"Travesías" - Daniel Canogar

A principio de año, y durante varios días, los informativos de las diferentes cadenas de televisión dieron cuenta ampliamente sobre el montaje y la colocación de la instalación ‘Travesías’ que el artista Daniel Canogar (Madrid, 1964) ha llevado a cabo en el atrio del edificio Justus Lipsius, de Bruselas, lugar donde suelen celebrarse las reuniones del Consejo Europeo. El encargo de esta obra y su instalación se debe a que España ocupará la presidencia de la Unión Europea, entre enero y junio de 2010.
Canogar ha desarrollado para la ocasión una video instalación realizada con una pantalla de LEDs y que flotará desde el techo. Sobre las cabezas de aquéllos que caminan bajo la obra, aparecen las imágenes de una multitud en movimiento: andando, corriendo, generando tapones, cayéndose, tropezando… Dichas imágenes constituyen una suerte de espejo en el que representar el constante flujo de personas que vienen y van por el atrio del Justus Lipsius, concretamente desde las puertas de entrada al mismo y hasta la puerta giratoria a través de la cual se penetra en el edificio. La instalación está compuesta de una pantalla de 33 metros de largo por 1,65 de ancho. Gracias a su flexibilidad, el conjunto adquiere una forma sinuosa de un bucle de 4 metros de altura.


Una reflexión
Estas “Travesías” representa perfectamente a buena parte del arte contemporáneo: un arte banal, decorativo, con un alto nivel de complejidad tecno/científica en su realización, que deja pasmados a los espectadores por su espectacularidad, pero que en modo alguno produce algo así como una ‘experiencia estética’. Es una obra unidimensional y unidireccional. No es más de lo que es y no hay que pedirle nada más. En definitiva, estamos delante del epítome del ‘arte de corte’.
Lo que le sucede a Canogar y sus ‘Travesías’ es lo que le ocurre a las creaciones de esos primeros espadas del arte actual (Hirst, Murakami, Koons, etc.): sus creaciones son bonitas, divertidas, llamativas, ilusorias, decorativas, sobre todo decorativas, pero que son incapaces de crear la más mínima emoción o de crear cualquier tipo de empatía con el espectador. Piensen en el “Puppy’ de Jeff Koons instalado a la entrada del Museo Guggenheim de Bilbao, mismamente.
Como detrás no hay nada, hay que crearlo, mostrar un simulacro, y aquí es cuando entran en acción los historiadores, los filósofos del arte, los sociólogos, curadores (¿de qué curan?)… en fin, todos y cada uno de los actores llamados a legitimar(se) el significado de un arte que cuando nace ya es un cadáver.
Por desgracia -o no- está obra sólo vale en la medida en que su autor y sus legitimadores vivan; y cuando estos la palmen su ‘arte’ desaparecerá con ellos.

Tàpies en Campins

Obras cada vez más esenciales, sintéticas, con menos materia y menos color, telas y maderas planas, grafismos leves, con preferencia por el blanco, el negro y los marrones... la galería Toni Tàpies presenta, como cada año, una selección de los trabajos que Antoni Tàpies crea en verano en su estudio de Campins, en el Montseny. Esta vez son 14 piezas y sólo algunas de ellas están datadas en el 2006 y en el 2007.
Tàpies, con 86 años, ha adaptado su forma de pintar a su forma física y a las servidumbres de la edad, aunque se le ve más animado que el año pasado, cuando tuvo que serle implantado un marcapasos. "Lo único que he cambiado –dice el artista– es al ayudante que tenía, que ya se ha hecho mayor, como yo, por uno más joven. Ahora ya no tengo que hacer nada que me suponga un esfuerzo físico. ¿Ha intentado abrir alguna vez un bote de pintura? No tengo ni que abrir los botes de pintura, ni mover los bastidores, ni agacharme. Hago que me coloquen unos caballetes a una altura en la que puedo pintar cómodamente sobre el lienzo o la madera".
Tàpies expondrá en los próximos meses en sus galerías de Londres y Nueva York (Pace Wildenstein), pero lo que más ilusión le hace es la reapertura de su fundación, tras las obras de reforma que la han tenido dos años cerrada al público.
La inauguración será el día 3 de marzo para las autoridades que han contribuido a financiar la reforma, el 4 la apertura oficial y el 5 y 6, fin de semana, se abrirán las puertas, de forma gratuita, a todo el público.
La colección particular formaría un extraordinario museo por sí mismo (arte africano, asiático, dibujos esotéricos, tratados cabalísticos, mapas astrológicos, arte contemporáneo). También habrá un pequeño ciclo de Méliès y una exposición que documenta las reformas del edificio de Domènech i Montaner.

