El Museo de Bellas Artes de Bilbao revisa la trayectoria de Alberto Schommer

El vitoriano Alberto Schommer se ha convertido en uno de los fotógrafos españoles más reconocidos del momento debido en gran parte a los retratos que desde hace cerca de cuarenta años viene publicando en diversos medios de comunicación de España.
Entre el centenar de instantáneas de Schommer que mostrará el Museo de Bellas Artes de Bilbao figuran copias modernas de su primera época, vintages, fotomontajes, obras volumétricas e imágenes seleccionadas de series como Máscaras, Paisajes negros o Cascografías, que presentan un recorrido por los libros que el artista vasco ha publicado desde 1978 hasta hoy.
Tres secciones estructuran la retrospectiva "Schommer Retrospectiva 1952-2009": Primera época, Paisajes y escenarios urbanos y Experimentación y puesta en escena.
Influido formal y estéticamente por la producción de Irving Penn y William Klein, siempre ha defendido la consideración de la fotografía como medio artístico independiente a través de bodegones, paisajes, retratos y cascografías.

Qué: "Alberto Schommer"
Dónde: Museo de Bellas Artes de Bilbao
Cuándo: del 8 de febrero al 16 de mayo de 2010

(Imagen: "El poeta José Hierro". Alberto Schommer)

PINTAR SIN PINTURA

El pasado 28 de enero, el periodista y ensayista Vicente Verdú, publicaba en el diario El País, el siguiente artículo que por su interés reproducimos.

Pintar sin pintura

Un uso corriente que llama mucho la atención es el hecho de que las galerías de arte no cobren un céntimo por entrar en ellas y recrearse ante los cuadros. Pero también es llamativo que apenas se vea a alguna persona visitando una galería en Barcelona o Madrid y ésta debe de ser la razón de que sea completamente gratis. Si no pagando nada están desiertas, ¿cómo iban a esperar que se llenaran requiriendo un estipendio?
Pero otra importante razón de fondo para explicar la ausencia de público es tanto la arbitrariedad del valor que rige en el mercado del arte como los precios desaforados y ridículamente altos que se piden por un cuadro. Un doble asunto de hace varias décadas pero que sigue en pie como si no bastaran los espectaculares fraudes a lo Damien Hirst o las grotescas especulaciones en galerías, exposiciones y subastas.
El público no especulativo ni conspirativo, el mundo ajeno a la complicidad de críticos, galeristas y curators da justificadamente la espalda a este mercado que crece tanto en la mendacidad como en la banalidad y el desconcierto.
Hay críticas de especialistas que debieran orientar el gusto y fijar la importancia de un pintor pero si hay algo inextricable en todos los géneros posibles de escritura es (con excepciones) esta clase de textos donde raramente se adivina si el juicio es positivo o negativo porque viene a ser contemplativo. Faltos de instrucción, huérfanos de críticos inteligibles y náufragos en un mercado sustantivamente intrigante y especulador, el cliente potencial pierde interés por ir de galerías.
Un ejemplo que puede constatarse estos días en una céntrica calle de Madrid es la astronómica diferencia de precios entre las muestras de dos galerías vecinas y sin que medie nada demasiado cabal que lo justifique.
En la galería Orfila (fuera del prestigioso grupo galerista del Consorcio) expone un pintor, Martín Viveros, sin fama pero no sin talento, cuyas obras de "expresionismo abstracto" tienen fijados unos precios entre los 400 y los 1.200 euros. Diez metros más abajo, sin embargo, en la Marlborough los cuadros de David Rodríguez Caballero, cuya máxima característica consiste en pegar tiritas de vinilo sobre superficies de fieltro o papel vegetal, cuestan más de 12.000 euros. ¿Por qué? La pregunta, se dirá, es impertinente refiriéndose al arte. Pero la estupidez también.
Una galerista de estilo, perteneciente al Consorcio, confesaba que no expondría ninguna obra que supusiera un retroceso en su trayectoria vanguardista. Y el vanguardismo, una vez experimentadas todas las opciones provocadoras, viene a recaer hoy, especialmente, sobre la originalidad de los materiales que se utilicen. De ahí que se llegara a emplear excremento de elefante (Chris Ofili) como una elección todavía inédita en 1999 y que logró, junto a otras sensations de los jóvenes artistas británicos, la cola más larga de turistas en la historia del Brooklyn Museum.
El secreto se encuentra en "la propuesta" nueva, y la nueva propuesta lo será en estrecha relación con la novedad de los materiales. ¿La mano del artista? El artista de gran éxito hace tiempo que no mueve un dedo. Basta con constatar los resultados de los premios de pintura: los galardones recaen sobre obras que son una conjunción de soportes no convencionales, máquinas digitales y pueriles sortilegios tales como "pintar sin pintura" (Rodríguez Caballero).
¿La deshumanización del arte? Esto fue el tema de hace un siglo. De lo que se trata ahora es de la sublime institucionalización del camelo. Tampoco esto es de ayer ni siquiera de anteayer pero, a estas alturas, no debiera continuar ni mañana por la mañana. ¿Galerías vacías? La presente calamidad de la crisis compite con el insufrible nivel de la impostura.

