas y hubo que crear una réplica, que se visita como si fuese la original, la cuál sólo la pueden ver especialistas, reyes y políticos más o menos importantes.
Y aquí se plantea una cuestión tan importante como si le experiencia estética (sea lo que esto sea) se produce sólo ante el original y no la copia, elemento bastardo y falsificador del arte… pero esto será para otro post.

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Fallece a los 87 años el pintor y poeta Albert Ràfols-Casamada

El pintor Albert Ràfols-Casamada (Barcelona, l923) que hubiera cumplido 87 años el proximo 2 de febrero ha fallecido en Barcelona en la madrugada del 17 de diciembre. Reconocido como uno de los pintores más importantes de España, aportó una de las obras más coherentes, más líricas y más personales dentro de la abstracción colorista, que bebe sus fuentes de Matisse, de Miró y de Rothko.
A ellos les debía la importancia concedida al color, que él estructuraba en un esquema ortogonal extraído de su tan admirado Joaquín Torres García. Ràfols-Casamada abandonó los estudios de Arquitectura y estudió en la Academia Tàrrega, en donde conoció a la que se convertiría en su esposa, la tambien pintora María Girona. En 1950 con una beca del Cercle Maillol marchó a París, una estancia que fue definitiva para descubrir la modernidad.
Albert Ràfols no solo fue pintor; fue un intelectual completo que escribió poesía y prosa poética (reunida en el volumen Signe d?aire, Edicions Proa, 2000), creó revistas como AMPIT(1982-l984) y fue el creador de la Escuela EINA, en Barcelona, cuna de grandes artistas como Carlos Pazos, Jordi Pablo, Jordi Colomer,... y de grandes diseñadores como Josep Lluscá, Anna Yglesias, Anna de Tord, etcétera. Realizó varias pinturas murales como la del Palau St Jordi en la Anilla Olímpica de Barcelona.

Ràfols-Casamada era miembro del Patronato de la Fundación Pilar y Joan Miró de Barcelona (1980), Premio Nacional de Artes Plásticas (1980), Creu de Sant Jordi (1983) Medalla de Oro del Ayuntamiento de Barcelona (2008) y Officier de l?Ordre des Arts et des Lettres de la República francesa (1991).
El funeral se oficiará mañana viernes a las 11 horas en el tanatorio barcelonés de Sant Gervasi.

Antonio López obtiene el Premio Penagos de Dibujo

El pintor Antonio López (en la foto), Premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2006, ha obtenido el Premio Penagos de Dibujo, que reconoce la trayectoria de un artista vivo que en su carrera haya dedicado una especial atención al dibujo.
Considerado el padre de la escuela hiperrealista madrileña, Antonio López (Tomelloso, 1936) comenzó su carrera como dibujante a los 13 años, impulsado por su tío, el paisajista Antonio López Torres, y desde entonces se ha convertido en uno de los pintores más cotizados en el panorama artístico internacional.
El premio Penagos de Dibujo se creó en 1982 en memoria del dibujante Rafael de Penagos (Madrid, 1889-1954), considerado el más importante representante del movimiento de renovación que se produce en el campo de la ilustración gráfica española en los años veinte y treinta.
Medalla de oro de Bellas Artes en 1983, Príncipe de Asturias de las Artes en 1985, entre otros galardones, Antonio López es, desde 1993, miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió pintura entre 1950 y 1955 y donde fue profesor de la cátedra de Preparatorio de Colorido.

Detenido por dañar una escultura de Bernardí Roig en el IVAM

La Policía Local de Valencia ha detenido a un hombre de 32 años acusado de romper en la madrugada del pasado domingo una obra del artista mallorquín Bernardí Roig que se encontraba expuesta en la explanada del Institut Valencià d'Art Modern (IVAM) y que formaba parte de la muestra ‘Shadows must dance’.
Los hechos se produjeron en la madrugada del pasado día 13 de diciembre cuando el detenido vio en la explanada del IVAM la fuente creada por Roig -en la que hay una figura humana blanca que tira el agua por la boca- (en la foto) y la lanzó al suelo causándole diversos daños. Las cámaras de seguridad instaladas por el museo pudieron grabar el momento de la agresión.
El presunto autor del destrozo, natural de Tenerife, ha quedado en libertad con cargos acusado de un supuesto delito contra el patrimonio artístico. La escultura dañada se ha retirado de la explanada y se encuentra en estos momentos en los almacenes del centro museístico.
Bernardí Roig, que se encuentra actualmente en Nueva York, regresará al museo el próximo 27 de enero y dará las instrucciones pertinentes para la restauración de la fuente, valorada en 80.000 euros, explicaron desde el IVAM.

