Perez Rey

2010-03-22T02:14:00.000-07:00

NOS HEMOS TRASLADADO
Desdel el 21 de marzo de 2010
nos puedes encontrar en
nuestra nueva dirección:
http://www.lookingforarsmundi.blogspot.com/

PARIS 100 URTE/AÑOS

2010-03-18T03:18:00.000-07:00

París fue; y esta exposición es un homenaje a esa ciudad que hasta mediados del siglo XX fue el centro artístico de Occidente. Si se quería intentar, y lograrlo, ser alguien en el mundo del arte había que ir, y estar, en la capital francesa. Allí, en uno u otro momento, vivieron y trabajaron Degas, Renoir, Chagall, Picabia, Picasso, Dali, Miro, Marx Ernst, Kandinsky, María Blanchard… y un largísimo etcétera.
Sin embargo, y por esas cosas de la historia, hoy París es, prácticamente, una ciudad irrelevante para el arte contemporáneo, desplazada por Nueva York, Los Angeles o Londres (sobre todo en lo referente al merado del arte). La Ciudad de la Luz vive, en cuanto al arte se refiere, de su glorioso pasado.
Esta muestra, compuesta por un total 75 obras -62 pinturas, 8 dibujos, 2 aguafuertes, 2 esculturas y un cartel-, tiene su origen en la colección privada de Claude Ghez que tiene su sede permanente en el Petit Palais de Ginebra.
Como muchas otras exposiciones (desgraciadamente cada vez más), esta también tiene una importante vertiente, digamos, educativa y así la muestra se divide en cuatro áreas temáticas: ‘Los escenarios de Paris’. ‘El espectáculo, la noche’, ‘Interiores, intimidades’ y ‘París sede de las vanguardias’. Con este división lo que persiguen los organizadores es un doble objetivo; por un lado, conducir al espectador a través d aquella ciudad en permanente ebullición artística; por otro, mostrar las diferentes tendencias artísticas y dar a conocer los movimientos del arte moderno que estaban a punto de florecer como el fauvismo, el cubismo y la Escuela de París.
Paris 100 Urte/Años se convierte en una exposición, y este es uno de sus valores, que documenta un tiempo y un lugar, pero también su acelerado desarrollo y cambio; ¡hubo tiempo en el que había molinos en París! (ahí está ‘Le maquis de Montmartre’ de Quiet para demostrarlo). En este sentido resultan esclarecedoras las fotografías que se recogen al inicio de la muestra y que aparecen recogidas bajo el epígrafe de “Paris en la fotografía del cambio de siglo”. Aquí hay que destacar las imágenes de los Hermanos Séeberger, el contundente y emotivo, que llama a la solidaridad de cualquier artista, “Jean Galeanis arrastrando el cohce y su cuadro rechazado en el Salón de Otoño”, y el magnífico retrato de Piet Mondrian a cargo de Andor Kertész.
En cuanto a las pinturas, merece la pena detenerse en las dos obras puntillistas de Marevna, que son de lo más llamativo de la exposición, el atrayente “Portrait de Massaida” de Steinlen, una de las mejores piezas mostradas; las pinturas impresionistas de Gustave Loiseau; las dos pequeñas piezas de Renoir y los trabajos de Nicola Tarkhoff, , en las que se nota el influjo de Manet. Eso sin olvidar el magnífico Albert Gleizes, la única pintura abstracta colgada, y las dos telas cubistas de María Blanchard que dan cuenta de la importancia y la valentía artística de esta mujer
Ahora me temo que ya no, pero está claro que hubo un tiempo en el que París bien valió un misa.

Qué:Paris 100 Urte/Años
Dónde:Sala Kubo-Kutxa. San Sebastián
Cuando: Hasta el 5 de abril de 2010

(Imágenes, de arriba abajo: obras de Quizet, Tarkhoff y Degas. Cortesía de Sala Kubo-Kutxa)

El MUSAC indaga en la estética punk

2010-03-16T02:35:00.000-07:00

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, León) acoge hasta el 28 de marzo la exposición Loud Flash. Punk británico sobre papel. The Mott Collection, una puerta abierta para la reflexión acerca de la influencia que el movimiento punk británico de finales de los setenta y principios de los ochenta ha ejercido en las décadas posteriores a ambos lados del atlántico a través de diversas perspectivas: desde posicionamientos políticos a modelos éticos y sociales, así como el influjo y la evolución de una estética que ha traspasado la música para afincarse en otros terrenos creativos como las artes visuales, escénicas y plásticas, la literatura, etc.

Con el objetivo de incidir en estas líneas conceptuales, la muestra se complementa con un seminario teórico, que se celebrará el sábado 27 de marzo bajo el título "Estéticas del punk".

MONET Y LA ABSTRACCIÓN

2010-03-15T01:42:00.001-07:00

Va a ser una de las mejores exposiciones del año, lo que significa que todo aquel que este interesado mínimamente en el arte, y tenga la oportunidad de hacerlo, no debiera perderse esta exposición.
Esta extraordinaria muestra puede entenderse como si de una gran superproducción hollywoodense se tratara; tanto por los medios puestos para su concreción, como por, y esto es lo realmente importante, las obras expuestas. Pocas veces habrá la oportunidad de ver reunidas y dialogando de la manera que lo hacen estas pinturas.
Monet y la Abstracción es una exposición de tesis; es decir; hay una comisaria –Paloma Alarcó- que tiene una idea sobre el arte y su desarrollo, y, gracias a los medios puestos a su disposición, hace realidad su teoría.

¿Cuál es la propuesta expuesta? Una francamente sugestiva y que ha conseguido plasmar con contundencia: la influencia que ejerció Claude Monet en la obra de la primera generación de expresionistas abstractos norteamericanos, entre los que figuran los nombres más destacados de ese estilo: Jackson Pollok, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis o Joan Mitchell; pero que también se ha extendido en el tiempo a través de las obras de Gerhard Richter o Robert Ryman. Es preciso recordar que no será hasta la década de los cincuenta cuando Monet sea reivindicado con fuerza por ese grupo de pintores agrupados bajo el epígrafe de ‘expresionistas abstractos’, pues ellos contemplaron su producción desde una fresca y nueva mirada, y en ella supieron encontrar nuevos caminos expresivos. Hasta entonces, el pintor francés era considerado como un artista desfasado, con una producción igualmente anacrónica, debido en buena parte al auge de las vanguardias constructivas, el fauvismo y el cubismo. En este nuevo orden de cosas no sería descabellado considerar a esos artistas y la corriente en la que están inscritos como ‘impresionistas abstractos’.
El que Monet ejerciera esa fascinación e influencia en los expresionistas abstractos americanos, y después por extensión en todo el informalismo, hay que buscarlo en la obsesión del pintor francés por captar el instante, siempre presente a lo largo de su trayectoria artística y agudizada en los últimos años de su vida. De ahí a la abstracción no hay más que un paso; y para comprobarlo basta observar toda su fantástica serie de nenúfares, por no mencionar esos portentosos lienzos a gran tamaño de su jardín de Giverny. Tener la oportunidad de ver todas esas obras es un regalo para los sentidos.
Señalaba que esta es una ‘exposición de tesis’ –algo que en si mismo no es necesariamente malo o peyorativo-, y ello queda reforzado ante la confesión de la comisaria de que todas las obras de los artistas que acompañan a Monet han sido elegidas expresamente: eran esas las que se querían y no otras; y ello con el fin de reforzar el concepto del cual ha partido la iniciativa de esta muestra. Evidentemente esto tiene un claro peligro: la de considerar las pinturas como meras ilustraciones, donde lo importante es el discurso del comisario de turno. Felizmente esto no sucede en esta ocasión, y ello es debido a la potencia expresiva de las piezas seleccionadas.
De entre lo mucho y bueno que hay no me resisto a señalar algunas obras que merecen ser destacadas, como son las de Willem de Kooning, las tres impresionante obras de Joan Mitchell, la primera obra abstracta de Ellswort Kelly, Rothko, Adolph Gottlieb, Maria Elena Vieira da Silva, Richter o Cy Twomly.
Lo dicho, una exposición para ver.

Qué: Monet y la Abstracción
Donde: Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid
Cuándo: hasta el 30 de mayo de 2010

Anish Kapoor en el Guggenheim de Bilbao

2010-03-12T01:01:00.000-08:00

El Museo Guggenheim Bilbao inaugurará el próximo martes, 16 de marzo, una de las exposiciones más importantes de su temporada, la monográfica de Anish Kapoor, uno de los escultores más influyentes del panorama internacional actual. La muestra, que permanecerá en la institución bilbaína durante seis meses, obtuvo antes una extraordinaria acogida en la Royal Academy of Arts de Londres, y ha sido organizada en estrecha colaboración con el artista.

Nacido en Bombay (India) en 1954, y graduado en las escuelas de arte de Hornsey y Chelsea de Londres, Kapoor saltó a la fama a comienzos de la década de 1980 gracias a sus exploraciones de la forma escultórica abstracta, sus instalaciones monumentales y sus proyectos artísticos públicos al aire libre.

La muestra de Bilbao recoge varias series de gran espectacularidad que Kapoor ha desarrollado desde 1979, utilizando materiales táctiles o altamente reflectantes: pigmentos puros y brillantes, cera roja como la sangre, fibra de vidrio pintada, piedra, acero inoxidable pulido y, más recientemente, cemento. Estos trabajos muestran el interés de Kapoor por la relación entre el espectador y los objetos presentes en un espacio.

Las obras expuestas en el Museo Guggenheim Bilbao serán, en su mayoría, de gran formato y han sido creadas en los últimos treinta años. En ellas, la interacción con el público es fundamental. Se tratará principalmente de esculturas de colores intensos, con ricas texturas resultado del empleo de materiales industriales, como el cemento, el acero patinable, el aluminio, la cera, las resinas o los pigmentos, y creadas con el objetivo de provocar y generar sensaciones en quienes las observan.

Las obras intervienen claramente en la arquitectura y en el espacio en el que se ubican y, en numerosas ocasiones, han sido creadas para espacios públicos, a menudo exteriores.

Qué: Anish Kapoor

Dónde: Museo Guggenheim Bilbao. Bilbao

Cuándo: Del 16 de marzo al 12 de octubre de 2010

(Fotografía: Vertigo y (No-objeto (polo). Anish Kapoor. 2008)

‘Las hijas de Edward Darley Boit’, de Sargent será la nueva obra invitada en el Mueso del Prado

2010-03-12T00:55:00.000-08:00

El Museo del Prado será testigo, a partir del próximo 16 de marzo y hasta el 30 de mayo, de un encuentro histórico entre dos de las pinturas más enigmáticas de la historia del arte: el retrato de las hijas de Edward Darley Boit, de Sargent (1882) y Las Meninas de Velázquez (1656). Ambas se exhibirán juntas por primera vez en el marco del programa "La obra invitada" cuando la pieza de John Singer Sargent, uno de las obras clave entre las que integran la colección permanente del Museum of Fine Arts Boston, llegue a Madrid.

Sargent se inspiró para la realización de este retrato en la pieza maestra de Velázquez, que pudo ver en las frecuentes visitas que hizo al Prado en torno a 1879, llegando incluso a realizar una copia de las Meninas para estudiar su composición, su iluminación y la dinámica existente en la disposición de las figuras.

Su retrato de las hijas de Darley Boit y el que Velázquez realizó de la familia de Felipe IV se centran en el universo infantil. La infanta Margarita de España fue representada por el pintor sevillano rodeada por sus damas de honor y otros asistentes de la corte; mientras que la pequeña Julia Boit aparece en la obra de Sargent junto a sus tres hermanas, María Luisa, Florencia y Jane.

Considerado uno de los grandes retratistas de su época, John Singer Sargent retrató a las hijas de su amigo y artista Edward Darley Boit en 1882, cuando la familia, de origen norteamericano, se encontraba expatriada en París. Cuatro años después de la muerte de Boit, en 1915, estas niñas donaron la pintura al MFA Boston.

Desde su adquisición por parte del MFA Boston en 1919, este retrato rara vez ha viajado (sólo en dos ocasiones, a Gran Bretaña y Japón) y, a partir del 16 de marzo, podrá verse en Madrid por primera vez. A su regreso a Boston, esta pintura se convertirá en la pieza central de la nueva galería Sargent ubicada en el ala de América del museo.

Qué: “La obra invitada: Las hijas de Edward Darley Boit”Dónde: Museo Nacional Del Prado. Paseo del Prado, s/n. 28014 Madrid

Cuándo: Del 16 de marzo al 30 de mayo de 2010

(Fotografía: John Singer Sargent. Las hijas de Edward Darley Boit, 1882. MFA Boston)

Una exposición recorre la faceta más activista de Richard Hamilton

2010-03-12T00:39:00.000-08:00

Shock and Awe (Impacto e Intimidación) presenta a un Tony Blair transmutado en cowboy que se aferra a sus pistolas, ante un paisaje de hecatombe. La manipulación de las imágenes que vomitan constantemente las tecnologías de la comunicación, una constante en la obra de Richard Hamilton, se sirve en este caso del collage y el óleo para escenificar la doctrina militar sobre un uso aplastante de la fuerza aplicada en Irak. El sesgo más político del polifacético y veterano artista (Londres, 1922), pionero del pop art en el Reino Unido, es objeto de una retrospectiva en la Galería La Serpentine de Londres, que recorre casi cinco décadas de pinturas, grabados e instalaciones sobre guerras, conflictos, protestas o asuntos internacionales. Y principalmente sobre su representación en los medios que dominan la cultura de masas.

El trabajo de Hamilton se interroga constantemente sobre esas representaciones de la realidad que nos rodea, y las reinventa combinando estilos, géneros y formatos, desde la pintura hasta la tipografía, el diseño industrial o las herramientas tecnológicas.
El artista que reconoce en Marcel Duchamp su principal influencia, jugó en los cincuenta un papel esencial en el movimiento de vanguardia Independent Group, un grupo de artistas, diseñadores, arquitectos y teóricos que anticiparon el enfoque hacia el arte conceptual. Multitud de elementos de la cultura de masas -un televisor, el logotipo de Ford, una aspiradora, un cartel cinematográfico- conformaban el collage Just what is it That makes today's homes so different, so appealing? que, tras su exhibición en 1956, se convertía en un manifiesto del movimiento en el Reino Unido.
El arte de Hamilton es una búsqueda por capturar el poder de la imagen que, con frecuencia, se replica en múltiples variaciones. La Serpentine expone su serie más famosa, Swingeing London (1967), que extrajo de una foto periodística de Mick Jagger y el galerista Robert Fraser esposados en un furgón, tras una redada antidroga.

TEFAF Maastricht abre sus puertas

2010-03-11T01:48:00.000-08:00

Hoy comienza en Maastricht (Países Bajos) TEFAF, The European Fine Art Fair, la feria de arte más influyente del mundo. El mayor espectáculo del arte, que se celebra en la ciudad holandesa entre los días 12 y 21 de marzo, reúne este año a 260 anticuarios y galeristas de 17 países, que harán de esta vigesimotercera edición de la feria el epicentro mundial del mercado del arte. La feria aumentará su extensión con la introducción de TEFAF sobre Papel, una nueva sección destinada enteramente a obras sobre papel.

Los expositores de TEFAF mostrarán unas 30.000 obras de arte y antigüedades, incluyendo pinturas, dibujos, láminas, escultura, muebles, antigüedades clásicas, manuscritos iluminados, joyas, textiles, porcelana, cristal, plata, diseño y otras obras de arte, desde la antigüedad hasta el siglo XXI.

Entre las muchas maravillas una de las últimas obras importantes de Paul Gauguin, Deux Femmes (en la imagen), por un precio que rondará los 18 millones de euros. Gauguin pintó este cuadro en un último impulso creativo antes de su muerte, en 1902, después de retirarse en una remota isla del Pacífico.

