SALVADOS DEL INCENDIO: KANDINSKY – “PUNTAS EN ARCO”

Al día de hoy sólo ante la obra de dos pintores he estado a punto de arrodillarme y llorar: Kandinsky y Rothko.

Puntas en arco

Es curioso pero ambos comparten algunas similitudes: los dos son rusos y ambos tienen una obra que es de más bien poco interés en sus inicios para, de golpe, empezar a crear una pintura absolutamente genial y abrumadora. Pero ahora de lo que se trata es de salvar la obra de Wassily Kandinsky.
He de reconocer que, particularmente, los primeros trabajos de Kandinsky me interesan más bien poco, e incluso nada. De hecho, en general, me parecen bastante flojos y sin mucho interés. Sin duda, desde un punto de vista biográfico deben ser tenidas en cuenta, pero en tanto que Arte, bueno, seamos sinceros, hay decenas de pintores mejores mejores que él, al menos hasta 1910 cuando pinta su primera acuarela abstracta.
Es verdad que Monet, que le causó una onda impresión a nuestro artista, tuvo acercamientos, digamos que intuitivos, a la abstracción, y que Delaunay, también estuvo ahí, pero él fue el primero, y ya sólo por eso merecería entrar en la historia del arte.

En Azul

¿Donde reside, fundamentalmente, el interés de la obra kandinskiana? Desde mi humilde punto de vista en que Kandinsky intenta, de manera más consciente de lo que se cree, pintar la música. Pocos artistas -otro podría ser Chillida y su obra sobre Bach- hay estado tan cerca de pintar eso tan abstracto y volátil como es la música. No hay que olvidar que este artista relacionaba directamente los colores con determinados instrumentos, como dejó escrito en su imprescindible "De lo espiritual en el arte".
Hay otro elemento en su obra que no hay que dejar pasar; es el primer pintor que crea un universo propio, que con sólo líneas y curvas es capaz de abrir un mundo hasta entonces desconocido. Hasta Kandinsky, los pintores, y los artistas en general, tenían que someterse al dictado de la realidad; desde él tal esclavitud dejó de ser un imperativo, y de esa forma abrió el arte de una manera nunca vista hasta entonces.

Trazo Transversal

¿Qué salvar de su obra? Todas sus ‘Composiciones’, desde 1925 hasta el final de su vida en 1944; y es que en esos cuadros sobretodo, Kandinsky supo compaginar una fecunda fantasía, un exquisito y libre uso del color, un continuo actuar bajo un impulso natural, con una equilibrada disciplina y un orden controlado. En el arte de Kandisnky la intensa emoción poética no esta reñida jamás con la más depurada y paciente técnica.

LA OBRA

Amarillo-Rojo-Azul

Composición VII

Negro-Violeta

Armonia Tranquila

On White

Composición 10

Fervor barroco para tiempos de crisis

La extravagancia, el sensacionalismo, la opulencia y la originalidad que dieron identidad y poderío al imaginario visual del barroco regresan puestas al día para el tercer milenio en el arte contemporáneo más rabioso. Reinterpreta y actualiza los temas y la iconografía de la cultura del seicento. Han sido seleccionados 28 artistas, grandes nombres del star system del arte actual, y algunas de las obras más mediáticas y controvertidas de los últimos años para una sorprendente muestra. Titulada ‘Barock: Arte, ciencia, fe y tecnología en la edad contemporánea’, se celebra en el Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), en Nápoles.
El estilo, protagonista el otoño expositivo en media Europa, recibe aquí una atención novedosa. Y vuelve a probar que el barroco interesa. Una de las muestras de la temporada en Londres es ‘Lo sagrado hecho real’, que ha conquistado a las audiencias con sus dramáticas tallas de arte sacro español del siglo XVII. Acaso sea porque, como se comprueba en la cita de la National Gallery, un insospechado puente artístico conecta la escultura barroca y el hiperrealismo más rompedor.
Las decisiones que los organizadores ha tomado para la exhibición ‘Barock…’ se antojan idóneas. Una de las etapas obligadas del grand tour, el viaje iniciático por el sur de Europa de los aristócratas, era la Cartuja de San Martino en Nápoles. El enclave, símbolo del triunfo del barroco, era célebre por su cementerio decorado con las reproducciones de las calaveras de los monjes, elemento característico de los gustos fastuosos, decadentes, experimentales y morbosos de aquella época. Más de tres siglos después la joven italiana Giulia Piscitelli, en una acción relámpago -sin permisos ni sofisticados aparatos- las ha fotografiado para la exposición tocadas con cascos de obrero de la construcción.
Empezando por el tiburón tigre más caro de la historia, de Damien Hirst sumergió, el recorrido tiende un puente entre el siglo XVII y la actualidad, marcado por las pelucas de Sislej Xhafa, el fantasma de la religión de Shirin Neshat, y los ralladores gigantes que Mona Hatoum.
El encanto perverso y barroco de la provocación se plasma en la hiperrealista 'Mujer crucificada' (en la foto) de Maurizio Cattelan, célebre por su polémica escultura del papa Juan Pablo II derribado por un meteorito. El juego entre realidad y ficción, la sublimación de la decadencia y la muerte, las contradicciones del progreso, las ambigüedades visuales, análogas a las que caracterizaron la edad barroca, se materializan en obras de Jake & Dinos Chapman, de Anish Kapoor, de Jeff Koons, de Gilbert & George, de Jeff Wall y de Antonio Biasucci.
La muestra coincide muy apropiadamente con la gran manifestación ‘Retorno al Barroco. De Caravaggio a Vanvitelli’, compendio de las obras maestras de este periodo, que se celebra en los seis principales museos de la ciudad. El proyecto reúne más de 500 piezas procedentes de colecciones públicas y privadas italianas y extranjeras, empezando por las sombrías pinturas de Caravaggio, cuya llegada a Nápoles en 1606 marcó el inicio de la época barroca.

(Fuente: Diario ‘El País’)

El Thyssen expondrá a Monet en febrero

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogerán entre el 23 de febrero y el 30 de mayo de 2010 la exposición 'Monet y la Abstracción', que abarcará las obras más significativas de la última producción del pintor. Junto a los cuadros que reproducen el famoso jardín de Giverny, aparecerán los trabajos de toda una generación que recogió el testigo del maestro y que está constituida por nombres como Jackson Pollok, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell o Gerhard Richter.

Claude Monet - "Nenúfares"

En un momento en que Claude Monet era considerado como un artista desfasado con una producción igualmente anacrónica, surgieron una serie de jóvenes artistas que supieron encontrar en su pintura nuevos caminos o réplicas ante los gustos imperantes. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la historia del arte se vio, una vez más, mutilada y descompuesta en un abanico de estímulos que arrastraban las ya viejas estrategias de la Vanguardia canónica. Así, fórmulas manidas o excesivamente aprovechadas como el último Expresionismo o la Nueva Objetividad dieron paso a nuevas propuestas como la Abstracción americana, en cuyo seno se revalorizó cierto tipo de arte europeo y, más concretamente, se redefinió el modo de entender a Monet.
Con esta inminente exposición en Madrid se podrá no sólo comprender mejor a este artista de referencia, sino también colocar su mirada dentro de las inquietudes del panorama cultural americano, centrol munidial del arte durante la segunda mitad del siglo XX.