Centros de arte españoles se lanzan a Internet en busca de nuevos públicos

Hace ya algún tiempo que los museos se han dado cuenta de que su público ha cambiado. No es sólo cuestión de edad, cultura o globalización. La culpa, o el mérito, es de las nuevas tecnologías, con Internet a la cabeza. Millones de personas han ido incorporando la tecnología a sus hábitos cotidianos en tiempo real y con gente de todo el mundo. Es un público que, sin teorizarlo, vive diariamente la web 2.0. Y los museos han entendido por fin que, para captarlo y fomentar su participación, deben usar sus mismas armas.

The lazy logic of Ignava Ratio, obra del artista Ryan McGiness, que estará presente en La Casa Encendida de Madrid con un taller de arte y un casting online.

Varios de los grandes centros artísticos españoles han estrenado el año con nuevas estrategias para Internet. La Casa Encendida de Madrid, por ejemplo, ha lanzado el casting online titulado ‘Se buscan Ryan McGinness’ para encontrar dobles de este artista nacido en Virginia y afincado en Nueva York. McGinness tiene 37 años, el pelo oscuro y lacio y su look, como su obra, combina reminiscencias de la década de 1970 con elementos contemporáneos. Para convertirse en su doble no hay que parecerse a él, ni siquiera hay que ser hombre y menos artista.
Los seleccionados participarán en un taller de serigrafía, en el cual se crearán parte de las obras que se exhibirán en La Casa Encendida, del 4 de febrero al 4 de abril, en la muestra Estudio Franquicia. Las candidaturas se pueden someter a través de la web (www.sebuscanryanmcginness.com) o de la red social Facebook, donde el público podrá votar su aspirante preferido. Éste se añadirá a los 24 participantes elegidos por el artista, y será invitado a Madrid con gastos pagados desde cualquier lado del mundo.
Internet se ha constituido como un nuevo espacio para la creación y la difusión con todo lo que esto conlleva y los museos españoles deben quemar etapas para ponerse al nivel de los cambios sociales. No se trata sólo de los museos geográficamente periféricos, que buscan en la red una nueva centralidad: es el caso del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz, que acaba de presentar la segunda entrega de NETescopio, un nuevo visor de arte en la Red y, a la vez, un archivo en continuo desarrollo de obras concebidas para Internet.
Los grandes museos también multiplican su presencia en la Red y utilizan sus herramientas gratuitas y colectivas. Desde el Prado, que a través de Google Earth permite navegar por sus obras maestras, hasta la Tate de Londres, que gracias a Google Street View, permite al público buscar los lugares reproducidos en las obras de la colección y ver cómo han cambiado, además de colaborar en el proyecto Mapping the Tate, señalando coincidencias entre los entornos reales y las representaciones pictóricas correspondientes.
Entre los centros de arte españoles que han aprovechado el año nuevo para estrenar web está el Arts Santa Mónica de Barcelona, que presenta su primer proyecto online (www.culturesdelcanvi.com), diseñado y dirigido por Bestiario. Se trata de una base de datos, de acceso libre y enfoque amable, para navegar de forma transdisciplinar a través de los conceptos de complejidad en varias áreas del conocimiento, desde la sociología hasta la matemática, con el objetivo de contribuir a encontrar un lenguaje común entre las disciplinas científicas y humanísticas. Está claro: el museo real/tradicional se hace también virtual/digital.