Otra de las joyas que se podrá ver en la feria será un estudio de San Juan niño arrodillado en oración ante la Virgen y el Niño Jesús pintado por Sandro Botticelli, que será ofrecido por un precio cercano a los 11,1 millones de euros.

También se ofrecerá en esta edición El Compendio de Courtenay, una colección de tratados históricos durante mucho tiempo extraviada, vista por última vez en el siglo XVI, que contiene el primer manuscrito sustancial relacionado con el viajero Marco Polo y que llega al mercado después de casi un centenar de años.

Otras piezas de relevancia dentro de la feria serán Un hombre cantando, una magnífica pintura de los Antiguos Maestros realizada por el artista holandés del siglo XVII Jan Lievens, por un precio de alrededor de 800.000 euros y el importante Retrato de George Washington pintado en 1822 por el artista norteamericano Gilbert Stuart. El precio será de 5 millones de euros. Sin título XVI, una obra de 1982 realizada por el artista Willem de Kooning, estarará a la venta por un precio de 3,7 millones de euros.

Qué: TEFAF (The European Fine Art Fair)
Dónde: Maastricht Exhibition and Congress Centre (MECC). Holanda
Cuándo: Del 12 al 21 de marzo de 2010

El arte oriental de Cai Xiao Song en el IVAM valenciano

2010-03-11T01:39:00.000-08:00

En el arte de Cai Xiao Song encontramos un punto de encuentro entre las culturas de oriente y occidente. Ambas aparecen definidas por lo que son, sin interferencias, conservando sus propias señas de identidad. Xiao Song a través de la reinterpretación, convierte los tesoros de la técnica del arte tradicional en símbolos de una nueva visión de la cultura china.

La exposición que presenta el IVAM, está compuesta por un total de 12 piezas entre las que destacan: seis Stones, (piedras) realizadas en seda y pintadas con tinta china y agua; dos dibujos sobre papel representativos de la pintura tradicional china de montaña y agua; una instalación de caligrafía titulada Década, compuesta por 1.100 piezas y que reúne diez años de la caligrafía del artista y, dos instalaciones de gran formato alusivas a los mapas de España y China realizadas con seda y metacrilato.

Nacido en 1964, Cai Xiao Song pertenece a la generación posterior a la Revolución Cultural China. Entre 1987 y 1991 realiza sus estudios de arte en la universidad de Bellas Artes de Shanghai. Allí recibe una educación artística restringida a la pintura tradicional china y a la pintura académica europea del siglo XIX.
Cai Xiao Song trata de crear vínculos de interdependencia entre elementos que utiliza y, a su vez, entre las diferentes piezas individuales producidas y al hacerlo crea una especie de collage. De este modo también opone el medio ancestral de la pintura china al medio contemporáneo occidental, el collage. Asimismo, la simplicidad y sutileza de la transparencia nos da a conocer lo que siempre será estático y permanente, independiente del paso del tiempo.

Qué: La Solidez del Tiempo. Arte oriental de Cai Xiao Song
Dónde: IVAM Institut Valencià d’Art Modern
Cuándo: Del 4 de marzo al 2 de mayo de 2010

La Capella MACBA renueva su producción

2010-03-11T01:34:00.000-08:00

La muestra #01 Armando Andrade Tudela ahir, demà de Andrade Tudela inaugura una nueva manera de entender la producción de obra en el marco del espacio de la Capella MACBA. Todas las exposiciones tendrán un denominador común: haber sido realizadas específicamente para su presentación en este lugar. El proyecto de Armando Andrade Tudela, artista peruano residente entre Berlín y Saint-Étienne (Francia), incluye dos películas de 16 mm (transferidas a dvd) producidas recientemente y una pieza de pared, Sin título (Dos marcos #2) (2010), todo ello en el marco de una arquitectura pensada también por el artista para esta ocasión.

El núcleo del proyecto de Andrade Tudela es una película que tiene como punto de partida la Fundación Synanon, creada en 1958 en Santa Mónica, California, por Charles E. Dederich, con la idea de construir una comunidad basada en la autoayuda, en una concepción de la vida como un constante ejercicio de rehabilitación. A mediados de la década de los noventa apenas quedaba ya rastro de ella, a no ser por algunas de sus actividades sociales como los almacenes de muebles de segunda mano. El otro dvd “Marcahuasi”, también producida para la ocasión, muestra la planicie peruana del mismo nombre, situada en la cordillera de los Andes, al este de la ciudad de Lima (Perú). Se trata de una impresionante formación de piedras de origen volcánico a más de cuatro mil metros sobre el nivel del mar. Las rocas, impresionantes no solo por su tamaño sino por sus formas extravagantes, han dado lugar a teorías grotescas sobre su origen y a los bautismos más elocuentes.
La noción de matriz queda en entredicho en Sin título (Dos marcos #2). Se trata de una pieza que se mueve en torno a la idea de que pudiera existir una distinción entre forma y contenido, entre contenido y continente.

Qué: #01 Armando Andrade Tudela ahir, demà
Dónde: Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)
Cuándo: Del 10 marzo al 6 junio

IT’S EASY TO REMENBER

2010-03-10T02:24:00.000-08:00

IT’S EASY TO REMENBER
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año: 2009
Técnica: Mixta sobre papel
Medidias: 13.5x19 cm

"Por consiguiente, no sólo tenemos que vigilar a los poetas y obligarles o a representar en sus obras modelos de buen carácter o a no divulgarlas entre nosotros, sino que también hay que ejercer inspección sobre los demás artistas e impedirles que copien la maldad, intemperancia, vileza o fealdad en sus imitaciones de seres vivos o en las edificaciones o en cualquier otro objeto de su arte; y al que no sea capaz de ello no se le dejará producir entre nosotros", (Platón)

¿Que el arte es caro y sólo para ricos?

Pincha AQUI comprueba que es falso

DIETARIO VOLUBLE

2010-03-10T02:09:00.000-08:00

DIETARIO VOLUBLE
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año: 2008
Técnica: Mixta sobre papel
Medidas: 13x17.5 cm

"Hallamos que el hombre se ha servido siempre del arte como un medio para tener conciencia de las ideas e intereses más sublimes de su espíritu. Los pueblos han depositado sus concepciones más elevadas en las producciones del arte, las han maniffestado y han tomado conciencia de ellas por medio del arte". (Hegel)

Quien ha dicho que el arte es caro?
Pincha AQUI y comproborás que no es cierto.

Más mujeres y más discreción para la Bienal del Whitney

2010-03-09T00:26:00.000-08:00

Se acabó la era del arte-espectáculo. Con la crisis pisándole los talones a instituciones, galerías y creadores, parece más que razonable que el Museo Whitney de Nueva York haya optado este año por organizar una Bienal con la mitad de artistas que en años recientes (55) y, sobre todo, con un perfil discreto y alejado de ostentaciones. La 75ª edición de la Bienal del Whitney (hasta el 30 de mayo), titulada escuetamente 2010, ofrece un titular para quienes estén dispuestos a observar de cerca: es la primera de la historia en la que la presencia femenina es mayoritaria.

En los tres pisos que ocupa la Bienal son muchas las propuestas firmadas por mujeres y no se trata ni de arte feminista ni de una oda a la extrema juventud -como ha ocurrido durante la última década-, sino que la gran mayoría de artistas tiene más de 40 años, incluso hay quien llega a los 76, como Lorraine O'Grady, relativamente ninguneada hasta ahora y que por fin ha encontrado reconocimiento.

Se exhiben igualmente dos ensayos fotográficos que en otro contexto se denominarían fotoperiodismo, pero que los comisarios han decidido incluir en la Bienal, difuminando así un poco más los límites de lo que se define como arte. Se trata de creaciones de la ultragalardonada Stephanie Sinclair, en torno al maltrato y autoinmolación de las mujeres afganas; y de las desasosegantes fotografías de la serie Marine Wedding de Nina Berman.
En esta edición vuelve con fuerza la pintura, con diversas salas dedicadas simplemente a ella, un género que casi parecía desterrado de bienales anteriores. Hay un espacio inmenso dedicado a las acuarelas de Charles Ray, y otra sala en la que los diminutos óleos de Maureen Gallace se mezclan con las obras abstractas de Julia Fish. También hay numerosas videoinstalaciones.

Qué: Whitney Biennial ‘2010’
Dónde: Museo Whitney. Nueva York (EE.UU)
Cuándo: hasta el 30 de mayo

(Foto: Nina Berman: "Ty with gun" (2009). Cortesía del Museo Whitney)

MadridFoto cambia de sede y aumenta sus premios

2010-03-09T00:16:00.000-08:00

La segunda edición de MadridFoto, única feria especializada en soporte fotográfico y audiovisual de nuestro país, tendrá lugar en el Palacio de Deportes de la Comunidad de Madrid entre los días 12 y 16 de mayo y contará con sesenta expositores dirigidos al nuevo coleccionismo de fotografía en una superficie de más de 4.000 metros cuadrados.
Además de esta nueva sede, esta próxima edición tendrá nuevos premios para los artistas representados por las galerías participantes en un espacio ferial cuyo recorrido ha sido diseñado
por el arquitecto Andrés Jaque, prestando especial atención a la funcionalidad de un espacio fácil de transitar y con áreas que inviten al reposo y la socialización. El éxito de la primera edición de MadridFoto y su nueva ubicación en el centro de Madrid contribuirán a obtener su principal objetivo, atender la demanda de un mercado especializado en fotografía y actuar como un motor de desarrollo de la actividad cultural, de ocio y de negocio.
Este año aumentan los distintivos que premian la labor de artistas y galerías: el nuevo Premio Comunidad de Madrid-MadridFoto se suma a los que ya se otorgaron en 2009: el Premio Acciona de Fotografía sobre Sostenibilidad MadridFoto y el Premio de Adquisición por parte de los organizadores de la feria Art Fairs S.L.
Como atractivo adicional, el catálogo se ha concebido de una forma distinta: un anuario en el que cada galería propone a dos fotógrafos que aparecen como entradas independientes por orden alfabético acompañados de imágenes y sus correspondientes biografías profesionales.

El arte del poder en el Prado

2010-03-08T04:09:00.000-08:00

El Museo Nacional del Prado abrirá mañana al público la exposición El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte, una muestra donde se establece una comparación entre los retratos de corte pintados por maestros como Tiziano, Rubens o Velázquez, y las armaduras que sirvieron de modelo para los cuadros donde se ofrecía una imagen poderosa de los reyes de la Monarquía Hispánica.

En total, treinta y cinco pinturas procedentes de los fondos del Museo del Prado y diversas instituciones nacionales e internacionales, junto con veintisiete piezas de la Real Armería de Madrid, a las que se unen esculturas del taller de los Leoni y un tapiz procedente de Patrimonio Nacional. Se trata de una exposición inédita con una cuidada selección de piezas de armadura, que cuenta con ejemplares de los más importantes forjadores del Renacimiento, como los hermanos Negroli, la familia Helmschmid o
Wolfgang Grosschedel, cuyos trabajos tuvieron especial relevancia a la hora de determinar el peso simbólico del retrato de corte entre los siglos XVI y XVIII.

Como piezas destacadas el visitante podrá encontrarse la armadura ecuestre del emperador Carlos V en Mühlberg, que puede verse junto al homónimo cuadro de su pintor Tiziano (Carlos V, a caballo en Mühlberg, 1548), o la armadura conocida como La labor de las flores que lucía Don Juan Francisco Pimentel, X Conde de Benavente, en el famoso retrato que le hiciera Velázquez en 1648.

Qué: El arte del poder. La Real Armería y el retrato de corte
Dónde: Museo del Prado. Madrid
Cuándo: Del 9 de marzo al 23 de mayo de 2010

Arte Español en la Fundación Gabarrón dee Nueva York

2010-03-08T04:04:00.000-08:00

La sede de la Fundación Gabarrón en Nueva York ha inaugurado Spain in the City, una exposición que, con motivo de su participación en The Armory Show, pretende difundir la obra de artistas españoles que residen en Nueva York.

Así surge esta iniciativa que reúne las obras en formato de vídeo, fotografía, instalación, escultura y pintura de los artistas Pedro Barbeito (1969, La Coruña), Itziar Barrio (1976, Bilbao), Anton Cabaleiro (1977, Santiago de Compostela), Juanli Carrión (1982, Yecla), Jacobo Castellano (1976, Jaén), Hugo Fontela (1986, Grado), Javier Martín de Frutos (1979, Madrid) y Verónica Peña (1980, Zamora).

Pedro Barbeito, realiza una pintura que se centra en examinar la relación entre la imagen digital y la pintura.
Hugo Fontela, ejecuta una pintura figurativa reposada y discreta.
Itziar Barrio, centra su investigación en la creación de los nuevos símbolos y signos que nos definen socialmente.
Anton Cabaleiro, propone vídeos que exploran un imaginario personal basado en la hibridación de distintas técnicas digitales.
Juanli Carrión, muestra en sus fotografías escenarios abandonados, testigos de la distopía contemporánea.
Martín de Frutos, su trabajo se desarrolla en una línea multidisciplinar donde se sirve de la fotografía, el vídeo y la instalación para crear sus intervenciones, “sus nuevos espacios”.
Jacobo Castellano, lleva a cabo obras que conforman estructuras ocultas que quieren mostrarnos el contexto social y cultural en el que nos encontramos.
Verónica Peña, ha ido conformando una serie de piezas basadas en su mundo interior; hasta llegar a crear una especie de caparazón donde refugiarse del dolor y los impactos externos.

Qué: Spain in the City
Dónde: Fundación Gabarrón. Nueva York
Cuándo: Hasta el 30 de abril de 2010

(Foto: Jacobo Castellano; "Self Portrait". 2010)

ALMOST

2010-03-07T00:48:00.000-08:00

ALMOST
Autor: José Manuel PérezRey
Año: 2008
Técnica: Mixta sobre papel
Medidas: 13x17.5 cm

"La idea de 'belleza' es el epítome mismo de objetivo esquivo que desafía toda explicación racional/causal, qeu carece de finalidad o uso visible, qeu no sirve para nada y que no puede legitimarse con relación a ninguna necesidad que haya sido previamente percibida o definida, o a la que se haya decidido dar satisfacción. Un objeto es cultural si sobrevive a cualquier uso que haya intervernido en su creación". (Zygmunt Bauman)

Quien ha dicho que el arte es caro?
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EARTHQUAKE

2010-03-07T00:35:00.000-08:00

EARTHQUAKE
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año: 2009
Técnica: Mixta sobre papel
Medidas: 12x19 cm

"Lo bello artístico es superior a lo bello natural, porque es un producto del espíritu. Al ser superior el espírutu a la Naturaleza, su superioridad se comunica igualmente a sus productos y, por consiguiente, al arte. Por ello, lo bello artístico es superior a lo bello natural. Todo lo que procede del espíritu es superior a lo que procede de la Naturaleza. La más funesta idea que atraviesa el espíritu de un hombre es mejor y más elevada qeu el mayor producto de la Naturaleza, y esto justamente porqu participa del espíritu porque lo espíritual es superior a lo natural". (Hegel)

Quien ha dicho que el arte es caro?