(Imágenes: arriba "Dolor de hombre" de Martín Viveros. Abajo: "Piezas vinilo" de David Rodríguez Caballero)

“A través del bosque” con Rodney Graham

El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) acoge desde el pasado 30 de enero “A través del bosque”, una exposición que incluye un centenar de obras del artista canadiense Rodney Graham realizadas entre los años 1978 y 2008. El estilo de Graham se encuentra muy influenciado por el arte conceptual, el arte pop, la literatura y la música.

Alegoría de la locura

Graham utiliza diferentes soportes (libros, vídeos, esculturas, máquinas-dispositivos, pinturas, fotografías, instalaciones, material impreso y música) para producir obras que desafían la autoría y algunos conceptos clave de la historia del arte contemporáneo, y que juegan con la percepción.
Esta muestra, coproducida con el Kunstmuseum Basel, Museum für Gegenwartskunst, de Basilea (Suiza), y la Hamburger Kunsthalle, de Hamburgo (Alemania), incluye una importante compilación de libros y esculturas, instalaciones y máquinas basadas en libros de Graham procedentes de una biblioteca peculiar que muestra sus interpolaciones, anexos, puntos de libro, dispositivos de lectura y expositores al estilo de Judd, entre otras piezas.
La exposición también reúne la serie de 21 cuadros Picasso, My Master (2005), su primera incursión en la pintura, que reconstruye con un punto de humor el aura de maestría de la obra del malagueño.
La repetición cíclica, el reflejo múltiple y la desviación en espiral son elementos recurrentes en su obra que evocan estados de percepción alterada o un movimiento pendular.

Qué: Rodney Graham. “A través del bosque”
Dónde: Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). Una pequeña parte de la exposición también podrá verse en el Museo Picasso de Barcelona.
Cuándo: del 30 de enero al 18 de mayo de 2010

La colección Daros se expone en la Ciudad Grupo Santander

El arte latinoamericano es espectador y protagonista en la exposición Al calor del pensamiento, que se abrió al público hoy en la sala de arte Ciudad Grupo Santander, en Boadilla del Monte (Madrid). Una selección de 70 obras de 22 artistas de la colección Daros, de Suiza, una de las más importantes especializadas en arte contemporáneo de ese continente.
Tanto los artistas como las obras que integran la Colección son tan heterogéneos como los países que representan. Esta diversidad se extiende también a los medios y materiales de expresión: desde las técnicas clásicas de la pintura, la escultura o el dibujo hasta los formatos más innovadores como las instalaciones, los vídeos o las piezas de sonido.
Entre los otros nombres presentes se encuentran Liliana Porter, Marta Minujín, Doris Salcedo, José Damasceno, Carlos Amorales, Jorge Macchi, Cildo Meireles, Vik Muniz, Belkis Ayón, José Alejandro Restrepo, Marco Maggi, Leandro Erlich, Gonzalo Díaz y Miguel Ángel Rojas. Muchos de ellos habituales en las grandes citas internacionales del arte contemporáneo.
La Daros Latinamerica Collection, con sede en Zúrich y una sucursal en Río de Janeiro, consta de más de 1.300 obras y fue iniciada a principios del presente siglo con el objetivo de que en ella estuvieran representados aquellos artistas de América Latina cuyo trabajo prometiera tener un importante impacto. Aunque está centrada en los últimos 20 años, incluye piezas emblemáticas de los sesenta y setenta.