El Thyssen se unifica

El futuro de la colección Thyssen se está escribiendo en estos momentos. Con la fecha clave de febrero de 2011 cada vez más cerca -entonces termina el plazo para cerrar un acuerdo sobre el destino de los 700 cuadros que conforman la colección privada de Carmen Thyssen-, Cultura continúa decidiendo sobre la oferta de alquiler lanzada por la baronesa. Y ésta mueve ficha. Desde febrero, su colección se verá junto a la del barón Heinrich Thyssen Bornemisza, un millar de cuadros firmados por los grandes maestros de la pintura europea. Desde el siglo XIII hasta finales del siglo XX.
Carmen Cervera recordó ayer que ambas colecciones forman parte del conjunto de obras adquiridas por el padre del barón.
La oferta que estudia el ministerio consiste en una cesión en régimen de alquiler durante 25 años. Después serán los herederos quienes decidan. Ni Cultura ni la baronesa han querido aclarar cuánto costaría algo así. Aunque sólo en seguros durante un cuarto de siglo, la cuenta ascendería a 800 millones de euros.

El Museo Picasso Málaga se refuerza con otras 78 obras

Museo Picasso Málaga será regido desde este mes por un solo organismo: la Fundación Museo Picasso Málaga-Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso. Las dos fundaciones que hicieron posible la puesta en marcha de la pinacoteca; la de la familia Picasso, propietaria de los fondos, y la otra, liderada por la Junta de Andalucía, dueña del edificio que los alberga, se han fusionado en una sola. Con esta unión, la obra artística queda vinculada definitivamente al museo del Palacio de los Condes de Buenavista y se culmina un proceso iniciado en 1953 por el propio Pablo Picasso (en la foto).
El nacimiento de la Fundación Museo Picasso Málaga-Legado Paul, Christine y Bernard Ruiz-Picasso lleva aparejado un notable aumento de los fondos propios de la pinacoteca. Un total de 78 obras del pintor malagueño se unirán a partir de 2010 a las 155 que hasta ahora componían el patrimonio del museo, anunció Bernard Ruiz-Picasso, nieto del artista y patrono vitalicio de la nueva fundación. Además, bajo la fórmula de comodato -contrato de préstamo con obligación de restitución-, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso para el Arte (FABA) pondrá a disposición del centro durante 15 años 43 “relevantísimas obras de imposible adquisición en condiciones de mercado”.
De las 78 nuevas piezas, 72 serán adquiridas por la fundación y seis son una donación del nieto del pintor. Estas seis obras son las únicas que se dieron a conocer ayer: se trata de los grabados ‘Mujer llorando delante de una pared’ (1937), ‘Dos hombres avivando un brasero’ (1902), ‘Cabeza’ (1933), ‘Saltimbanquis’ (1905), ‘En el cabaré’ (1934) y ‘Dos mujeres y un mirón’ (1968). El resto de los fondos no se conocerá hasta el próximo 10 de enero. El museo tampoco ha informado del coste de la adquisición de las nuevas obras.
La nueva fundación será propietaria, a la vez, de la colección de fondos propios y del Palacio de Buenavista.