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De Matisse a Malevich en Ámsterdam

2010-03-05T01:34:00.000-08:00

El Hermitage de San Petersburgo atesora una de las mejores colecciones del mundo en cuanto a pintura francesa y rusa del siglo XX se refiere; la mayoría de las obras que la componen se exhiben de forma permanente en sus instalaciones y proceden de los fondos moscovitas de Morozov y Shchukin. Desde mañana, 6 de marzo, una selección de setenta y cinco de esas piezas, incluyendo obras maestras de Matisse, Picasso, Van Dongen, Derain, De Vlaminck y otros pioneros de la creación contemporánea podrá contemplarse en la filial de este museo en Ámsterdam. Será la primera vez que la mayoría de estos trabajos, claves en la formación de la vanguardia, se exhiban en Holanda.
"Matisse to Malevich" tratará de explorar los orígenes del arte moderno no sólo como fenómeno propio de la historia del arte, sino atendiendo al cambio de motivaciones estéticas y personales de los creadores europeos que lo protagonizaron. Una de las secciones de la muestra estará además dedicada a rendir homenaje a Iván Morozov (1871-1921) y Sergej Shchukin (1854-1936), famosos coleccionistas
que amasaron fortuna como comerciantes textiles y que llevaron el arte francés a Rusia con el objetivo claro de estimular y transformar el desarrollo artístico en su país.
Fauvistas y cubistas, como Matisse, Picasso, Van Dongen o De Vlaminck buscaban, en esa primera década del siglo XX, la renovación casi absoluta, la liberación del arte de la naturaleza y de las tradiciones académicas. Ellos fueron los primeros vanguardistas, quienes reaccionaron de forma visionaria a la pintura francesa del 1900, al Impresionismo y al Puntillismo.
Entre las obras maestras presentes en "Matisse to Malevich", destacan Armonía en rojo (1908) y Naturaleza muerta con mantel azul (1906), de Matisse; Composition VI (1913) y Paisaje invernal (1909), de Kandinsky; Mujer con sombrero negro de Van Dongen (1908) o Bebedora de absenta (1901), de Picasso.

Qué: De Matisse a Malevich. Pioneros del arte moderno del Hermitage
Donde: Hermitage-Ámsterdam. Ámsterdam (Holanda)Cuándo: Del 6 de marzo al 17 de septiembre de 2010

(Imágenes: Arriba: 'Armonia en rojo', de Matisse. Abajo: 'Paisaje invernal', de Kandinsky)

‘La Virgen de Rockefeller’, de Botticelli, a la venta en TEFAF

2010-03-05T01:27:00.000-08:00

Un estudio de San Juan niño arrodillado en oración ante la Virgen y el Niño Jesús pintado por Sandro Botticelli será ofrecido en venta en TEFAF Maastricht por la influyente galería internacional de arte Dickinson por un precio cercano a los 11,1 millones de euros.
Virgen con el Niño y San Juan niño, obra conocida como La Virgen de Rockefeller porque en su día perteneció a la colección de esa familia, será una de las obras más destacadas de la vigesimotercera edición de la TEFAF, la feria de arte y antigüedades
más influyente del mundo , que se celebrará en el Palacio de Congresos y Exposiciones MECC (Maastricht Exhibition and Congress Centre) del 12 al 21 de marzo.
Se sabe que en 1925 la pintura fue exhibida en Nueva York por Lord Duveen, uno de los principales comerciantes de arte del siglo XX, y en 1931 formaba parte de la colección de John D. Rockefeller jr. Durante medio siglo permaneció en manos de la rica dinastía Rockefeller. En años más recientes perteneció a una colección privada en Nueva York.

Pintar con pintura

2010-03-04T00:44:00.000-08:00

Por su interés, reproducimos parte de un artículo del periodista y ensayista Vicente Verdú, aparecido en el diario El País el 25 de febrero de 2010.

"Cuando la transgresión se hace una rutina deliberada, todos los días se arruinan y la excepcionalidad del plato del pecado se convierte en un simple rancho de la infracción. (...)
A esto se ha llegado plenamente en el llamado mercado del arte, donde no solamente se exhiben desperdicios o animales en putrefacción, sino, por la misma lógica, animales muertos y desperdicios podridos en procesos de conservación.
No sólo se exponen ya habitualmente excrementos para llamar una aburrida atención, sino personas mismas a punto de morir, como intentó Gregor Schneider (León de Oro de Venecia, 2001), pretendiendo llevar, en 2008, un enfermo agonizante a una feria de arte y dejarlo expirar allí. Antes, el artista costarricense Guillermo Vargas, en una feria en Nicaragua en octubre de 2007, ató a un perro callejero frente a un grupo de alimentos que nunca podría alcanzar y que, finalmente, le hizo morir. (...)
Ahora, en cambio, en tiempos de gran alboroto, especulación, robo y corrupción se unen, aburren ya más que asombran y confunden sus estragadas ocurrencias con las producciones de arte.

Frente a esta mascarada y a través de una suerte de manifiesto, Rafael Canogar escribió para sí el verano pasado: "Creo que ha tocado el momento de rescatar el espacio de la pintura, recuperar su dimensión poética y metafórica, su capacidad de ilusionarnos, de enamorarnos, de vibrar de nuevo con ese espacio virtual de la pintura, de la buena pintura. Volver unos años atrás -de verdad nunca se vuelve completamente atrás- para retomar el hilo del discurso de la pintura pura, nada más que la pintura y su capacidad de comunicación, ¡nada más! ¡Y nada menos!".

¿Pintar sin pintura? La crisis actual es tan global, poderosa y aparentemente interminable que invita a entregarse voluptuosamente en sus brazos hermosos, torturadores, pestilentes y eternos. (...)
A la pintura que menciona Canogar podría sumarse un nuevo cine, una nueva literatura y, desde luego, un perfeccionado mundo en red en Internet. Canogar mismo, en el último Arco, ha mostrado alguna pieza de la soberbia exposición que presentó en la galería Álvaro Alcázar en septiembre de 2009. La pintura, en dos dimensiones, hermosa y sabrosa, se arrastra, se frota o se aplasta sobre la piel del cuadro como una orgasmática reivindicación de su libertad y de su cuerpo". (...)

(Imagen: Obra de Rafael Canogar expuesta en la última feria de Arco 2010)

La mayor retrospectiva de Català-Roca en Vigo

2010-03-04T00:38:00.000-08:00

Hoy comienza en Vigo, en la sede de la Fundación Pedro Barrié de la Maza, la mayor retrospectiva dedicada a la figura del fotógrafo Francesc Català-Roca (1922-1998) después de la catalogación de su archivo de 200.000 negativos. Català-Roca fue en la década de los 50 del siglo pasado uno de los grandes renovadores de la fotografía española, junto a Xavier Miserachs, Leopoldo Pomés y Gabriel Cualladó, y referente imprescindible para la nueva generación de fotógrafos españoles.

Con 150 imágenes, de las cuales 30 son inéditas, Català-Roca. Obras maestras, arranca su andadura en Vigo y visitará Madrid y Barcelona a lo largo del próximo año. En la muestra también se muestran algunos de sus instrumentos de trabajo: cámaras de fotos, hojas de contactos e incluso maquetas de algunos de los libros de fotografía que publicó en vida.
Los archivos de Català-Roca permanecen depositados desde 2008 en el Colegio de Arquitectos de Catalunya (COAC), cedidos por sus hijos, Martí y Andreu.

Qué: Català-Roca. Obras maestras
Dónde: Fundación Pedro Barrié de la Maza. Vigo
Cuándo: Del 4 de marzo al 30 de mayo de 2010

(Foto: Gitanilla. Montjuic, 1950. Català-Roca)

Tàpies reabre su fundación

2010-03-03T02:33:00.000-08:00

Tras dos años cerrada al público por una reforma arquitectónica que ha costado 8,3 millones de euros, la sede de la Fundació Antoni Tàpies reabrirá mañana sus puertas.
La Fundació cerró en enero de 2008 para llevar a cabo estas obras de mejora, encargadas al estudio de arquitectura Ábalos-Sentkiewicz, que ha adaptado su edificio a las nuevas normativas de seguridad y evacuación, y a las necesidades de las personas con movilidad reducida.
También se ha efectuado una remodelación de los espacios expositivos orientada a recuperar su carácter industrial original, y se ha hecho una reforma de la entrada del museo que ha contribuido a mejorar los espacios de recepción y librería. También se ha renovado el sistema de climatización del edificio y se ha instalado un nuevo sistema antiincendios.

Durante la ejecución de estas obras de remodelación se constató la conveniencia de llevar a término una reforma arquitectónica más ambiciosa que, inicialmente, la Fundació se planteaba realizar dentro de unos años. Así, con la voluntad de optimizar costes y de reducir el plazo de ejecución de las obras, la Fundació ha decidido realizar ahora esta segunda remodelación. Esta reforma implica la recuperación de la segunda planta del museo (donde estaban las oficinas) para uso público, con el fin de disponer de nuevos espacios que posibiliten mejorar la oferta de actividades y servicios museísticos así como iniciar nuevas líneas de programación. La recuperación de la segunda planta del edificio para uso público comporta trasladar las oficinas y construir un nuevo espacio donde ubicarlas.
La Fundació Antoni Tàpies reabrirá sus puertas con la exposición ‘Antoni Tàpies. Los lugares del arte’, que incluirá obras del artista realizadas en los últimos veinte años (coincidiendo con las dos décadas desde la inauguración de la Fundación), con algunos contrapuntos de obras anteriores (en concreto de mediados de la década de 1940) que son su germen. La exposición también incluye una selección de obras de la colección privada del artista, un fragmento de lo que él denominó su "manifesto" y su "museo".
Esta selección comprenderá obras que abarcan desde el arte egipcio antiguo hasta el arte moderno occidental, desde objetos rituales hasta libros científicos, y que no sólo constituyen el hábitat del artista sino que están vinculadas a su modo de concebir el arte, y suponen una interrogación heterodoxa sobre su origen, historia y significado. La selección reúne piezas poco o nunca vistas en una sala de exposición.

IMPRESIONISMO

2010-03-01T15:49:00.000-08:00

A pesar de lo abarrotado de la sala, a pesar de la larga espera para poder entrar a la exposición (mínimo una hora), cuando la mirada del espectador se pasea y se detiene admirado por los cuadros que cuelgan en los espacios de la Fundación Mapfre. lo único que se puede decir, en un fácil juego de palabras, es que “los impresionistas impresionan”.
Más de un siglo después de su aparición como grupo de artistas y como estilo, que supuso una auténtica revolución en la pintura, los impresionistas siguen impactando por el poderío emotivo de sus obras. De la obra en si misma despojada de todas sus rémoras históricas, sociológicas, económicas o de cualesquiera otra índole. Lo grande de las pinturas de los impresionistas es que pocas obras se dejan ver tan bien, tan limpiamente, como las que estos hombres pintaron.

Pero en los trabajos de Monet, Manet, Renoir, Sisley o Cézanne también hay otra enseñanza: cuando parece dársele más importancia al gigantismo artístico en donde se valoran más lo metros cuadros del lienzo, los kilos de la escultura o los metros de cable y las pulgadas de la televisión; los impresionistas nos enseñan que lo pequeño es mágico, que no se necesitan grandes telas para plasmar las inquietudes del hombre y sus esperanzas, ni la vida que pasa a su alrededor. Sea lo que sea el arte, hay más en estos cuadros que en todas las obras de los grandes nombres del arte del aquí y el ahora.
Los organizadores de la muestra han querido plantear un idea que, me temo ha acabado volviéndose en contra de ellos. Junto con los impresionistas han traído un grupo de obras de coetáneos (Bouguereau, Whistler,…) que trabajaban en ese mismo tiempo y que estaban adscritos al realismo o al simbolismo, con la intención de mostrar que todos ellos, los aceptados por la academia y los excluidos por ella, querían plasmar en sus lienzos la modernidad. Sin embargo, y con la sobresaliente excepción de dos cuadros de Gustave Moreau (“Galatea” y “Jason”) y la notable obra “La familia de Jean el Cojo. Campesinos de Plougasnou” de Jean François Raffaëlli, en esta confrontación los académicos salen malamente vapuleados: ciertamente son obras bonitas, vistosas, llamativas, pero carentes de cualquier emoción y vitalidad. Sirven para decorar una casa, para tapar paredes, pero no para disfrutar de ellas, para verlas y volver a verlas, algo que sí desea con esas extraordinarias piezas como pueden ser “Paisaje argelino” de Renoir o “La rue de Montergueil de París. Fiesta del 30 de junio de 1878” de Monet, que anuncia ya el arte que la más estricta modernidad traerá unos años después. Y en medio de todos ellos Manet, funcionando como una bisagra.
La vista se alegra ante los paisajes nevados de Sisley (“La nieve de Louveciennes”) y Manet (“La urraca”), o ese “Camino en el bosque” de Pissarro, y no dejan de llamar la atención las carreras de caballos de Degas (“El desfile”), “La casa del ahorcado” de Cézanne y “El columpio” de Renoir.
Una prueba de la modernidad conceptual de estos artistas es que en sus obras al aire libre, los hombres han desaparecido por completo, y cuando aparecen, en forma de campesinos, su rostros no tienen forma, no identifican a nadie. No se puede hacer más filosofía, sociología o antropología en menos espacio.
Esta magnífica exposición, que muestra por primera vez en España un conjunto tan importante de obras maestras de la pintura impresionista (uno de los grandes vacíos de los museos españoles), ha sido posible gracias a las obras de remodelación del edificio del Museo d’Orsay (Paris) que mantendrán la institución cerrada hasta el 2011.

Qué: Impresionismo
Dónde: Fundación Mapfre. Madrid
Cuándo: Hasta el 22 de abril

(Fotos: Renoir, "El Columpio"; Degas, "Clase de Baile"; Manet, "El pífano"; Bouguereau, "El nacimiento de Venus"; Stevens, "El baño". Cortesía de la Fundación Mapfre y el Museo d’Orsay de Paris)

PIERRE GONNORD - TERRE DE PERSONNE

2010-02-28T16:00:00.000-08:00

Un puñetazo en pleno rostro. Una sacudida emocional que deja sin respiro. Así es como se viven, y se disfrutan, los apasionantes y ‘caravaggianos’ retratos que el fotógrafo francés Pierre Gonnord (Cholet, 1963) ha exhibido desde el 17 de diciembre de 2009 hasta el 28 de febrero de 2010 en la Sala Alcala 31 de la Comunidad de Madrid.
¿Dónde radica la potencia expresiva, el grito que lanzan estos retratos? Desde mi humilde punto de vista de dos elementos: La mirada de los protagonistas y la luz que los envuelve. A través de la mirada de esos hombres y mujeres, la mayoría ancianos, se pueden ver desde la tristeza melancólica de ‘Teresa’ a la serenidad de ‘Fidel’, pasndo por la ironía de ‘Filomena’, el vacio de ‘Javier’ o la mirada asustadiza de ‘Rui’.

La luz utilizada por Gonnord es lo más natural posible; es blanca, cruda, no busca efectos expresionistas, ni resaltar una faceta sobre otra; el fotógrafo sabe que tiene ante sí una materia expresiva que no necesita nada más que un luz que les haga ser ellos mismos. Ahí está ‘Luís’, uno de los mejores retratos, para confirmarlo.
Pero esta exposición no sólo tiene un carácter estético, o esteticista, también hay, claro está, un factor testimonial, de dar cuenta de que, como dijo el poeta, “hay otros mundos, pero están en este”. El proyecto es bien conocido: Gonnord se ha ido a las comunidades rurales y mineras del noroeste de España y Portugal y ha convivido durante largo tiempo con los habitantes de aquellas zonas hasta ganarse su confianza, ¡y vaya si se la ha ganado!, para poder fotografiar a sus pobladores de la manera que lo ha hecho. Se adivinan muchas horas de charla, de vivencias compartidas, para que estas personas se hayan prestado a dejarse fotografiar, y a dejarse desnudar en cierta forma, ante la cámara de francés, aunque lleva ya diez años viviendo en Madrid.
El elemento testimonial de estas fotos está claro: es el retrato descarnado tanto de un mundo que los ciudadanos de las ciudades postmodernas no quieren ver (acaso ni tan siquiera sepan de su existencia); pero también una declaración sobre un mundo, una forma de vivir y de ser, que está desapareciendo. En este sentido la misma ambivalencia del título de la exposición lo demuestra: ‘Terre de Personne’, pues ‘personne’ significa tanto persona y nadie a la vez; tierra de personas, tierra de nadie.
Pero estos retratos no tendrían la fuerza que tienen si sólo se representasen a si mismos. La humanidad desnuda y profunda de estos rostros impasibles muestran claramente que el verdadero protagonista de la exposición, es uno sólo. Y siempre el mismo: el ser humano.
Hay que señalar que este es la primera vez que Gonnord trabaja en un medio rural o natural, pues hasta ahora siempre lo había hecho en entornos urbanos. Acaso por eso, Gonnord se ha visto impelido a exponer por primera vez algunos paisajes, en lo que supone su apertura hacia un nuevo género fotográfico y otros territorios creativos. Sin embargo, por muy acertada y comprensible que sea, esta elección no acaba de convencer y la atención del espectador vuelve una y otra vez, como si de una irresistible fuerza de atracción se tratara (o de una fuerza de la naturaleza), a los retratos. Inconmensurables.