París se rinde ante Lucien Freud

Después de más de 20 años, París vuelve a rendir homenaje a Lucien Freud , pintor de la Escuela de Londres y nieto del psicoanalista Sigmund Freud , con una exposición de sus trabajos de los últimos años, que se podrá ver en el Centro Pompidou desde el 10 de marzo al 19 de julio.
'Lucien Freud. L'Atelier' es el título de la muestra presentada ayer que reúne, en torno al tema del taller, los trabajos mayores del artista, conocidos como 'Large Interiors', sus versiones de cuadros de maestros de la pintura, la serie de autorretratos y retratos como los de Leigh Bowery o Big Sue.


Cerca de cincuenta pinturas, así como obras gráficas y fotografías del espacio de trabajo del pintor en la capital británica, se podrán ver en el Centro Pompidou. La mayoría de las piezas expuestas provienen de colecciones privadas, aunque también hay préstamos del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, la Tate de Londres o el Metropolitan de Nueva York.
En su espacio de trabajo ha retratado a amigos y familiares acompañados únicamente por los objetos y muebles de la habitación, como un sofá roto, una butaca desgastada o una cama de hierro, rodeados por una pared manchada de pintura. Desde su ventana, los solares y edificios industriales de Londres también le han servido de modelo. Esta tensión entre lo interior y lo exterior es sobre la que se articula la primera parte de la exposición. Una segunda sala recogerá la producción de autorretratos.
En sus primeros años, el artista británico trabajaba ensimismado, en su taller, a solas con el modelo, pero en la década de los 80 del siglo pasado empezó a fijarse en los trabajos de grandes artistas y a variar sus obras, como alguna de Cézanne o Picasso. Esta apertura y cambio de trayectoria será el objeto de la tercera sala de la exposición. Dos vídeos del taller y fotografías tomadas allí por David Dawson cerrarán 'Lucien Freud . L'Atelier'.
A sus 88 años, el artista mantiene su actividad, enriqueciendo su carrera. De familia judía, nació en 1922 en Berlín, pero en 1934 sus padres decidieron abandonar Alemania para escapar del auge del nazismo y se instalaron en Inglaterra, donde reside.

La fundación Miró abre una sala con obras donadas por la familia del artista

La sala octogonal de la Fundació Miró recupera su arquitectura original y desde ayer se ha convertido en una suerte de capilla para contemplar, con luz tenue, las obras que la familia del artista ha cedido al museo barcelonés.
Las 17 obras llenan uno de los huecos más importantes de la colección del centro, los años 30 y 40. De las 15 obras de la serie, sólo había una en España, cedida a Barcelona por el coleccionista japonés Katsuta. Esta obra, junto con ‘Personatge sobre fons vermell’ (1939) son las únicas de la donación que han sido intercaladas en las salas de la colección permanente (la número 17) y no en la sala octogonal.
La década de los 30 fue una de las más trágicas para el artista. En 1927 quiso asesinar la pintura y ensayó los collages o el ready-made. Más adelante, en los convulsos años de la preguerra, sus obras se iluminaron con una luz apocalíptica y figuras grotescas que vagaban enloquecidas por espacios desiertos.
La apertura de la sala octogonal coincide con la nueva presentación de la colección permanente. El recorrido no cambia. Comienza con los grandes tapices y la escultura y, a partir de ahí, sigue el itinerario cronológico, sin más variantes que la inclusión de las dos obras de los años 30 citadas y que el tríptico que colgaba en la sala octogonal ‘L'esperança del condemnat a mort’, el círculo de la vida que queda interrumpido por la muerte (dedicado a Puig Antich) pasa a las reservas del museo.
Lo novedoso es la mejor iluminación de las salas, que permiten una mejor contemplación de las obras, y la colocación de paneles informativos en cada espacio, contextualizando la vida y la obra de Miró. También se ha añadido un audiovisual sobre la figura del artista en el sótano, donde están expuestas las obras de los amigos artistas de Miró.