El pintor Fernando Botero boicotea el galardón que lleva su nombre

Los responsables del Premio Fernando Botero, destinado a artistas jóvenes, han decidido suspender su concesión debido a las recientes declaraciones del pintor y escultor colombiano, que descalificó a los jurados y la calidad de las obras premiadas en las ediciones celebradas hasta ahora. La directora de la Fundación Jóvenes Artistas Colombianos, María Elvira Pardo, anunció que no se convocará más el premio.
La decisión de no convocar más el premio, dotado con 50.000 dólares (algo más de 34.000 euros) -uno de los mas cuantiosos de Latinoamérica para artistas menores de 35 años-, se tomó en una reciente reunión del consejo directivo de la entidad. Según un comunicado del Consejo Directivo de la Fundación Jóvenes Artistas, en la determinación pesaron las declaraciones que Botero realizó a la revista Arcadia en las que dijo que no estaba contento porque las obras premiadas le había parecido "muy pobres".
Botero, conocido por sus pinturas y esculturas de formas exageradas, también señaló que se había designado un jurado internacional que premiaba "obras que eran lamentables" y que a su juicio "había obras mejores en los salones. Se dieron los premios muy mal dados". Para la Fundación, las declaraciones del artista causaron extrañeza por el apoyo que siempre ha mostrado al certamen de arte contemporáneo.
El premio se otorgó entre 2005 y 2008.
(Foto: Fernando Botero)

Editado el epistolario de Joan Miró entre 1911 y 1945

Hay algo impúdico en eso de fisgonear en las cartas personales que escribió otro, pero al mismo tiempo resulta un apasionante viaje a la intimidad más secreta de una persona que, si además es conocida, aúna el morbo con el interés intelectual por su pensamiento. Las que Joan Miró (Barcelona, 1893-1983) escribió a sus familiares y amigos catalanes entre 1911 y 1945 se presentan esta semana en la Fundación Miró de Barcelona, que las publica en la Editorial Barcino con la colaboración de la Fundación Carulla. Muchas, la mayoría, son inéditas, si bien hay que reconocer que las más jugosas desde el punto de vista de su pensamiento artístico han aparecido en catálogos y obras de referencia (destaca Joan Miró. Escritos y conversaciones, de Margit Rowell, que se publicó en inglés en 1996 y en 2002 fue traducido al castellano por el IVAM y el Colegio de Aparejadores de Valencia). Pero lo interesante del ‘Epistolari català’ es la fidelidad al original. Las cartas se transcriben tal cual las escribió -sin arreglar los numerosos "errores" ortográficos que por la época realizaba tanto en castellano como en catalán, el idioma mayoritario- y además se presentan en un estricto orden cronológico que permiten seguir no sólo su evolución vital y artística sino también los acontecimientos históricos.
En las cartas hay de todo, desde reflexiones filosóficas sobre pintura hasta comentarios prácticos sobre dinero, pasando por referencias a su vida personal o a la situación política. Al tratarse, en su mayoría, de cartas a amigos, muchas cosas se dan por sabidas (para eso ayudan las notas), pero hay cosas curiosas, como el hecho de que comienza escribiendo a Picasso en castellano pero al poco se pasa al francés o que con Josep Lluís Sert se pasa en los 40 al castellano "para facilitar el trabajo a la censura".
El proyecto de este epistolario data de 1967, cuando el entonces director de los museos de arte de Barcelona, Joan Ainaud de Lasarte (1919-1995), organizaba una gran antológica del artista en la ciudad. A Miró le pareció bien la idea y el erudito comenzó la recopilación. Falleció sin lograr acabarlo y sin haber encontrado editor. Hace tres años, desde la Fundación Miró se recuperó el proyecto ampliando la selección e incorporando nuevos especialistas al estudio. Ahora se prepara ya el segundo volumen y, comenta Rosa María Malet, directora de la entidad, es posible que, con el primer libro de 665 páginas en la mano, sea más fácil encontrar socios para la edición en español o en inglés.