Dónde: Sala Alcalá 31C/ Alcalá, 31. Madrid.

(Fotos, de arriba abajo: Luis, Rui, Filomena, Javier, Miroslaw, Madalena, Eloiza. (Cortesía de la la Sala Alcalá 31 y Pierre Gonnord)

ART MADRID 2010

2010-02-25T00:33:00.000-08:00

La primera impresión que se lleva el espectador al llegar al Pabellón de Cristal de la Casa de Campo de Madrid donde se celebraba la V Feria de Arte Contemporáneo ArtMadrid 2010 es la de haberse confundido. Cuando este cronista de Looking for Ars Mundi estuvo allí, el viernes 19 de febrero al mediodía, la soledad del lugar podía hacer creer que no había nada y que la feria se celebraba en otro lugar. Pero no, era allí donde estaba ArtMadrid, justo en el mismo espacio en el que antes de celebraba Arco y en el que aquello rebosaba de público; y la pregunta es inevitable: ¿por qué ante propuestas artísticas similares unos eventos triunfan de una manera desaforada y otros pasan ante la indiferencia del público? Pero aquí no estamos para responder a esa pregunta y sí para contar lo que había en ArtMadrid.
Lo bueno de esta feria, en la que han participado 65 galerías de arte, es que, con más o menos matices, de una ojeada se puede ver la situación del arte contemporáneo en España, y en parte, sólo en parte (y habrá que esperar que esto se solucione a mejor), de Portugal y Latinoamérica. En este sentido hay que decir que uno de los descubrimientos más interesantes de este año en las ferias de arte que se han celebrado en Madrid entre el 17 y el 21 de febrero ha sido la potencia del arte portugués; como ha quedado acreditado tanto con las galerías (Cordeiros, de Oporto, sería un ejemplo paradigmático) como por los diversos artistas presentes (Joao Raul, Noé Sendás…).
La feria tenía tres propuestas: el programa de las galerías, Young Art y Bicentenarios Latinoamericanos. En cuanto a la primera se mezclaban tanto obras antiguas (algunas estaban firmadas en el año 72 como la estupenda ‘Montreal’ de Luis Feito) como trabajos más nuevos; y convivían artistas consagrados (Clemente, Lootz, Valdés, Plensa, Equipo Crónica, Tàpies, Miró, Lucio Muñoz, Bonifacio, Luis Gordillo, Ciria, Sicilia, Genovés o Uslé); junto con otros muy asentados (Carlos Pazos, Esther Ferrer, Pedro Txillida, Javier Alkain, Haro…) y figuras emergentes.
En estos espacios hay que destacar el trabajo de Outtara Watts en Cordeiros, así como el Broto que había en esa galeria portuguesa; la obra de Pedro Txillida también resaltaba en la galería mallorquina Gabriel Vanrell. Por su parte los alcudienses de la galería Joan Melía tenían a Ñaco Fabre, con un conjunto de piezas de resultaron de lo más interesante en el conjunto de la feria, y a Javier Alkain con una obra puntillista y meticulosa. Tampoco hay que dejar de mencionar el estupendo Canogar (Rafael) que se exhibía en La Aurora, de Murcia. También hay que mencionar el sutil trabajo de Amaya Bozal que colgaba en Juan Gris/Rayuela; y las obras, de 2005, de Cristina Moroño.
Poderosas también resultaron las obras de Feting, con su estupendo “Bosque y lago”, una pieza de 1989 que se podía ver en la galería valenciana Val i 30; las de Haro y las de Armando Arenilla.
En el programa Young Art, de artistas y galerías jóvenes, hay que destacar el trabajo pop, lleno de ironía, cuando no de sarcasmo, del argentino Marcos López; la obra fotográfica de Sheila Pazos o la trabajo escultórico de Samuel Salcedo.
La tercera propuesta expositiva; Bicentenarios Latinoamericanos, estaba compuesta por una serie de artistas latinoamericanos que trabajan en la actualidad en España. Aquí cabe resaltar el trabajo de la argentina Gabriela Bettini y el mexicano Rivelino Diaz, con una obra que bebe directamente del surrealismo y la poética de Brossa. Por último, hay que resaltar que la quinta edición de ArtMadrid ha aumentando la cifra de visitantes con respecto al año pasado hasta llegar a los 37.000, casi un 20% más que la edición anterior y lo que es más importante, con un nivel de ventas superior a la esperado. Con vistas a su próxima edición, la organización de Art Madrid incidirá en el objetivo de lograr una mayor calidad expositiva, con la creación de un Comité de Selección Externo y la presencia de asesores artísticos independientes.

(Imágenes, de arriba abajo: Ñaco Fabré, Luis Feito, Pedro Txillida, Rafael Canogar, Amaya Bozal, Millares, Samuel Salcedo, Feeting; Arenillas, Haro, Watts, Joao Raul Rojas; Bettini; Rivelino Diez)

JUSTMADRID 2010

2010-02-24T00:28:00.000-08:00

JustMadrid es la última feria aparecida en sumarse a las propuestas artísticas que en torno a la celebración de Arco han ido apareciendo en los últimos años.
La juventud (no se admiten a creadores mayores de 40 años), las nuevas propuestas artísticas (sea lo que esto sea y signifique lo que signifique), así como la presencia de no-artistas (los curatores, antes comisarios de arte) y el que cada galería no pueda llevar más de tres artistas, son las bases sobre las que se asientan JustMadrid.
En este sentido, creo, humildemente, que JustMadrid nace con dos rémoras importantes: el límite de edad de los creadores y la presencia de los curadores en una feria a la que aportan más bien poco. A ello hay que añadirle que las condiciones en las que se mostraban tanto las obras como las galerías no parecían las más idóneas ni para vender arte –objetivo principal-, ni para disfrutar de él –objetivo secundario. Lamentablemente parecía que a los organizadores les había pillado el toro del tiempo y habían tenido que solucionar los problemas casi sobre la marcha. Pero todo esto son los problemas habituales en una propuesta nueva que, cabe confiar, el año que viene habrán desaparecido.
Instalados en dos de los pabellones de El Matadero (la Nave de las Terneras y la Lonja dek Centro Cultural de la Casa del Reloj) , algo así como el espacio joven del Ayuntamiento madrileño, allí se dieron cita 25 galerías, la mayoría españolas, que presentaron unas obras con un nivel que rozaba lo aceptable; y siete curators.
De entre todo lo visto hay que destacar dos de las piezas más llamativas, ‘Mitosis’ y ‘Bellowing’, presentadas por Fernando Navarro en la galería barcelonesa Sicart. Miguel Angel Rebollo, el artista que sólo trabaja con bolígrafos Bic, estuvo en la galería José Robles (hay que reseñar que Rebollo ha sido el único artista presente en Arco, JustMadrid y Art Madrid). Con bolígrafo, en este caso rojo, también trabaja el francés Jean-Pascal Flavien.
Ruth Moran, en la galería Angeles Baños de Badajoz; y Ante Timmermans en la alemana Zink, compartían un gusto miniaturista por el dibujo, con piezas muy llamativas, una por su carácter puntillista y otro por su vena arquitectónica.
Entre los pintores, la mayoría moviéndose en un expresionismo muy directo y gestual, merece la pena recordar el trabajo de Santiago Ydañez, presente con la galería berlinesa Invaliden 1; el inglés Colin Smith, que estaba con la Carter London y Paco Pomet representado en la galería My Name’s Lolita Art. Aunque no hace en sentido estricto pintura, pues se mueve más en ese terreno de la ‘pintura expandida’ de raíz dadaísta, hay que mencionar el trabajo de Iván Gómez que presentaron los donostiarras de Arteko.
Por lo que se refiere a los escasos escultores presentes, hay que recordar el trabajo de Antonio Díaz presente en la galería Nuble de Santander, con una pieza surrealista llena de ironía. Llamativa en su hiperrealismo resultó la obra del portugués Noé Sendás, que lo llevaba una curator directamente.
Me temo que era inevitable la presencia de algún representante del ‘arte gilipollas’, pero de esos me voy a abstener de recordarlos y confiar en que su presencia y sus propuestas vayan saliendo de estos espacios.
Tras este primer paso hay que confiar que este propuesta, más allá de las críticas puntuales que se puedan hacer, se consolide y ofrezca la oportunidad a los más jóvenes y a las galerías más modestas o alternativas de dar a conocer su obra y trabajo, que buena falta le hace tanto al mercado como a los aficionados al arte. Por último, señalar que JustMadrid ha recibido durante los cuatro días de la feria cerca de 7000 personas. Un 52% del público estaba formado por profesionales del ámbito artístico mientras que el 48% restante lo constituía público general aficionado al arte más emergente.

(Imágenes; de arriba abajo: ‘Mitosis” de Fernando Navarro; Iván Gómez; Ruth Moran; Santiago Ydañez; Miguel Angel Rebollo; Ante Timmermans; Antonio Díaz, Noé Sendas; Colin Smith, Paco Pomet)

ARCO 2010

2010-02-23T01:38:00.000-08:00

Si algo caracteriza a Arco desde su creación es su inestabilidad, su permanente puesta en cuestión desde los más diversos sectores artísticos y políticos. Pero esos asuntos, que tantos post generan y tantas páginas de periódicos llenan, y que en última instancia vienen a resumirse en un ‘quítate tú pa’ponerme yo’, no son lo que aquí y ahora interesan. Porque aquí lo que verdaderamente nos incumbe es el arte que se muestra en esa feria.
Como de lo que se trata es de ser sinceros (que dicen es lo que se valora… siempre y cuando esa sinceridad sea halagadora y no crítica) hay que decir que el arte, o los objetos artísticos, que se han podido ver han tenido más bien escaso interés. Ni ha habido una obra deslumbrante ni ha aparecido ningún artista que haya llamado la atención de manera sobresaliente. Posiblemente tampoco sea este el fin de la feria, pues aquí de lo que se trata, por encima de todo y fundamentalmente, es de vender, quedando otras aspectos relegados a un aspecto secundario.
Dicho lo anterior hay que señalar que en este océano de ‘mediocridades’ siempre hay algo o alguien que destaca un tanto y que merece la pena ser rescatado del olvido. No obstante hay que decir igualmente que es seguro que hay, más que olvidos, despistes e invisibilidades de obra y artistas, debido, como todo el mundo que ha asistido a Arco conoce, al gigantismo de la feria (al menos espacialmente) y también al agobio que produce tanta gente en tanto espacio, con tanta moqueta y tanto calor… En resumen, que ya durante la misma visita, por no mencionar el final agotador, el criterio estético se esfuma bastante ante tanta obra y se acaba por no saber que es lo bueno, menos bueno, malo o muy malo.
Cinco características fundamentales se han hecho notar en esta 29 edición de Arco: la primera, la consolidación de la fotografía como hecho artístico, que se puede resumir en “tonta la galería que no tenga fotógrafo artista”. El que haya habido muchos fotógrafos sólo es una cuestión estrictamente aritmética, lo que no presupone necesariamente un buen nivel de calidad o de originalidad. La segunda, que, felizmente, ha habido muy poca obra, no ya tonta, sino gilipollas, de esa que no pasaría ni el examen para entrar en una asociación artística de barrio. Lo que sin duda es una buena noticia, tanto para Arco como para el espectador, que de esa manera no se ve insultado en su inteligencia y sensibilidad.
La tercera, la ausencia de galerías internacionales de cierto fuste. En este sentido hay que señalar que la selección de las galerías de Los Angeles, la ciudad americana invitada en esta edición, ha sido ciertamente deplorable. No me creo que el nivel de los artistas y los galeristas que trabajan en esa megalópolis sea la que se ha exhibido en Arco. La cuarta, la poca presencia de la escultura; y quinta, la práctica desaparición del vídeo y todos sus derivados. Este año en Arco el valor seguro de la pintura y la fotografía han sido los puntales de la feria.
De entre todo lo visto cabe destacar la monumental escultura en madera de Peter Belyi, “Silence” en la Galería Barbarian Art de Zurich; el trabajo fotográfico de “Clark&Pougnaud” que mostraban los italianos de PaciArte; las dos fotográfias que llevó la galería bilbaína Vanguardia de Joan Fontcuberta; el montaje “La mirada blanca” de Angel Marcos expuesta en la vitoriana Trayecto; la poderosa “Mutter Heimat” de Baselitz que exhibía la galería Basbel Grasslin; la divertida escultura “In the wood lies” de Jorge Pineda en la Galería Raquel Ponce; el trabajo fotográfico de Nobuyashi Araki en torno al shibari que se podía ver en el espacio de los holandeses Reflex Amsterdam; el erotismo del hiperrealista Erwin Olaf con su serie “Milan-room (Suite Hotel) que se podía ver en Espacio Mínimo; y la obra de Albano Afonso, Bernardi Roig, Peter Zimmermann, Rafael Canogar, Tony Cragg, Thomas Ruff, Carlos Leon, Nadal, Hwan Kwon Yi, Carlos León, Desiree Dolron, Ivan Navarro,... Pero los triunfadores de esta edición, y es que se puede hablar en estos términos, han sido Eugenio Merino, tanto por el conjunto de la obra mostrada en torno a su trabajo sobre el tatuaje, como por el hecho de la pequeña polémica que levantó a causa de su escultura, bastante obvia y directa, “Starway to heaven”; y el alemán Herbert Brandl, que con su pintura poéticamente informalista, tenía obra en varias galerías tanto alemanas como españoles. Como siempre la actual edición de Arco ha sido un éxito de ventas (según la organización, que nunca da datos oficiales, este año se han vendido más obras y se ha ingresado más dinero del esperado) y público, con más de 150.000 espectadores en total. Ahora sólo cabe esperar al año que viene y que Arco encuentre su camino y la paz necesaria.

(Imágenes, de arriba a abajo: Eugenio Merino, “Starway to heaven”; Erwin Olaf, “Milan-room (Suite Hotel); Herbert Brandl; Joan Fontcuberta, “Sylvie”; Peter Belyi, “Silence”; Angel Marcos, “La mirada blanca”; Nobuyashi Araki; Clark&Pougnaud; George Baselitz, “Mutter Heimat”; Rafael Canogar; Iván Navarro, “Drumm”; Jorge Pineda, “In the wood lies”)

IVAN GÓMEZ Y EDUARDO VEGA DE SEOANE EN LA GALERIA ARTEKO

2010-02-16T02:09:00.000-08:00

Ivan Gómez y Eduardo Vega son dos artistas que muestran la multiplicidad con la que la pintura, y el arte en general, se manifiestan, al igual que lo han hecho a través de la historia, en la actualidad. No es que sean sólo artistas de distintas generaciones, sino que pertenecen a escuelas muy diversas –uno está dentro del puro informalismo, mientras que el otro entra de lleno en eso que se ha dado en llamar ‘pintura expansiva’- y con trayectorias dispares: mientras que Vega ya es un artista consolidado, Gómez está, como quien dice, comenzando. Pero por partes.
Iván Gómez (Irún 1984) es una apuesta decidida de la galería Arteko: tanto que esta no es que sea su primera muestra individual en una galería de arte, sino que además ha sido el elegido para representar a Arteko en la feria JustMadrid con el solo/show “El corazón me estallaba”.
Lo mejor de “Qué extraño camino me ha llevado a ti”, que así es como se titula la muestra de la galería, y que está compuesta por un conjunto de piezas entre las que se incluye un vídeo, una serie de pinturas, objetos y dibujos, es el potencial que se intuye, donde se encuentran algunas notables piezas, junto que otras que sólo apuntan ideas para ser desarrolladas. La práctica totalidad de la obra de Iván Gómez es una muestra palmaria de ‘pintura expansiva’ (que antes se llamaba ‘técnica mixta’), donde se junta en feliz maridaje, con gran libertad, elementos de la escultura, la pintura, el video o las ‘artes performativas’.