El Musac se prepara para la reclusión de Txomin Badiola, Euba y Sergio Prego

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ( MUSAC ) ha cerrado sus salas para prepararse para un novedoso proyecto expositivo, que arrancará el 30 de enero con la muestra de la obra incompleta de los artistas bilbaínos Txomin Badiola y Jon Mikel Euba, y el donostiarra Sergio Prego, que se recluirán en el museo 40 días para terminarla.
A partir del próximo día 30, se expondrán las muestras individuales de estos tres escultores vascos, que a partir del 8 de febrero se encerrarán ocho horas al día, junto a quince voluntarios, en este museo con el fin de completar y transformar su obra.
La iniciativa se llama ‘Primer pro-forma 2010’, un nuevo formato experimental del Musac que parte de un compromiso con los tres artistas, que incluye la producción, la exhibición y la educación artística, como si de una universidad se tratara.
La idea coincide con la de estudio expandido, en el sentido de que el Musac y los 4.000 metros cuadrados de superficie destinados a la exposición, se convertirán en un lugar de trabajo para los artistas y de formación para los quince voluntarios.
Después del 20 de marzo, y hasta el 6 de junio, cuando hayan acabado el trabajo, se podrá ver el resultado de las intervenciones. Además de la obra de los tres escultores vascos, el 30 de enero también se inaugurará en el Musac 'Pre-Bellevue', la primera exposición individual en España del artista griego Yorgos Sapountzis, que estará en el apartado Laboratorio 987, un espacio dedicado a apuestas más arriesgadas. Se trata de un proyecto específico para el Musac , que está basado fundamentalmente en el concepto y las limitaciones del espacio público. Además, en el apartado de vitrinas, en el vestíbulo, se inaugurará el proyecto 'Loud Flash', en el que se reflexionará sobre el papel del punk británico.
Asimismo, a partir del día 30 de enero, se proyectará 'Iberia', una instalación audiovisual del artista Augusto Alves da Silva (1963, Lisboa) y que se trata del primer proyecto en colaboración entre Musac y la Fundación Serralves de Oporto. En 'Iberia', el espectador se enfrentará a una proyección aleatoria de miles de imágenes captadas por el artista a lo largo de un viaje por España en jeep.

“Impresionismo. Un nuevo renacimiento”, en Madrid

La Fundación Mapfre presenta hoy en sus salas de exposiciones del Paseo de Recoletos la muestra “Impresionismo. Un nuevo renacimiento”, que recorre la historia del más importante movimiento artístico moderno a través de las grandes obras del Musée d’Orsay.
Del 15 de enero al 22 de abril, se podrán contemplar 90 de las grandes obras maestras de Manet, Monet, Renoir, Sisley, Pisarro o Cézanne, entre otros. Es la primera vez que un conjunto de obras impresionistas de primera importancia se presenta en España. Se trata por tanto de una ocasión única para contemplar, a través de los grandes maestros, una visión global de este movimiento artístico que cambió la percepción de la modernidad y que empezó con la modesta exposición de pintura que, en 1874, anunció el nacimiento de esta mayor revolución artística de la historia: el Impresionismo.

Qué: Impresionismo. Un nuevo renacimiento.
Dónde: Fundación Mapfre. Madrid
Cuando: Del 15 de enero al 22 de abril de 2010.

La feria viguesa Espacio Atlántico tendrá lugar entre el 14 y el 17 de enero

Cincuenta galerías españolas y portuguesas mostrarán sus propuestas en el marco del Programa General de Espacio Atlántico, feria de arte contemporáneo de Vigo anteriormente denominada Puro Arte que en 2010 celebrará su cuarta edición. A esa selección de galerías habrá que sumar las que presentarán proyectos de un único artista, cuyos nombres aún no se han hecho públicos.
Espacio Atlántico podrá visitarse entre el 14 y el 17 de enero en el Recinto Ferial IFEVI de la capital pontevedresa y contará con la dirección de Marta Scarpellini y la dirección artística del comisario y crítico David Barro. Considerado como el principal referente ferial de la zona noroeste de la península, contará con la participación de quince galerías lusas y treinta y siete españolas, muchas de ellas ausentes por decisión propia de ARCO o Arte Lisboa al haber tomado la feria gallega como una apuesta personal.
Espacio Atlántico desarrollará además un activo programa social para profesionales del sector cultural y coleccionistas en el que participarán las principales instituciones artísticas de Galicia. Tendrán cabida todo tipo de manifestaciones (pintura, escultura, fotografía, vídeo, grabado, etc) realizadas por artistas acreditados de la escena internacional y jóvenes talentos.