Qué: Al calor del pensamiento. Obras de la Daros Latinamerica Collection
Dónde: Boadilla del Monte (Madrid)
Cuándo: Del 2 de febrero al 2 de mayo de 2010

(en la imagen: La familia (1991) de Belkis Ayón)

Retrospectiva del histórico grupo catalán Dau al Set en Madrid

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid inaugurará el próximo jueves la exposición Dau al Set, una retrospectiva que recorre uno de los capítulos más importantes del arte español de los años cincuenta. Este grupo heterogéneo de artistas contribuyó hace 70 años a ampliar el panorama artístico de nuestro país y recuperar la tradición de la vanguardia artística española, interrumpida en 1939.
Con este proyecto se conmemora el setenta aniversario de la publicación del primer número de la revista homónima y ratifica la indiscutible aportación de este grupo a la cultura contemporánea de nuestro país. Esta exposición es un pequeño homenaje tanto al grupo como a aquellos fotógrafos, galeristas, editores, críticos... que hicieron posible esta ráfaga de modernidad.
En el mes de septiembre de 1948 se publicó el primer número de la revista Dau al Set, “la séptima cara del dado”, y en diciembre de 1952 el último, lo cual no evitó que se constituyera en una de las publicaciones más importantes del panorama editorial artístico del momento. Sus miembros fundadores fueron el poeta Joan Brossa, que dio nombre al grupo y a la revista, el filósofo Arnau Puig, los pintores Joan Ponç, su director, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats, editor e impresor de la misma. Poco después se unió al movimiento el polígrafo Juan Eduardo Cirlot.
La exposición está estructurada en torno a dos bloques: el artístico, en el que se integran unos cuarenta cuadros y dibujos firmados por Tàpies, Cuixart, Tharrats y Ponç. Y el documental, en el que se exhiben originales de diversos números de Dau al Set, soporte que utilizaron como campo de ensayo, territorio de iniciación y plataforma de promoción. Además de cómo un espacio para la creatividad con el que reivindicar su lenguaje durante la primera etapa del Franquismo.

Qué: Dau al Set
Donde: Museo de Arte Contemporáneo. Madrid
Cuándo: Del 4 de febrero al 28 de marzo de 2010

(En la imagen, los fundadores del grupo)

Xavier Mascaró instala sus monumentales esculturas en el paseo de Recoletos de Madrid

El paseo de Recoletos está ocupado desde la madrugada de ayer por un ejército de acero. Son esculturas de hasta tres metros de alto, forjadas en hierro, que forman parte de la exposición Escultura Monumental, del artista parisiense Xavier Mascaró. La muestra cuenta con 11 figuras de guardianes y budas de hierro oxidado y una barca de 17 metros de eslora, que se exhibe en la cuesta de Moyano. La exposición recala en Madrid tras pasar por Málaga y Sevilla. El año pasado ya desembarcó en los jardines del Palais Royal de París.
Los viandantes que recorren el paseo de Recoletos se topan de bruces con un ejército monumental, instalado en la madrugada de ayer. Los budas forman parejas vigiladas por un gran guardián anaranjado por su vejez. El artista juega con ese concepto del tiempo representado a través del óxido de las esculturas de los guardianes.

BEGOÑA ZUBERO - TEMPELHOF

El aeropuerto de Berlín-Tempelhof, situado en Berlín (Alemania) en los distritos municipales de Tempelhof-Schöneberg y Neukölln, cerró sus puertas a los pasajeros el día 31 de octubre de 2008. A este mítico aeropuerto, protagonista del más famoso puente aéreo, Begoña Zubero(Bilbao, 1962) le ha dedicado su último trabajo, una obra fotográfica que muestra distintos lugares de ese lugar vacío.

Zubero plasma sobre todo, en un riguroso blanco y negro, pasillos, escaleras, puertas, donde la figura humana brilla por su ausencia. Podría pensarse que la artista bilbaína plantea una obra donde se valora la grandiosidad de la arquitectura del lugar, pero sería una mirada errónea; pues lo que se presenta ante el espectador no es otra cosa que una reflexión sobre la muerte, la pérdida y el olvido.
Begoña Zubero no hace otra cosa que fotografiar fríamente, con una mirada que disecciona las diferentes partes del edificio, un cadáver. Lo que la obra viene a plantear es una reflexión sobre el vacío, la nada, que queda tras la vida.
La práctica totalidad de las imágenes presentadas atrapa al espectador, no sólo, que sí, por la técnica fotográfica que remite a los dibujos científicos, sino por esa fría belleza que destila todo.

Una imagen de la exposición en la Galería Altxerri

Dónde: Galería Atxerri. San Sebastián