Como todo artista joven también hay una mirada pretendidamente irónica hacia la obra de arte, pero da la impresión de que sólo se queda en la puesta en escena de un chiste. Pero eso se solucionará con el tiempo. En todo caso es un artista al que habrá que seguir de cerca, y sólo cabe esperar que no se malogre en el difícil camino del negocio del arte.

Por su parte, Eduardo Vega de Seoane (Madrid 1955), es un pintor ya consolidado y con una importante trayectoria a sus espaldas. Tras unos años sin exponer en San Sebastián vuelve ahora con esta muestra en la que se pueden ver, salvo un par de excepciones, obra de formato pequeño, ese tan denostado y a veces infravalorado formato, pero que es la que sirve para las viviendas normales.

Vega de Seoane es puro informalismo, gestualidad vital, articulación de una pintura que se abre y se pliega sobre sí; y donde se cifran tanto los grandes movimientos de la pintura como los delicados gestos de una escritura caligráfica.
Salvo la excepción de “Somewhere”, la obra más dramática de la muestra realizada en blanco y negro, el resto de la obra respira tranquilidad y sosiego, en buena medida gracias a la utilización de un paleta donde los tonos se apastelan y la gama de color (grises, ocres, sienas, azules, blancos) tiende a la luz y la claridad.

Qué: Ivan Gómez y Eduardo Vega
Donde: Galería Arteko. San Sebastián (Guipúzcoa)
Cuando: Del 12 de febrero al 10 de abril de 2010

(Fotografías: Cortesía de la Galeria Arteko y JMPR)

La Colección FEMSA en Madrid

2010-02-16T00:05:00.000-08:00

Tras su paso por ciudades como Buenos Aires, São Paulo o Santa Ana (California) recala desde mañana en la sala BBVA de Madrid, la exposición “Latitudes: Maestros latinoamericanos en la colección FEMSA”,
La Colección FEMSA (Fomento Económico Mexicano, S.A.) surge en 1977 con el objetivo de dar a conocer la cultura latinoamericana en diferentes momentos de su historia a través del arte y por medio de los enfoques personales que cada artista expresa en su obra. Actualmente, la colección reúne alrededor de 1.000 piezas que permite un recorrido representativo por el arte moderno y contemporáneo de América Latina.
Latitudes: Maestros Latinoamericanos en la Colección FEMSA incluye 43 de estas obras, de artistas procedentes de 11 países de América Latina que, en conjunto, ofrecen una visión panorámica del vigor creativo de la región. La selección plantea un recorrido artístico que comprende desde las vanguardias de principios del siglo XX hasta algunas propuestas de la pintura de posguerra, y llegan hasta los años ochenta del siglo pasado.
La muestra se articula en cinco bloques temáticos: Influencia del cubismo en los pintores de América Latina, El retrato y el paisaje como testimonios de identidad, La aportación estética de Latinoamérica al arte universal, Incorporación del Surrealismo en la plástica latinoamericana y Abstracción e Informalismos.

Qué: Latitudes: Maestros latinoamericanos en la colección FEMSA
Donde: Sala BBVA. Paseo de la Castellana, 81. Madrid
Cuándo: Del 17 de febrero al 16 de mayo de 2010

Cuatro ferias de arte contemporáneo en Madrid en la misma semana

2010-02-15T00:25:00.000-08:00

Nada menos que cuatro ferias de arte contemporáneo abrirán sus puertas esta semana en Madrid para el gusto de todos los aficionados y amantes del arte.
ARCOmadrid, la feria de arte más importante del país, reunirá en Ifema del 17 al 21 de febrero a 218 galerías de 25 países distintos, con propuestas de cerca de 3000 artistas que dibujarán las tendencias más destacadas del panorama artístico actual. Una edición que pone su acento en su programa invitado, protagonizado por primera vez por una ciudad, Los Ángeles, elegida por su vitalidad, pluralismo y por su peso específico como uno de los grandes focos artísticos de la escena mundial.
Art Madrid, la segunda feria de arte más importante de España, celebrará su quinta edición durante los mismos días en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña y contará con la presencia de 65 galerías nacionales e internacionales. A diferencia de ARCO, esta feria se caracteriza por su compromiso con el arte español contemporáneo y su apoyo renovado a los artistas y galerías jóvenes de nuestro país.
Just Madrid es una nueva feria de arte contemporáneo emergente que nace este año. Organizada por ArtFairs, creadores de la feria internacional de fotografía Madridfoto, esta nueva propuesta tendrá lugar en la Lonja y la Nave de Terneras de la Junta Municipal del Distrito de Arganzuela de Madrid entre los días 18 y 21 y contará con la presencia de 27 galerías que apuestan por nuevos artistas, para divulgar su obra aproximándola a coleccionistas, comisarios y otros agentes del mundo del arte.
Por su parte, la feria DeArte, situada en el Palacio de Congresos del Paseo de la Castellana, se configura del 18 al 22 de febrero como un evento que propone el acercamiento a un arte asequible, tanto en lo económico como en lo intelectual, en el que participan alrededor de 80 jóvenes artistas en una muestra que lleva el título Arte para vivir.

DE LA ARMONÍA

2010-02-14T23:52:00.000-08:00

DE LA ARMONÍA
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año: 2008
Técnica: Mixta sobre papel
Medidas: 15.5x21 cm

"La especie más noble de belleza es aquella que no arrebata de repente, que no hace ataques impetuosos y embriagadores (es fácil que tal cosa provoque repugnancia), sino que se filtra despacio, que le lleva a uno consigo casi sin ser advertida y que le vuelve a salir al encuentro en un sueño, pero que, al final, después de haberse posado largamente en nuestro corazón con sencillez, toma completa posesión de nosotros, y llena nuestros ojos de lágrimas y nuestro corazón de anhelo. ¿Qué anhelamos al ver la belleza? Ser bellos: se nos antoja que debería haber mucha felicidad unida a ello. Pero eso es un error.” (Nietzsche)

¿Quien ha dicho que el arte es caro?
Pincha AQUI y comproborás que no es cierto.

Polaroid pone en venta sus fondos de fotos artísticas

2010-02-12T01:05:00.000-08:00

La era digital se cebó con la cámara Polaroid, ese invento que revolucionó los hogares de Estados Unidos en los años sesenta. Pero la crisis de la empresa ha ido aún más lejos de lo previsto y ahora, para obtener liquidez, sus dueños -incapaces de salir de unas deudas que parecían saldadas con la venta de las fábricas en 2008- se ven obligados a subastar 1200 fotografías de su valiosa colección.
El próximo 21 y 22 de junio la casa Sotheby's de Nueva York sacará a la venta parte de uno de los conjuntos de imágenes más personales, únicos e irrepetibles de la historia de la fotografía. Se trata de las obras hechas expresamente para Polaroid durante años por artitas como Robert Rauschenberg, David Hockney, Robert Frank, Robert Mapplethorpe, Andy Warhol, Ansel Adams, David Levinthal o Chuck Close (en la imagen), entre otros muchos que encontraron en la Polaroid, y en sus distintos formatos, un arma única de expresión artística.
Seis días antes de la venta, la casa de subastas expondrá estas fotografías juntas, en lo que a todas luces ya es un acontecimiento único para conocer por última vez en toda su majestuosidad esta colección.
La colección nació con el programa Artist Support Program que, creado por Edwin Land, el inventor de la cámara, atrajo a decenas de artistas de todo el mundo. La compañía, siempre atenta a la importancia que el arte experimental tenía para su desarrollo y, sobre todo, para su garantía de eternidad, ponía el material a cambio de las fotografías.

Videoarte hecho en España

2010-02-12T00:43:00.000-08:00

Desde hoy, 12 de febrero, se puede ver en el Centro de Arte Complutense la exposición Videoarte hecho en España. En esta exposición queda patente el impulso del videoarte en el escenario cultural español como tendencia artística paralela a la consolidación y universalización de los medios de comunicación de masas.
Los videoartistas utilizan los medios electrónicos con un fin artístico, que no debe confundirse con la televisión o el cine experimental, pues establece una dinámica estética conceptual a través de la narración visual o audiovisual. Su vocación interdisciplinar les permite sumar valores de la pintura, la escultura, la performance, el cine y otros métodos artísticos para buscar su propia plasticidad del movimiento, y su propio lenguaje simbólico.
El Centro de Arte Complutense ofrecerá en su exposición una selección de cinco videoartistas con un reconocido prestigio en su recorrido creativo que plasmarán un mapa visual de la realización del videoarte en el escenario artístico español.
Javier Codesal enfoca su mirada hacia el hombre, su identidad y la experiencia a través de la memoria. Mira Bernabeu, a través de sus retratos grupales, realiza un estudio visual del individuo y las relaciones con los otros. Alex Francés busca el cuerpo en su doble vertiente de envoltura externa y sustancia interna. Paloma Navarro trata las cuestiones físicas y espirituales de la condición humana. Daniel García Andújar se revela como activista reflexionando sobre la violencia, la guerra, el consumismo, el ocio o las grandes corporaciones.

Qué: Videoarte hecho en España
Dónde: Centro de Arte Complutense (c arte c). Madrid
Cuándo: Del 12 de febrero al 4 de abril de 2010

(Imagen: "Monte Perdido". 2003. Javier Codesal)

Los ensamblajes de Rauschenberg llegan a Bilbao

2010-02-11T01:36:00.000-08:00

Robert Rauschenberg (1925-2008) poseía la habilidad de reutilizar objetos que otros desechaban, otorgándoles una segunda vida. En Gluts, 1986-95, su última serie de esculturas, el artista ensambló objetos de metal, tales como señales de tráfico, tubos de escape, rejillas de radiadores o persianas, creando unidades integrales donde el todo es más que la suma de las partes. El Museo Guggenheim Bilbao mostrará desde el próximo sábado 60 obras de la mencionada serie de esculturas y pinturas sobre metal.
Mediante estos ensamblajes de metal, Rauschenberg pretende realizar una crítica de la situación económica de su Texas natal, en un momento de crisis motivado por los excedentes de petróleo (glut en inglés) en el mercado.
La muestra de Bilbao incorpora esculturas de gran dimensión y complejidad, evidenciando la monumentalidad de estos ensamblajes, al mismo tiempo que atestiguan la particular dinámica entre lo escultural y lo pictórico que siempre ha caracterizado a este gran artista estadounidense,.

Qué: Robert Rauschenberg: Gluts
Dónde: Museo Guggenheim. Bilbao
Cuándo: Del 13 de febrero al 12 septiembre de 2010

(Foto: West-Ho. Robert Rauschenberg)

Art Madrid amplía su apuesta por el arte contemporáneo español

2010-02-11T01:17:00.000-08:00

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo Art Madrid ha presentado el programa de su quinta edición, que tendrá lugar del 17 al 21 de febrero en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña y contará con la presencia de 65 galerías nacionales e internacionales. En esta edición, Art Madrid va dirigida especialmente al coleccionista de arte contemporáneo y tiene un carácter complementario respecto a otras ferias, contribuyendo con ello a convertir a Madrid en la capital internacional del arte durante el mes de febrero y reforzando la presencia de la ciudad en el circuito de capitales artísticas.
La apuesta por el arte contemporáneo nacional se sustancia en el dato de que el 90% de las 65 galerías presentes en esta edición son españolas. Cifras que convierten una vez más a Art Madrid no sólo en la segunda feria de arte contemporáneo por el número de galerías participantes, sino también la que contiene una mayor proporción de galerías españolas, procedentes de 13 comunidades autónomas: Madrid (17), Aragón (9), Cataluña (6), Comunidad Valenciana (6), Galicia (4), Baleares (4), Murcia (2), Andalucía (2), Castilla-La Mancha (2), País Vasco (2), Castilla y León (2), Cantabria (1) y Canarias (1).
Art Madrid acoge, por segundo año consecutivo, un espacio dedicado al arte joven, integrado en el programa Young Art, con galerías que presentan obras de artistas menores de 40 años y aquellas con menos de cinco años de existencia.
Por otro lado, la feria se encuadra dentro del programa oficial para la celebración de los Bicentenarios de las independencias de los países latinoamericanos. Por este motivo, contará con un espacio exclusivo dedicado a esta celebración, con la exposición Residentes: Artistas Latinoamericanos en España, que mostrará la obra de once artistas emergentes latinoamericanos que realizan su trabajo en España y que proceden de Argentina, Colombia, Chile y México.
Una novedad de la presente edición es la creación de la Colección Art Madrid de obra única sobre papel, cuyo objetivo será la adquisición de obra sobre papel de artistas contemporáneos españoles, con el único requisito de que ha de ser obra original, no seriada. Art Madrid pretende que su Colección sea dinámica, lo que significa que no se limitará sólo a mostrarla en el futuro, en ediciones posteriores de la feria, sino que se creará un programa de itinerancia mediante acuerdos con distintos centros culturales y espacios públicos, de tal manera que la colección se difunda por todo el territorio español y sea conocida por el público amante del arte.

Qué: Art Madrid. Feria Internacional de Arte Conemporáneo
Dónde: Pabellón de Cristal de la Casa de Campo. Madrid
Cuándo: Del 17 al 21 de febrero de 2010

Miquel Barceló instala su universo creativo en Madrid

2010-02-09T23:59:00.000-08:00

Bajo el título ‘Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative’, CaixaForum Madrid repasa el grueso de la trayectoria de artista mallorquín desde las grandes telas creadas en 1983 hasta sus trabajos más recientes, sin olvidar algunos objetos experimentales en un intento de mostrar al espectador el universo tangible e ideológico del artista, uno de los creadores españoles más reconocidos internacionalmente.
Ya desde la calle, la escultura monumental Gran Elefant dret (en la foto) invita a los ciudadanos a entrar en el universo de creación del arista mallorquín. Con la trompa rígida dirigida hacia abajo, el gran elefante de bronce y siete metros de altura se enmarca en los trabajos recientes de esculturas y pinturas de mamíferos del artista.

Las 180 obras que forman el recorrido, entre pinturas, cerámicas, gouaches, acuarelas, dibujos, carteles, libros y cuadernos de viaje, forman un relato que abarca desde los años 80, con obras como El amor loco o Giorgione en Felanitx, ambas de 1984, hasta una de sus últimas pinturas, La solitude organisative (La soledad organizativa), que da título a la exposición.
En el recorrido por los siete espacios que forman la exposición, los organizadores esperan que los visitantes puedan captar las preocupaciones presentes en la mente de Barceló.

La metáfora en este artista es un vehículo fundamental y es el creador vivo que con más actualidad y alcance expresa sus ideas a través del arte.

Qué: Miquel Barceló. 1983-2009. La solitude organisative
Dónde: CaixaForum. Madrid
Cuándo: Del 9 de febrero al 13 de junio de 2010

JESSICA STOCKHOLDER EN GALERÍA CARRERAS MÚGICA

2010-02-09T17:02:00.000-08:00

Todo se desarrolla a tal velocidad que lo que está mañana a primera hora era vanguardia (sea esto lo que sea ya) a media tarde ya está sobrepasado y exhala un aire de moho mortecino. Así, galeristas, espectadores, críticos, pensadores, y por supuesto, los artistas tienen que estar en permanente tensión para que el mercado, o las tendencias, o lo que sea, no lo arrumbe en el olvido.