‘Tesoros de las Culturas del Mundo’ exhibe obras del Museo Británico

La sala Arte Canal exhibe desde ayer 250 tesoros procedentes del Museo Británico, dentro de la exposición ‘Tesoros de las culturas del mundo’. No están los frisos del Partenón, ni el Discóbolo de Mirón, ni la piedra Rosetta (aunque de ésta sí hay una réplica), pero la muestra realiza un completo recorrido por la historia del arte y de la humanidad. Parte de esta exposicón ha recorrido diversos países de Asia y América pero esta es la primera vez que recala en Europa.
La visita está dividida en siete salas, que permiten viajar por África, Oriente Próximo, Asia, Europa, Oceanía, América y, finalmente, la época moderna. El visitante se encuentra nada más llegar con dos hachas encontradas en la Garganta de Olduvai (Tanzania). Su fabricación se remonta a entre 1,6 y 1,4 millones de años antes de Cristo. La edad de Piedra temprana.
La siguiente parada, bajo la luz siempre tenue de las salas y con una suave música de fondo, es en Oriente Próximo, y la bienvenida la da el Guardián Divino, una estatua asiria (811-783 a. C.), que flanqueaba el templo de Nabu -dios de la escritura- en la antigua capital Kalhu (norte de Irak).
Entre las piezas europeas repartidas en la siguiente estancia destacan varias estatuas y bustos y griegos y romanos. De ahí, un nuevo salto geográfico y temporal traslada a tierras asiáticas, donde varios budas, conviven con biombos japoneses de la era Meiji (1809) decorados con motivos invernales.
Dos salas más pequeñas albergan las obras de Oceanía y América. El camino desemboca en una última habitación, en la que se reúnen objetos artísticos de los cinco continentes bajo el epígrafe de Mundo moderno.

Qué: Tesoros de las Culturas del Mundo.
Donde: Sala Arte Canal, Paseo de la Castellana, 214. Madrid (España)
Cuando: Hasta el 10 de mayo. De 10.00 a 21.00 (24 y 31 de diciembre sólo mañanas y 25 de diciembre y el 6 de enero permanecerá cerrado).
Cuanto: Seis euros (tres euros con descuento).

Edad Media y Renacimiento se funden en un revolucionario abrazo en la nueva ordenación del museo Victoria&Albert

Un caudal de luz natural envuelve el impresionante despliegue de tesoros medievales en el museo Victoria&Albert, proponiendo una nueva mirada hacia ese mundo que tantos visitantes percibían como la "edad oscura". En esa novedosa puesta en escena reside uno de los logros de la institución londinense con sus recién inauguradas salas del Medievo y el Renacimiento, un recorrido por la historia del arte y la cultura en Europa desde el año 300 de nuestra era hasta los albores del siglo XVII.
Las diez galerías que, repartidas en dos plantas, ocupan todo un ala del monumental edificio victoriano se traducen en un ambicioso fresco cultural dibujado por 1.800 objetos, amalgama de arte románico, gótico y renacentista, religioso y profano, ahora reorganizada de forma cronológica y temática. El nuevo espacio presenta no sólo una colección de obras maestras, sino también de sus contextos. El conjunto se desgrana en una nómina apabullante a la que una reforma de 30 millones de euros y siete años de trabajo han conseguido extraer todo su brillo.
La exposición rehúye de la visión imperante sobre el Medievo y el Renacimiento como dos épocas antitéticas, y en su conjunto encara el dilatado periodo desde el declive del imperio romano hasta el 1600 como una transición fluida en la que convergen las fuentes bizantina, medieval, clásica y gótica. También se subrayan las influencias entre el norte y el sur de Europa, así como con otros continentes e imperios.
En contraste con ese interior, la fachada del museo aparece parcialmente cubierta por los andamios.

Fundación Bilbao Arte lleva a veinte artistas vascos a exponer en Nueva York

Es un centro de producción humilde en cuanto a lo económico, pero desde luego no en cuanto ambición. Han hecho las maletas y se han embarcado en un avión rumbo a Nueva York. Su equipaje lo componen fotografías, pinturas, serigrafías, esculturas y proyecciones. Todas sus obras invadirán Manhattan desde el martes hasta el 9 de febrero debido a la exposición que acogerá la Fundación Gabarrón-Carriage House Center, bautizada Bilbao Arte-New Yorken.