Qué: Espacio Atlántico 2010
Dónde: Recinto Ferial IFEVI Pabellón 1. Avenida do Aeroporto 772. Cotogrande 36318
Vigo
Cuándo: Del 14 al 17 de enero de 2010

José Guedes expone por primera vez en España

El IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) ha inaugurado la primera exposición en España del artista brasileño José Guedes, un autor polivalente que representa el espíritu de movimientos emergentes relacionados con el conocimiento abierto y la inteligencia colectiva.
Guedes es un artista que se integra en los medios y soportes técnicos de su tiempo y sus ideas se asocian con la realidad contemporánea, razón por la cual, iconos del presente forman parte de su obra ecléctica y cotidiana.
Cualquiera de las disciplinas que elige para comunicarse con el público, bien sea la fotografía, el vídeo, la instalación, la pintura, el diseño, el objeto o la intervención, muestran un sustrato común que se refleja en el gusto por transitar y dialogar con momentos o detalles de la vida doméstica de nuestro tiempo.
Se puede decir que toma como referente estereotipos reconocibles del ‘sistema' para abordarlos y crear un discurso narrativo, en muchas ocasiones, cargado de una crítica a la vida pública de su país.
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Qué: José Guedes
Donde: IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno). Valencia
Cuándo: Hasta el 21 de marzo de 2010

La sangre menstrual protagoniza una muestra sobre la esencia de la mujer

Fotografías en las que una mujer desnuda y con la espalda tatuada dibuja la palabra amor en una pared blanca con su sangre menstrual, o en las que una joven abraza las piernas de otra sobre las que escurre este fluido, forman parte de una exposición inaugurada en Valladolid.
La muestra, creada por la artista Isa Sanz bajo el título ‘Sangro, pero no muero’ pretende ahondar en la esencia creadora de la mujer y en su posición en el mundo, a través de la fijación en los tabúes de la mujer desnuda y la sangre menstrual, según ha explicado la autora.
En las 15 fotografías y los dos vídeos que la componen, se puede observar a mujeres en distintas posturas que invitan a reflexionar sobre el ciclo menstrual y su relación con el pensamiento femenino.
Sanz ha definido la exposición como un viaje de retorno al concepto griego del kosmos menstrual, entendido este concepto como lo hacían los griegos, en relación con la armonía de cuerpo, mente y espíritu.
(Foto: Isa Sanz)

Un Chagall que ha costado menos que un atún rojo

Una galería de Londres, Reino Unido, comenzó a exhibir este viernes de la semana pasada una pintura de Marc Chagall que un pequeño museo de la capital británica adquirió por apenas 41.500 dólares el año pasado, en una subasta en París.
Teniendo en cuenta los precios normales de las obras del pintor ruso-francés, ésta se adquirió por una verdadera ganga y costó cuatro veces menos que un atún subastado en Tokio, que anda en una media de 175.000 dólares.
El Museo Judío de Arte Ben Uri de Londres compró el cuadro, titulado "Apocalipsis en Lila, Capricho" en una operación casi secreta, que tenía por objetivo no alertar a las grandes galerías del mundo sobre su puesta en venta.
La pintura, de 1945, es una de las diez de Chagall creadas de 1938 a 1945 que contienen un Jesucristo.
Esta obra, hasta ahora desconocida, es la expresión profundamente personal de Chagall del horror y el luto por la civilización judía casi exterminada por los nazis, así como una expresión del dolor por la muerte, ocho meses antes, de su esposa Bella.
La pintura, de 51,1 x 36 cm, se exhibirá en la galería Osborne Samuel de Londres hasta el 31 de enero.