Estas breves pinceladas y algunas otras, me venían a la cabeza tras ver “Air padded table haunches, and…” de la artista canadiense, nacida en Estados Unidos, Jessica Stockholder (Seattle, 1959) que la galería bilbaína Carreras Múgica está exhibiendo. Hay que señalar que estas piezas estuvieron expuestas en la pasada edición de la feria de Basilea en su sección Unlimited.
Para contextualizar este “Air padded table haunches, and…” hay que decir que se trata de una pieza que se enmarca dentro de lo que se ha venido en denominar environment interior. Se cruzan muchos elementos en la obra de Stockholder; desde la utilización de material de desecho que ella acaba reciclando (y que la une a toda esa nueva tendencia de recuperar del basurero objetos para darle un nuevo uso, en este caso artístico y que tiene un Daniel Canogar un claro exponente en España), hasta su preocupación por el color y la luz (que remite a Dan Flavin). La obra de la canadiense, que posee un fuerte elemento escénico, bascula entre lo artificial y lo natural, el plano y el volumen, la geometría y el gesto…
“Air padded table haunches, and…” no es una obra fácil de asumir por parte de un público no versado en el arte contemporáneo más “nuevo”; pero justamente por esto, por dar la oportunidad de contemplar una obra que exige una esfuerzo al espectador y por traer unas piezas poco habituales en las salas de arte vascas, hay que reconocer de la galería Carreras Múgica en exponer a esta artista.

Qué: “Air padded table haunches, and…”. Jessica Stockholder
Dónde: Galería Carreras Múgica. Bilbao
Cuándo: Del 15 de enero al 26 de febrero de 2010

(Fotos: “Air padded table haunches, and…” de Jessica Stockholder. Cortesía de la Galería Carreras Múgica)

Christie's subastará la colección de Michael Crichton

2010-02-09T00:41:00.000-08:00

Christie's ha anunciado que en su próxima subasta de primavera sacará a la venta en Nueva York las principales obras de la colección de Michael Crichton (1942-2008), guionista, director, productor de cine y TV, pero, sobre todo, uno de los más destacados escritores de best-sellers, especialmente reconocido por sus novelas de suspense científico, como La amenaza de Andrómeda, Jurassic Park, Sol Naciente, Estado de miedo o Next.
Dentro del mundo del arte, Michael Crichton (en la foto) estaba reconocido como una indudable autoridad en el artista estadounidense Jasper Johns (Augusta, 1930). Desde muy joven, Crichton desarrolló un gran interés por el arte contemporáneo, que rápidamente fue apoyado por su cercana amistad con artistas como David Hockney (quien le hizo un retrato en 1976), Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg y Claes Oldenburg.
Entre las obras en venta, que hasta el próximo viernes se pueden contemplar en Londres, se encuentra Flag, una obra maestra de Jasper Johns que ha permanecido alejada del público por casi 20 años, y Femme et fillettes de Pablo Picasso. Las otras dos trabajos en venta serán Studio Painting (Combine) de Robert Rauschenberg y Girl in Water de Roy Lichtenstein. Todas estas obras datan de la década de 1960. El valor de estas obras de arte se estima en los 30 millones de dólares (21,8 millones de euros).

Gilbert & George, los padres del arte provocativo, en el CAC de Málaga

2010-02-08T01:32:00.000-08:00

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera gran exposición de Gilbert & George tras diez años sin exponer en España. Jack Freak Pictures, su serie más extensa y ambiciosa realizada hasta el momento, viajará a seis países europeos siendo, Málaga, la primera capital en acoger esta selección. La religión, la raza, la sexualidad o las críticas al establishment británico constituyen la base de una exposición en la que los colores rojo, blanco y azul que simbolizan la bandera británica se erigen como los ejes centrales sobre los que versa la muestra.
Gilbert & George, una pareja de artistas con apariencia de hombres serios y conservadores, han elegido la bandera del Reino Unido, la Union Jack, para su última producción, Jack Freak Pictures. Un total de 62 obras componen una exposición que pone en entredicho los valores sociales a través de una provocación irónica, un tipo escándalo de tinte cómico y los sentimientos patrióticos representados como símbolos de fanatismo y opresión.
Una importante presentación de obras que coinciden tanto en motivo como en carácter y que están profundamente cargadas de significado. De gran astucia psicológica y visualmente violenta, Jack Freak Pictures constituye su creación más icónica. Completa la muestra la proyección en el Espacio 5 de una película, The World of Gibert & George, cinta en la que los propios artistas son guionistas, directores y protagonistas, así como un documental titulado Tim Marlow with Gilbert & George.
G&G forman parte de su obra, son auténticas “esculturas humanas”. Su apariencia seria y tradicional contrasta con el carácter irreverente de su iconografía. Recurren a ellos mismos como medio para desarrollar su obra y, a partir de ahí, el mundo que han encontrado a la puerta de su casa en Fournier Street, al este de Londres.
Gilbert & George comenzaron a trabajar juntos mientras ambos estudiaban en la mítica St. Martins School of Art de Londres. Desde entonces han marcado una de las trayectorias más prolíficas, extraordinarias y reconocidas del arte británico contemporáneo. Tanto es así, que se han convertido en los primeros artistas vivos del Reino Unido a los que la Tate Modern ha dedicado una muestra.
Habitualmente definidos como artistas pop, compendio de lo políticamente incorrecto, lo cierto es que su obra es difícil de etiquetar.

Qué: Jack Freak Pictures
Dónde: CAC (Centro de Arte Contemporáneo). Málaga
Cuándo: Del 5 de febrero al 9 de mayo de 2010

El archivo de la agencia Magnum cambia de dueño y deja Nueva York

2010-02-08T01:28:00.001-08:00

Magnum, la mítica agencia de fotografía creada en 1947 por Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymour Chim, Georges Rodger y William Vandivert a modo de cooperativa para gestionar directamente sus fotografías, y así romper con el monopolio y la intermediación de las grandes agencias, ha vendido su colección de 185.000 fotografías impresas a la empresa de inversiones MSD Capital, perteneciente al multimillonario Michael S.Dell, propietario del fabricante de ordenadores Dell.
No se ha hecho público el monto de la operación, pero recientes tasaciones establecían que la colección podía alcanzar los 100 millones de dólares en el mercado. Entre las fotografías que ha adquirido Bell se encuentran las del desembarco de Normandía, realizadas por Capa, los retratos de Picasso de Cartier-Bresson, las imágenes tomadas por Rene Burri al Ché en su oficina en La Habana en 1963 y un sin fin de momentos históricos que han captado los objetivos de los asociados de Magnum. La colección pasará a ser gestionada, al menos durante los cinco primeros años, por el centro Harry Ransom de la Universidad de Texas, en Austin.
La venta por parte de Magnum de la colección de fotografías impresas no implica que sus socios pierdan los derechos sobre las fotografías, que seguirá siendo gestionados comercialmente por la agencia. MSD Capital solo ha adquirido el archivo impreso de la agencia, pero no los derechos de explotación de esas imágenes. El acuerdo permitirá también la digitalización de las copias para fines divulgativos y de preservación.

(Imagen: "Culo", de Cristina García Rodero)

El Museo de Bellas Artes de Bilbao revisa la trayectoria de Alberto Schommer

2010-02-06T01:19:00.000-08:00

El vitoriano Alberto Schommer se ha convertido en uno de los fotógrafos españoles más reconocidos del momento debido en gran parte a los retratos que desde hace cerca de cuarenta años viene publicando en diversos medios de comunicación de España.
Entre el centenar de instantáneas de Schommer que mostrará el Museo de Bellas Artes de Bilbao figuran copias modernas de su primera época, vintages, fotomontajes, obras volumétricas e imágenes seleccionadas de series como Máscaras, Paisajes negros o Cascografías, que presentan un recorrido por los libros que el artista vasco ha publicado desde 1978 hasta hoy.
Tres secciones estructuran la retrospectiva "Schommer Retrospectiva 1952-2009": Primera época, Paisajes y escenarios urbanos y Experimentación y puesta en escena.
Influido formal y estéticamente por la producción de Irving Penn y William Klein, siempre ha defendido la consideración de la fotografía como medio artístico independiente a través de bodegones, paisajes, retratos y cascografías.

Qué: "Alberto Schommer"
Dónde: Museo de Bellas Artes de Bilbao
Cuándo: del 8 de febrero al 16 de mayo de 2010

(Imagen: "El poeta José Hierro". Alberto Schommer)

PINTAR SIN PINTURA

2010-02-05T00:03:00.000-08:00

El pasado 28 de enero, el periodista y ensayista Vicente Verdú, publicaba en el diario El País, el siguiente artículo que por su interés reproducimos.

Pintar sin pintura

Un uso corriente que llama mucho la atención es el hecho de que las galerías de arte no cobren un céntimo por entrar en ellas y recrearse ante los cuadros. Pero también es llamativo que apenas se vea a alguna persona visitando una galería en Barcelona o Madrid y ésta debe de ser la razón de que sea completamente gratis. Si no pagando nada están desiertas, ¿cómo iban a esperar que se llenaran requiriendo un estipendio?
Pero otra importante razón de fondo para explicar la ausencia de público es tanto la arbitrariedad del valor que rige en el mercado del arte como los precios desaforados y ridículamente altos que se piden por un cuadro. Un doble asunto de hace varias décadas pero que sigue en pie como si no bastaran los espectaculares fraudes a lo Damien Hirst o las grotescas especulaciones en galerías, exposiciones y subastas.
El público no especulativo ni conspirativo, el mundo ajeno a la complicidad de críticos, galeristas y curators da justificadamente la espalda a este mercado que crece tanto en la mendacidad como en la banalidad y el desconcierto.
Hay críticas de especialistas que debieran orientar el gusto y fijar la importancia de un pintor pero si hay algo inextricable en todos los géneros posibles de escritura es (con excepciones) esta clase de textos donde raramente se adivina si el juicio es positivo o negativo porque viene a ser contemplativo. Faltos de instrucción, huérfanos de críticos inteligibles y náufragos en un mercado sustantivamente intrigante y especulador, el cliente potencial pierde interés por ir de galerías.
Un ejemplo que puede constatarse estos días en una céntrica calle de Madrid es la astronómica diferencia de precios entre las muestras de dos galerías vecinas y sin que medie nada demasiado cabal que lo justifique.
En la galería Orfila (fuera del prestigioso grupo galerista del Consorcio) expone un pintor, Martín Viveros, sin fama pero no sin talento, cuyas obras de "expresionismo abstracto" tienen fijados unos precios entre los 400 y los 1.200 euros. Diez metros más abajo, sin embargo, en la Marlborough los cuadros de David Rodríguez Caballero, cuya máxima característica consiste en pegar tiritas de vinilo sobre superficies de fieltro o papel vegetal, cuestan más de 12.000 euros. ¿Por qué? La pregunta, se dirá, es impertinente refiriéndose al arte. Pero la estupidez también.
Una galerista de estilo, perteneciente al Consorcio, confesaba que no expondría ninguna obra que supusiera un retroceso en su trayectoria vanguardista. Y el vanguardismo, una vez experimentadas todas las opciones provocadoras, viene a recaer hoy, especialmente, sobre la originalidad de los materiales que se utilicen. De ahí que se llegara a emplear excremento de elefante (Chris Ofili) como una elección todavía inédita en 1999 y que logró, junto a otras sensations de los jóvenes artistas británicos, la cola más larga de turistas en la historia del Brooklyn Museum.
El secreto se encuentra en "la propuesta" nueva, y la nueva propuesta lo será en estrecha relación con la novedad de los materiales. ¿La mano del artista? El artista de gran éxito hace tiempo que no mueve un dedo. Basta con constatar los resultados de los premios de pintura: los galardones recaen sobre obras que son una conjunción de soportes no convencionales, máquinas digitales y pueriles sortilegios tales como "pintar sin pintura" (Rodríguez Caballero).
¿La deshumanización del arte? Esto fue el tema de hace un siglo. De lo que se trata ahora es de la sublime institucionalización del camelo. Tampoco esto es de ayer ni siquiera de anteayer pero, a estas alturas, no debiera continuar ni mañana por la mañana. ¿Galerías vacías? La presente calamidad de la crisis compite con el insufrible nivel de la impostura.

(Imágenes: arriba "Dolor de hombre" de Martín Viveros. Abajo: "Piezas vinilo" de David Rodríguez Caballero)

“A través del bosque” con Rodney Graham

2010-02-03T00:34:00.000-08:00

El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) acoge desde el pasado 30 de enero “A través del bosque”, una exposición que incluye un centenar de obras del artista canadiense Rodney Graham realizadas entre los años 1978 y 2008. El estilo de Graham se encuentra muy influenciado por el arte conceptual, el arte pop, la literatura y la música.

Alegoría de la locura

Graham utiliza diferentes soportes (libros, vídeos, esculturas, máquinas-dispositivos, pinturas, fotografías, instalaciones, material impreso y música) para producir obras que desafían la autoría y algunos conceptos clave de la historia del arte contemporáneo, y que juegan con la percepción.
Esta muestra, coproducida con el Kunstmuseum Basel, Museum für Gegenwartskunst, de Basilea (Suiza), y la Hamburger Kunsthalle, de Hamburgo (Alemania), incluye una importante compilación de libros y esculturas, instalaciones y máquinas basadas en libros de Graham procedentes de una biblioteca peculiar que muestra sus interpolaciones, anexos, puntos de libro, dispositivos de lectura y expositores al estilo de Judd, entre otras piezas.
La exposición también reúne la serie de 21 cuadros Picasso, My Master (2005), su primera incursión en la pintura, que reconstruye con un punto de humor el aura de maestría de la obra del malagueño.
La repetición cíclica, el reflejo múltiple y la desviación en espiral son elementos recurrentes en su obra que evocan estados de percepción alterada o un movimiento pendular.

Qué: Rodney Graham. “A través del bosque”
Dónde: Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). Una pequeña parte de la exposición también podrá verse en el Museo Picasso de Barcelona.
Cuándo: del 30 de enero al 18 de mayo de 2010

La colección Daros se expone en la Ciudad Grupo Santander

2010-02-03T00:24:00.000-08:00

El arte latinoamericano es espectador y protagonista en la exposición Al calor del pensamiento, que se abrió al público hoy en la sala de arte Ciudad Grupo Santander, en Boadilla del Monte (Madrid). Una selección de 70 obras de 22 artistas de la colección Daros, de Suiza, una de las más importantes especializadas en arte contemporáneo de ese continente.
Tanto los artistas como las obras que integran la Colección son tan heterogéneos como los países que representan. Esta diversidad se extiende también a los medios y materiales de expresión: desde las técnicas clásicas de la pintura, la escultura o el dibujo hasta los formatos más innovadores como las instalaciones, los vídeos o las piezas de sonido.
Entre los otros nombres presentes se encuentran Liliana Porter, Marta Minujín, Doris Salcedo, José Damasceno, Carlos Amorales, Jorge Macchi, Cildo Meireles, Vik Muniz, Belkis Ayón, José Alejandro Restrepo, Marco Maggi, Leandro Erlich, Gonzalo Díaz y Miguel Ángel Rojas. Muchos de ellos habituales en las grandes citas internacionales del arte contemporáneo.
La Daros Latinamerica Collection, con sede en Zúrich y una sucursal en Río de Janeiro, consta de más de 1.300 obras y fue iniciada a principios del presente siglo con el objetivo de que en ella estuvieran representados aquellos artistas de América Latina cuyo trabajo prometiera tener un importante impacto. Aunque está centrada en los últimos 20 años, incluye piezas emblemáticas de los sesenta y setenta.