Es la primera vez que sale una selección de artistas de Bilbao Arte al extranjero. La muestra conmemora el décimo aniversario de la institución bilbaína, y para festejar el acontecimiento recoge algunas de las propuestas creativas más interesantes de los artistas que han desarrollado sus proyectos entre los años 1998 y 2008. Los afortunados en trasladarse que han desarrollado su producción en Bilbao Arte son: Judas Arrieta, David Cívico, Naia del Castillo, Mikel Eskauriaza, Amaia Lekerikabeaskoa, Alberto Albor, Carlos Irijalba, Iñigo Tena, Zuhar Iruretagoiena, Ibon Garagarza, Abigail Lazkoz, Kepa Garraza, Eduardo Sourroille, Elssie Ansareo, Inazio Escudero, Fermín Moreno, Arturo Artal & Fermín Hernández, Raquel Meyers, Pablo Pérez y Txuspo Poyo.
La fundación encargada de acoger a los bilbaínos, Carriage House Center for the Arts, es una institución sin ánimo de lucro, en pleno centro de Manhattan. Se fundó en el año 1997 y es un punto de encuentro e intercambio entre la cultura hispana y la americana.
La exhibición que se llevará a cabo en Nueva York enseña una muestra de los casi 250 artistas que ha tenido Bilbao Arte a lo largo de ese periodo de diez años. Tras su estancia en Nueva York, las creaciones podrán verse en Bilbao, cerrando de ese modo la propuesta de la institución bilbaína.

Buenos Aires acoge una muestra con obra sobre papel de Eduardo Chillida

La obra más «desconocida e íntima» de Eduardo Chillida llega al público argentino a través de una exposición que recoge las gravitaciones, dibujos y grabados que el artista realizó sobre papel. 'Chillida: la poética del papel', que abrió ayer sus puertas al público en el Centro Cultural de España en Buenos Aires, y que estará abierta hasta el próximo 30 de enero, es una selección de 28 trabajos procedentes del Museo Chillida Leku que muestran la cara más delicada y menos conocida del artista, la que dedicó al papel como soporte.
En las tres disciplinas que recoge la nueva muestra, el visitante podrá ver composiciones que adquieren un volumen y una perspectiva que las convierten en esculturas sobre papel.

Once artistas italianos rinden homenaje a García Lorca en Roma

Once artistas italianos rinden homenaje desde hoy al poeta español Federico García Lorca con otras tantas obras basadas en sus "Sonetos del amor oscuro", que se muestran en la Real Academia de España en Roma hasta el 15 de enero de 2009.
La exposición "Poesía de los ojos" reúne cuadros, esculturas e instalaciones de estilos muy distintos, desde el surrealismo hasta la abstracción o el arte encontrado, pero con una cosa en común: la visión que el mundo del arte italiano tiene de la obra de García Lorca.
Los promotores del evento -la universidad de Roma Tre y la Real Academia de España- propusieron a algunos de los más reputados artistas italianos de las últimas décadas que recrearan visualmente la experiencia estética que los once sonetos del poeta granadino les producían.
Los artistas presentes en la muestra son: Stefano di Stasio, Vanni Rinaldi, Ubaldo Bartolini, Bruno Ceccobelli, Alberto Abate (en la imagen su obra "Soneto de la guirnalda de rosas"), Elio Marchegiani, Paola Gandolfi, Tommaso Cascella, Solveig Cogliani, Donatella Schilirò y Matteo Basile.
Con estas once obras, la exposición pretende no sólo sumergir al visitante en el universo de Lorca a través de lo que otros artistas ven en él, sino demostrar lo universal e intemporal de la obra de este poeta más de 70 años después de su muerte.

El IVAM reúne la obra de nueve fotoperiodistas que cubrieron la Revolución Cubana

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) celebra con la exposición ‘Miradas reveladoras’ que permanecerá abierta hasta el 14 de febrero, la Revolución Cubana, que en 2009 cumple 50 años, con la obra de nueve fotoperiodistas que cubrieron los acontecimientos en la isla sin tener conciencia de que retrataban la historia.

Un aspecto de la muestra.

Las fotografías de Raúl Corrales, Osvaldo Salas, Liborio Noval, Ernesto Fernández, José Agraz, Perfecto Romero y Luis Pierce, además de los dos fotorreporteros ya citados, combinan instantes de la movilización popular en la isla con primeros planos de los líderes revolucionarios. La mayoría de ellas pertenece a la época en que los barbudos de Sierra Maestra eran jóvenes, parecían inmortales y tenían razón.