Qué: Al calor del pensamiento. Obras de la Daros Latinamerica Collection
Dónde: Boadilla del Monte (Madrid)
Cuándo: Del 2 de febrero al 2 de mayo de 2010

(en la imagen: La familia (1991) de Belkis Ayón)

Retrospectiva del histórico grupo catalán Dau al Set en Madrid

2010-02-02T00:03:00.000-08:00

El Museo de Arte Contemporáneo de Madrid inaugurará el próximo jueves la exposición Dau al Set, una retrospectiva que recorre uno de los capítulos más importantes del arte español de los años cincuenta. Este grupo heterogéneo de artistas contribuyó hace 70 años a ampliar el panorama artístico de nuestro país y recuperar la tradición de la vanguardia artística española, interrumpida en 1939.
Con este proyecto se conmemora el setenta aniversario de la publicación del primer número de la revista homónima y ratifica la indiscutible aportación de este grupo a la cultura contemporánea de nuestro país. Esta exposición es un pequeño homenaje tanto al grupo como a aquellos fotógrafos, galeristas, editores, críticos... que hicieron posible esta ráfaga de modernidad.
En el mes de septiembre de 1948 se publicó el primer número de la revista Dau al Set, “la séptima cara del dado”, y en diciembre de 1952 el último, lo cual no evitó que se constituyera en una de las publicaciones más importantes del panorama editorial artístico del momento. Sus miembros fundadores fueron el poeta Joan Brossa, que dio nombre al grupo y a la revista, el filósofo Arnau Puig, los pintores Joan Ponç, su director, Antoni Tàpies, Modest Cuixart y Joan-Josep Tharrats, editor e impresor de la misma. Poco después se unió al movimiento el polígrafo Juan Eduardo Cirlot.
La exposición está estructurada en torno a dos bloques: el artístico, en el que se integran unos cuarenta cuadros y dibujos firmados por Tàpies, Cuixart, Tharrats y Ponç. Y el documental, en el que se exhiben originales de diversos números de Dau al Set, soporte que utilizaron como campo de ensayo, territorio de iniciación y plataforma de promoción. Además de cómo un espacio para la creatividad con el que reivindicar su lenguaje durante la primera etapa del Franquismo.

Qué: Dau al Set
Donde: Museo de Arte Contemporáneo. Madrid
Cuándo: Del 4 de febrero al 28 de marzo de 2010

(En la imagen, los fundadores del grupo)

Xavier Mascaró instala sus monumentales esculturas en el paseo de Recoletos de Madrid

2010-02-01T23:53:00.000-08:00

El paseo de Recoletos está ocupado desde la madrugada de ayer por un ejército de acero. Son esculturas de hasta tres metros de alto, forjadas en hierro, que forman parte de la exposición Escultura Monumental, del artista parisiense Xavier Mascaró. La muestra cuenta con 11 figuras de guardianes y budas de hierro oxidado y una barca de 17 metros de eslora, que se exhibe en la cuesta de Moyano. La exposición recala en Madrid tras pasar por Málaga y Sevilla. El año pasado ya desembarcó en los jardines del Palais Royal de París.
Los viandantes que recorren el paseo de Recoletos se topan de bruces con un ejército monumental, instalado en la madrugada de ayer. Los budas forman parejas vigiladas por un gran guardián anaranjado por su vejez. El artista juega con ese concepto del tiempo representado a través del óxido de las esculturas de los guardianes.

BEGOÑA ZUBERO - TEMPELHOF

2010-01-31T01:32:00.000-08:00

El aeropuerto de Berlín-Tempelhof, situado en Berlín (Alemania) en los distritos municipales de Tempelhof-Schöneberg y Neukölln, cerró sus puertas a los pasajeros el día 31 de octubre de 2008. A este mítico aeropuerto, protagonista del más famoso puente aéreo, Begoña Zubero(Bilbao, 1962) le ha dedicado su último trabajo, una obra fotográfica que muestra distintos lugares de ese lugar vacío.

Zubero plasma sobre todo, en un riguroso blanco y negro, pasillos, escaleras, puertas, donde la figura humana brilla por su ausencia. Podría pensarse que la artista bilbaína plantea una obra donde se valora la grandiosidad de la arquitectura del lugar, pero sería una mirada errónea; pues lo que se presenta ante el espectador no es otra cosa que una reflexión sobre la muerte, la pérdida y el olvido.
Begoña Zubero no hace otra cosa que fotografiar fríamente, con una mirada que disecciona las diferentes partes del edificio, un cadáver. Lo que la obra viene a plantear es una reflexión sobre el vacío, la nada, que queda tras la vida.
La práctica totalidad de las imágenes presentadas atrapa al espectador, no sólo, que sí, por la técnica fotográfica que remite a los dibujos científicos, sino por esa fría belleza que destila todo.

Una imagen de la exposición en la Galería Altxerri

Dónde: Galería Atxerri. San Sebastián

EVELYN HELLENSCHMIDT Y PILAR SOBERÓN EN GALERIA ARTEKO

2010-01-29T00:12:00.000-08:00

La Galería Arteko de San Sebastián presenta conjuntamente hasta mediados del próximo mes de febrero dos exposiciones de dos artistas de diferentes procedencias, referencias y trayectorias: Evelyn Hellenschmidt (Eltville, 1962) y Pilar Soberón (Lasarte, 1971).
Evelyn Hellenschmidt regresa a Arteko con la exposición titulada ‘Fragmentos de tierra y mar adentro’ -se trata de la tercera muestra de la escultora alemana afincada en España desde 1986-, un resumen de la que presentó el año pasado en Madrid y Segovia.

“Los perros viven en círculo”

Excepto por un par de piezas, la obra de Hellenschmidt se caracteriza por tener la figura humana como protagonista. En general se trata de individuos que se asoman al caos, un caos en el que también habitan, como en la extraordinaria “Los perros viven en círculo” que trae a la memoria el ‘Angelus novus’ de Banjamin; y que es una excelente metáfora del hombre actual. No deja de resultar enternecedor ese individuo asomado al torbellino de la vida, como si pudiese ser sólo un simple espectador, cuando él mismo está dentro, y protagonista, acaso de su pesar, de ese mismo viento huracanado.

“Barca de posibilidades”

Igualmente interesante resulta “Barca de posibilidades”, la pieza más grande de las expuestas, en la que aparece un barco que remite a Jasón y los argonautas: individuos que buscan un tesoro, aunque en ello tengan que dejar la vida; y da igual que esa meta sea un cofre con joyas que un pretendida vida mejor en otro país y otro continente.
La otra artista que expone en Arteko es la guipuzcoana Pilar Soberón, una de las artistas más interesantes del panorama actual del arte contemporáneo vasco. Soberón propone una serie de piezas que entran dentro de lo que se ha dado en llamar ‘pintura expandida’ y donde combina la fotografía, la escultura, el dibujo y la instalación con el objetivo de activar y provocar reacciones en el espectador.

De arriba abajo Connexions I, Connexions II, ConnexionsIII

Su trabajo más llamativo son las tres piezas tituladas “Connexions”, literalmente una obra eterna, que por su propia concepción es un ‘work in progress’. La artista es consciente de ello, pues las piezas acaban en un rollo de papel que podría extenderse y donde se podría seguir pintando. En este sentido, la reflexión sobre la autoria de la obra de arte cobra todo su sentido.
Estas tres obras nos hablan tanto del ser humano, ya que remiten a las venas y los nervios; como traen a colación lo profundo de la naturaleza, con la evidente referencia a la raíces de las plantas.

Instalación 'Los Durmientes'

En este sentido, ‘Connexions’ se relaciona directamente con su obra fotográfica, donde se unen el cuerpo humano y los pétalos de magnolia, y la instalación efímera de 600 hojas de ese mismo árbol.

Dónde: Galería Arteko. San Sebastián

Antológica de Maruja Mallo en la Academia de San Fernando

2010-01-28T00:26:00.000-08:00

En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid se inauguró ayer una exposición retrospectiva dedicada a Maruja Mallo, la artista plástica más relevante de la historia del arte gallego del siglo XX.
Tras su paso por Vigo, la muestra reúne en Madrid 142 piezas que conforman la mayor y más exhaustiva retrospectiva dedicada a la gran transgresora de la generación del 27. Este proyecto expositivo recupera y defiende la determinante aportación de Maruja Mallo a las vanguardias del siglo XX, hasta hace muy poco injustamente valorada y ensombrecida por su doloroso exilio.
El extraordinario desarrollo experimentado por los estudios en torno a su figura, así como la localización, muy recientemente, de obras fundamentales que se encontraban en paradero desconocido, han convertido esta retrospectiva en la más rigurosa de cuantas se han realizado hasta ahora.
Quienes se acerquen a la Real Academia podrán disfrutar de un detallado recorrido por el trabajo de Mallo a lo largo de más de cincuenta años (desde el óleo La isleña, fechado en 1927, hasta Protoesquema, datada en 1982).
Las obras maestras de la pintora lucense se acompañan, en el montaje, con dibujos y bocetos que revelan su proceso creativo en un itinerario que, a través numerosas fotografías y publicaciones de época, propone un minucioso acercamiento documental a su biografía.
El viaje al universo creativo de Maruja Mallo se completará en los próximos meses con la publicación de un catálogo referencial y la edición de una película documental,

Qué: “Maruja Mallo”
Dónde: Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid
Cuándo: Del 28 de enero al 4 de abril

(Imagen: Estampa escaparate, de Maruja Mallo. 1927)

Bob Dylan expone por primera vez

2010-01-27T01:10:00.001-08:00

La Halcyon Gallery de Londres ha anunciado el próximo estreno de una exposición de pinturas del cantante Bob Dylan, quien después de haberse pasado años haciendo dibujos de tipo impresionista en sus ratos libres, finalmente parece haberse decidido a mostrar el resultado de un modo más formal.
La muestra consta de una docena de pinturas realizadas en acrílico sobre lienzo, la primera incursión de Dylan en este tipo de materiales, que para la exhibición ha pasado a lienzo sus habituales apuntes en papel, con una temática basada en los dibujos de la Drawn Blank Series, unos trabajos que el cantante hizo al comienzo del llamado Never Ending Tour, una gira musical llevada a cabo entre 1989 y 1992.
Así como las canciones de Dylan son constantemente reforzadas y redescubiertas a través de sus actuaciones en vivo, estos cuadros revisan de alguna forma las imágenes y escenas que el artista fue capturando a lo largo de sus actuaciones en ese tour, plasmándolas de un modo gráfico.
La exposición, titulada ‘Bob Dylan en lienzo’, tiene como fecha prevista de inauguración el 6 de febrero, y posteriormente, en septiembre, viajará a la Galería Nacional de Dinamarca de Copenhague.

(Foto: "Motel pool" uno de los cuadros expuestos)

La vanguardia parisina en el Guggenheim de Nueva York

2010-01-27T01:03:00.000-08:00

Una treintena de obras, seleccionadas de su propia colección, componen la nueva exposición que acoge desde ayer el Museo Guggenheim de Nueva York, con la que repasa el legado de maestros modernos como, entre otros, Joan Miró, Pablo Picasso (un cuadro suyo en la imagen) o Georges Braque, y la influencia que París tuvo en todos ellos.
Con ‘París y el Vanguardismo: maestros modernos de la colección Guggenheim’, como se titula esta muestra que permanecerá abierta hasta el próximo 12 de mayo, la institución neoyorquina apuesta por unir algunas de las piezas más significativas de su colección, que proceden de las primeras décadas del siglo XX y que tienen su punto común en el ambiente artístico parisino de esa época.
La exposición, que forma parte de los proyectos con los que la institución celebra aún sus 50 años de historia, cuenta con 34 obras creadas por un total de 18 artistas que, como Miró (1893-1983), Picasso (1881-1973) o Braque (1882-1963), crecieron profesionalmente en la capital francesa.
La exposición también recoge otras geniales creaciones del celebrado artista de origen ruso Marc Chagall (1887-1985) o el checo Frantisek Kupka (1871-1957), así como de los franceses Robert Delaunay (1885-1941), Yves Tanguy (1900-1955) y Fernand Léger (1881-1955). Además de pinturas, las salas del Guggenheim albergan también esculturas realizadas por autores como el rumano Constantin Brancusi (1876-1957) o el estadounidense Alexander Calder (1898-1976).

Qué: París y el Vanguardismo: maestros modernos de la colección Guggenheim
Dónde: Guggenheim Museum. Nueva York
Cuándo: Del 23 de enero al 12 de mayo de 2010

JustMadrid, nueva feria de arte emergente

2010-01-26T00:07:00.000-08:00

La Lonja y la Nave de Terneras de la Junta Municipal del Distrito de Arganzuela de Madrid en la foto) acogerán del 18 al 21 de febrero de 2010 Just Madrid, una nueva feria de arte contemporáneo emergente.
Giulietta Speranza y Enrique de Polanco son los codirectores de este nuevo escaparate para el arte contemporáneo que ha propuesto un modelo de feria dedicada exclusivamente a artistas emergentes y de perfil marcadamente internacional.

Just Madrid reunirá a 27 galerías que apuestan por nuevos artistas, para divulgar su obra aproximándola a coleccionistas, comisarios y otros agentes del mundo del arte. Los proyectos que se presenten van a ser diseñados ex profeso para los stands de la feria caracterizada por los nuevos formatos. Además, presentará como apartados específicos Curators’ Desks como espacios comisariales y Big Size Outside, una selección de piezas (instalaciones-esculturas) ubicadas en el exterior.
Esta nueva feria cubre una necesidad patente en el mercado del arte contemporáneo español: dar cabida a galerías que representan a artistas con una carrera incipiente y prometedora, acercándolos a la crítica, al coleccionismo, a los comisarios y al público general.
La selección de galerías se realizará por la calidad de su trabajo en general y de los artistas que representen en particular. Cada galería podrá presentar un máximo de 3 artistas. Se dará prioridad al trabajo instalativo en su sentido más amplio y creado específicamente para el stand. La intención es tener una representación de un 30% nacional y un 70% de galerías extranjeras, con un total aproximado de 30 galerías. Cada año un comisario diferente será nombrado para hacer dicha selección.
Su sede, la Lonja y Nave de Terneras, están situados junto al Matadero Madrid, el espacio de experimentación y creación gestionado por el Área de las Artes del Ayuntamiento de Madrid, cerca del Museo Reina Sofía.

Qué: Justmadrid
Donde: La Lonja y la Nave de Terneras de la Junta Municipal del Distrito de Arganzuela. Madrid
Cuándo: Del 18 al 21 de febrero de 2010

Las últimas compras en subastas de 2009 del Estado

2010-01-25T23:47:00.000-08:00

En el último mes de 2009 el Estado adquirió varias piezas en las subastas españolas para el Museo Nacional del Romanticismo, la Biblioteca Nacional, el Museo Reina Sofía, entre otros, ejerciendo el derecho de tanteo.
De esta forma el Museo Nacional del Romanticismo sumará a su colección un óleo sobre lienzo de 78,5 x 66 cm. de Benjamín Rolland. “Retrato de dos niñas ante un paisaje” (en la foto). Esta obra está firmada y fechada en el ángulo inferior izquierdo. Para este museo también se adquirió un óleo sobre lienzo de 67×51cm, firmado en Genaro Pérez Villaamil en 1836, se trata de un “Paisaje romántico en el castillo de Gaucín, Málaga”. Esta obra se remató por 25.000 €.
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y con cargo a sus presupuestos, ha sumado a su colección un óleo sobre lienzo de 60×70 cm, de Joaquín Sunyer (Sitges, 1875-1956). “Paisaje de Ceret”; firmado y fechado 1912. El óleo cerró las pujas en 47.500 €. El Estado también ejerció el derecho de tanteo por un total de 30.000€ para el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón con cargo a sus presupuestos, por “La Anunciación”, una pareja de óleos sobre tabla de 60×37 cm de la Escuela Aragonesa, realizados hacia 1460, por el Círculo de Arnaut de Castellnou.