La retirada de varias obras en Feriarte reaviva el debate sobre el dudoso mercado de la vanguardia rusa

“El mercado de obras de la vanguardia rusa está desbordado de falsos y España se está convirtiendo en una de las plazas preferidas por los marchantes de piezas dudosas”. Lo afirma el estadounidense William Cole, doctorado por la Universidad de Harvard, experto en peritaje de arte y miembro del comité de admisión de Feriarte, la feria de antigüedades celebrada recientemente en Madrid. Con una decisión destinada a levantar ampollas, Cole, encargado de verificar la autenticidad de los grabados y las obras de la vanguardia rusa, rechazó todas las piezas adscritas a esta escuela presentadas por la galería alemana Michael Nolte y admitió sólo una -un pequeño dibujo de Malevitch- de las ocho presentadas por la galería Barbié de Barcelona. De nada sirvieron las alegaciones, Cole se reafirmó en su opinión y los cuadros se descolgaron. El experto americano afirma que consultó con toda una autoridad en el tema, el búlgaro Andrei Nakov, uno de los principales expertos en vanguardia rusa.
Parece inevitable: no hay exposición sobre la vanguardia rusa que no implique polémicas. “Es un terreno resbaladizo, un tema controvertido. Muchas obras tienen pedigrí muy reciente y casi siempre es mejor ser prudente”, afirma Juan Manuel Bonet, otro miembro del comité de admisión.
La imprevista aparición en el mercado, a partir de la segunda mitad de la década de 1990, de un gran número de obras de esta escuela, desconocidas antes de los ochenta, ha disparado las alarmas. Se cuenta que las obras fueron escondidas por sus propietarios o confiscadas por el KGB, pero no hay ni un caso documentado de pinturas procedentes de los antiguos servicios secretos soviéticos. Según una encuesta del diario Le Monde, entre los galeristas de París es un secreto a voces que "los conservadores de los museos rusos firmaban certificados de autenticidad hace sólo 10 años por de 70 euros". Es cierto que después de la caída de la Unión Soviética, las principales instituciones artísticas, incluidas la Galería Tretyakov y el Centro de Restauración Grabar, entraron en el negocio de las autentificaciones. Y, aunque en 2006 el Ministerio de Cultura ruso prohibió expresamente a las entidades bajo su control expedir certificados, en las casas de subastas europeas se siguen vendiendo obras autentificadas por estas instituciones.

(Foto: pintura atribuida a Ivan Puni)

Sorolla suma 200.000 visitantes en Valencia

La exposición ‘Visión de España. Sorolla en las colecciones de la Hispanic Society of America y de Bancaja’ ha alcanzado los 200.000 visitantes en el Centro Cultural Bancaja de Valencia, donde la muestra permanecerá abierta al público hasta el 10 de enero. Desde que en noviembre de 2007 Bancaja inició el recorrido expositivo de la obra de Sorolla por España, más de 1,8 millones de personas han disfrutado de la pintura del artista valenciano. Ese éxito ha tenido su inmediato precedente en la antológica del Museo del Prado, que con sus más de 459.000 visitantes ha marcado un hito como la más vista en la pinacoteca nacional en los últimos diez años.
Comisariada por Felipe Garín, catedrático en Historia del Arte, el contenido de la muestra descansa sobre los fondos de la Hispanic, que aporta treinta y cuatro lienzos, y de la Colección Bancaja, con catorce cuadros.
El recorrido por estas salas pone a disposición del público obras realizadas por el artista durante el período de treinta y seis años que transcurre entre 1883, año del que datan obras de su etapa más temprana y el año 1919.

Récords para Rembrandt y Rafael en Christie's

‘Cabeza de una musa’, un boceto de Rafael para unos frescos del Vaticano, se vendió ayer por 26 millones de libras, unos 28,8 millones de euros. Es la mayor cantidad pagada en una puja por el dibujo de un clásico. Esta subasta donde se vendieron clásicos de la pintura en la casa Christie's de Londres reveló ayer que la apuesta por los grandes maestros se mantiene como valor seguro.
El martillo de la sala selló la venta del cuadro de Rembrandt ‘Retrato de un hombre, de medio cuerpo, con las manos en la cintura’ (1658) (en la foto) por 20,2 millones de libras (22,37 millones de euros), una cifra que bate el récord acuñado hasta la fecha por una obra del artista holandés (19,8 millones de libras).
Considerada la quintaesencia del Rembrandt maduro, esta pintura que el maestro ejecutó 11 años antes de su muerte ha permanecido en manos privadas durante los últimos cuarenta años.