El CAAC acoge la Figuración Madrileña de los 70 a través de 16 artistas y 140 obras

2010-01-25T00:03:00.000-08:00

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo repasa hasta el 16 de mayo la renovación que protagonizaron los esquizos de Madrid, que durante el último tramo de la dictadura franquista y los inicios de la democracia apostaron por la pintura figurativa frente a un entorno en el que triunfaba el arte conceptual. Bautizados como esquizos por sus rivales del grupo barcelonés Trama, los artistas que tuvieron la valentía de abandonar el redil estético, tanto el nacional como el internacional liderado por los popes del arte conceptual, fueron Guillermo Pérez Villalta, Carlos Alcolea, Manolo Quejido, Chema Cobo, Carlos Franco, Herminio Molero y Rafael Pérez-Mínguez. Estos autores elaboraron un discurso de rotunda expresividad en el que tenían cabida referencias casi contradictorias: todo un desdoblamiento en el que se abrazaba al mismo tiempo a Walt Disney y a David Bowie, a Palladio y a Alex Katz, o a Dalí y Hockney.

Pérez Villalta y Bola Barrionuevo ante una obra del primero.

La selección incluye también obras de Luis Gordillo, sobre los que ejerció una notable influencia, celebrado como un "pecador" que rompía "con la España negra", un precedente al que todos miraron; así como de Alfredo Alcaín. Además, pueden verse las fotografías de Luis Pérez-Mínguez, amigo y testigo del grupo; así como obras de Aguirre y del arquitecto, poeta y mentor del grupo Javier Utray. En la lista están otros artistas que se sumaron después al movimiento, como Bola Barrionuevo, Carlos Forns, Sigfrido Martín Begué o Jaime Aledo quien, curiosamente, es el único de los 16 que había pasado por una facultad de Bellas Artes. El resto vienen de carreras de Letras o de Arquitectura.
La muestra reúne 140 obras de 16 artistas -los ya citados, sus predecesores y algunos que se sumaron después. La exposición, realizada por el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, ha pasado ya por ese museo y también por la Fundación Suñol de Barcelona, institución que ha prestado muchas de las obras.

Qué: Los esquizos de Madrid
Dónde: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC)
Cuándo: Hasta el 16 de mayo

Un escaparate de la pintura contemporánea portuguesa

2010-01-22T02:05:00.000-08:00

La pintura portuguesa, sus influencias y riquezas, colman de color las paredes de la galería Full Art mediante la exposición 3 PT, compuesta por los trabajos pictóricos de artistas portugueses nacidos en la década de los 70 y formados en la Universidad de Bellas Artes de Lisboa: Manuel Caeiro, Mónica Capucho y José Lourenço.
Los tres artistas comparten conceptos estilísticos y formales como son el trabajo minucioso del detalle en las formas y un uso predominante del color. Caeiro, Lourenço y Capucho hacen constantes referencias espaciales en sus trabajos, referencias casi virtuales en torno a la escultura y a la arquitectura. Caeiro (en la foto una de sus obras) evoca en su trabajo espacios que remiten a la arquitectura y la escultura; Lourenço plantea una visión aséptica e indeterminada de la arquitectura y elementos urbanos como cúpulas; y Capucho desarrolla una obra pictórica basada en la abstracción, donde la forma plástica, grafía y concepto se relacionan. Las ausencias de acción, de figura humana y de elementos narrativos, son otras de las características comunes de estos tres interesantes artistas.

Qué: 3 PT (Manuel Caeiro, Mónica Capucho y José Lourenço)
Donde: Galería Full Art. Sevilla
Cuándo: 22 de enero de 2010 al 13 de marzo de 2010

El Metropolitan de Nueva York descubre a Bronzino

2010-01-22T01:29:00.000-08:00

El Metropolitan Museum de Nueva York ha inaugurado hoy la primera exposición importante dedicada al artista italiano Agnolo Bronzino (1503-1572), titulada ‘Los dibujos de Bronzino’, una ambiciosa muestra que exhibe 61 pinturas de este autor manierista, una de las figuras principales del dibujo del siglo XVI pero que, sin embargo, no ha tenido hasta ahora el reconocimiento que se merece.
Desconocido para unos y olvidado para otros, el Metropolitan cree que el motivo de que Bronzino esté aún poco considerado es la falta de difusión de su obra, lo que ha provocado que haya sido poco estudiada y que, aún más, muchas de ellas nunca se hayan mostrado al público.
Muchas de las obras expuestas en esta muestra, procedentes de instituciones como el Louvre de París o la Galería de los Uffizzi de Florencia y coleccionistas privados europeos y estadounidenses, han sido mostradas al público en muy pocas ocasiones.
Hijo de un carnicero, Bronzino, nació cerca de Florencia y alcanzó la fama como pintor de la corte del duque Cosimo I de Médici y de su esposa, la duquesa Leonor de Toledo.
(Imagen: Retrato de un hombre joven. Bronzino)

Qué: Los dibujos de Bronzino
Donde: Metropolitan Museum of Arts. Nueva York
Cuándo: Del 20 de enero al 18 de abril de 2010

Thomas Schütte, Mario García Torres y LAX en el Reina Sofía durante ARCO 2010

2010-01-21T00:33:00.000-08:00

Coincidiendo con ARCO 2010, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía presenta una de las exposiciones más importantes de la temporada: Thomas Schütte. Retrospección dedicada al reconocido escultor alemán.
El escultor alemán Thomas Schütte (Oldenburg, Alemania, 1954) está considerado internacionalmente como uno de los artistas más importantes de su generación. Su obra está impregnada de cuestiones sociales y políticas, así como de la preocupación por la relevancia y la posición del artista en la sociedad.
La muestra es la retrospectiva más completa organizada sobre el artista en España y consiste en una singular y extensa visión de su obra. Se han reunido alrededor de setenta y cinco obras cuyo grueso se exhibirán en la primera planta del edificio Sabatini. Pero además, las piezas de Thomas Shütte sobrepasarán las puertas de las salas de exposiciones y se mostrarán en diferentes lugares del Museo: el jardín, el claustro, la guardarropía del antiguo Hospital o el espacio Uno, que albergará el trabajo más reciente.

Qué: Thomas Shütte. Retrospección
Cuando: del 16 de febrero al 17 de mayo 2010

Por otro lado, y dado que este año es la ciudad de los Ángeles la protagonista de la Feria, el Museo ha organizado una exposición sobre el artista mexicano Mario García Torres (Monclova, 1975), quien en la actualidad vive y trabaja en Los Ángeles, California, EE.UU.
La muestra se ubicará en las antiguas carboneras del edificio Sabatini, situadas en el sótano. El espacio, dividido en dos ambientes, servirá al artista para crear dos instalaciones diferentes; una de ellas consistente en una proyección de diapositivas (se proyectarán simultáneamente diapositivas sobre varias pantallas) y acompañadas de un audio. La otra sala albergará obras que complementarán la instalación.

Qué: Mario García Torres
Cuando: del 9 de febrero al 24 de mayo 2010

Además, el Museo exhibirá a lo largo del mes de febrero un conjunto de películas vídeos y performances relacionados con Los Angeles, la ciudad invitada en ARCO 2010. L.A.X. es un programa audiovisual dividido en tres secciones: Videoarte en Los Ángeles (1970-1984), L.A. Films y una retrospectiva del cineasta underground Kenneth Anger. En todos los casos se trata de vídeos y películas históricas o contemporáneas, que han sido realizadas por artistas residentes en Los Ángeles o que proponen diferentes retratos sobre esta gran ciudad.

Qué: L.A.X.
Cuando: del 1 al 28 de febrero 2010

La primera edición de Siart se celebrará del 6 al 14 de febrero en Barcelona

2010-01-21T00:26:00.000-08:00

La primera edición del Salón Internacional de Arte y Tendencias (Siart) de Barcelona se celebrará del 6 al 14 de febrero en el Palau de Congressos de Catalunya y reunirá más de 15.000 piezas de los artistas vivos más cotizados y de los grandes maestros de las vanguardias, informó.
Dirigido por Àlex Flaqué, también responsable del Salón de Arte y Antigüedades que se celebra en Drassanes de Barcelona, Siart pretende que la ciudad recupere su posicionamiento en el arte.
El Siart se distingue por apostar por la obra de artistas emergentes y transgresores, como el chino Zhang Huan, conocido por las 'performances' realizadas en Nueva York y Santiago de Compostela. Huan, que con la desnudez muestra la vulnerabilidad del hombre y de su identidad, estará presente en el salón con el autorretrato '1/2' (1998), que se podrá adquirir por 60.000 euros.
Pero las obras estrella del salón serán de dos artistas nacionales: 'L'ille' (1995), de Miquel Barceló, de grandes dimensiones (2,53 x 2,76 metros) y que supone el techo económico del salón: 1.200.000 euros; y la monumental escultura de dos metros de Jaume Plensa, 'Tel Aviv Man' (2005), valorada en 160.000 euros.
Las 40 galerías españolas y extranjeras que ya han confirmado su presencia en Siart presentarán obras de un amplio abanico de precios, también algunas asequibles para iniciarse en el mundo del coleccionismo.
En las próximas ediciones Siart tendrá como invitadas de honor a regiones del mundo, y están trabajando por que el año que viene sea América Latina.

Arte para el 2010 en Holanda

2010-01-20T01:11:00.000-08:00

Turismo de Holanda ha presentado la agenda cultural para 2010 en el Museo del Romanticismo de Madrid. Con la presencia de diversos representantes de los más destacados museos holandeses, se han presentado las exhibiciones más importantes para este año.
Entre las exposiciones destacan:
Del 19 de febrero al 6 de junio de 2010 Paul Gauguin en el Museo Van Gogh..
En la pinacoteca Real Mauritshuis se presentarán varias exposiciones temporales: “Estancias llenas de arte” (25 mar- 27 jun 2010), “El joven Vermeer “ (12 mayo – 22 ago 2010), “Made in Holland” (4 nov 2010 – 30 ene 2011) y “Bodegones florales” que se podrá ver en Holanda del 3 de marzo al 13 de junio de 2011.
Joan Miró protagonizará la muestra “Miró & Jaan Steen” que se mostrará en el RijksMuseum de Amsterdam del 15 de junio al 13 de septiembre de 2010. Por primera vez en los Países Bajos la serie Interiores holandeses de Joan Miró lucirán junto a las obras que le inspiraron de los maestros holandeses del siglo XVII Hendrick Sorgh y Jan Steen.
Desde el 6 de marzo al 17 de septiembre de 2010, en el Hermitage de Amsterdam se expondrá
“De Matisse a Malevich. Pioneros del arte moderno del Hermitage.”

(Imagen: Ambrosius Bosschaert el Viejo (1573-1621); "Naturaleza muerta con flores", c. 1618. Mauritshuis, La Haya)

Recortes en el Museo Esteban Vicente de Segovia

2010-01-20T01:04:00.000-08:00

Los responsables del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente de Segovia trabajan para conseguir el dinero necesario para poner en marcha hasta dos proyectos expositivos en esta temporada, pero no lo tendrán fácil: este año ha sufrido un recorte presupuestario del 40% y algunos de sus patronos han reducido sustancialmente o incluso eliminado sus aportaciones.
Concretamente, CajaMadrid, que en 2009 ya bajó a 100.000 los 180.000 euros de 2008, no realizará este año aportación alguna, retirando también los casi 90.000 euros que aportaba a su programa educativo. En cuanto a la aportación de Caja Segovia, se reduce a la mitad, y las de Ministerio de Cultura y la Junta de Castilla y León bajan ligeramente. Ayuntamiento y Diputación, por contra, mantienen su ayuda económica, así como la estadounidense Fundación Esteban y Harriet Vicente.
El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente alberga la extraordinaria colección de obras donada por Esteban Vicente (Turégano, 1903 - Long Island, 2001), el único miembro español de la primera generación de la Escuela de Nueva York del Expresionismo Abstracto Americano.
El Museo se encuentra ubicado en el que fuera Palacio de Enrique IV Trastamara, cuya construcción se remonta a 1455. Además de recorrer sus cinco salas de exposición, el visitante puede disfrutar de su capilla renacentista con artesonado mudéjar, actual auditorio, y del jardín, en el que reposan las cenizas de Esteban Vicente y su esposa Harriet.

25 años de Miquel Barceló en CaixaForum Madrid

2010-01-19T00:38:00.000-08:00

CaixaForum Madrid repasará a partir del próximo 11 de febrero los últimos 25 años de trayectoria de Miquel Barceló (Felanitx, 1957) en una gran muestra que permitirá al espectador vivir su experiencia pictórica. La exposición, organizada por la Obra Social "la Caixa", no sólo celebrará los logros de este importante artista de talla internacional en los últimos 25 años, sino que sobre todo ofrecerá al espectador la posibilidad de entender el misterio, la adrenalina y la incertidumbre personal que implica su proceso creativo.
Así, esta muestra será clave para poder experimentar de forma coherente la obra de Barceló a partir de 140 obras, desde grandes telas creadas a partir del año 1982 hasta las más recientes, pasando por sus piezas cerámicas y escultóricas, sin olvidar las acuarelas, dibujos, posters, libros y cuadernos de viaje. Todo ello permitirá subrayar el ritmo y la variedad de su trayectoria.
El objetivo es que el público pueda vivir la obra de Barceló como una experiencia. Para ello, el artista se ha implicado directamente en la selección de obras, prestando algunas telas de su propia colección.
El público descubrirá su respuesta enérgica al mundo material, su relación con la tradición, sus viajes, el uso de elementos insólitos y su representación del mundo humano y animal.

Qué: Miquel Barceló. .
Donde: CaixaForum Madrid
Cuando: Del 11 de febrero al 13 de junio de 2010

Donan la colección de arte contemporáneo "Urs Baerlocher" al Cabildo de La Palma

2010-01-19T00:28:00.001-08:00

El Cabildo de La Palma ha recibido la donación (en la foto) de una colección artística por parte de Urs Baerlocher, ciudadano suizo residente en la isla y miembro de una familia con una honda tradición cultural. Se trata de un conjunto compuesto por unas 350 obras de arte, todas ellas fechadas entre 1920 y la actualidad. El fondo cedido comprende una docena de esculturas y grabados, pero sobre todo pinturas.
Nacido en 1947 en Basilea (Suiza), Urs Baerlocher dirigió durante varios años la galería de arte Marbach, ubicada primero en París y después en Berna. En 1984 marchó hasta el Bajo Ampurdán (Cataluña), donde continuó trabajando en el mundo de las galerías de arte y cuyo celo le permitió seguir incrementando su colección privada.
Baerlocher se trasladó a La Palma en 1999, decidiendo que fuera su capital, a través del Museo de Bellas Artes de Santa Cruz de la Palma, donde se conserve el núcleo de las obras atesoradas a lo largo de su vida.
Entre los nombres presentes en la colección destacan Henri Pfeiffer (1907-1952), pintor adscrito a la escuela de la Bauhaus, representado por casi una docena de óleos y más de 70 acuarelas de neta inspiración vanguardista. Otra de las firmas destacadas es Jacques Pajak (1930-1965), fulgurante artista francés que trabajó tanto la pintura como el diseño o la decoración teatral, y que falleció en la plenitud de su juventud.
Entre los creadores españoles más conocidos cabría apuntar los nombres de Joan Miró (1893-1983) y Antoni Tápies (1923), contenidos en el fondo con sendos grabados, o August Puig (1929-1999) con cerca de una treintena de obras.
La integración del enunciado fondo va a permitir en el futuro destinar de manera exclusiva el antiguo convento de San Francisco sólo como museo de Bellas Artes.
En el plazo de dos años se celebrará una exposición temporal en el que se dará a conocer a la sociedad palmera el grueso de dicha cesión. Dicha muestra será exhibida tanto en Santa Cruz de La Palma, como en Los Llanos de Aridane. De momento, entre el 18 y el 23 de enero, una decena de piezas se expondrán públicamente en la Casa Principal de Salazar.

La Fundación Pedro Barrié de la Maza adquiere 21 obras en Espacio Atlántico

2010-01-19T00:18:00.000-08:00

La Fundación Fundación Pedro Barrié de la Maza ha adquirido 21 obras de 18 artistas por valor superior a 300.000 euros en la feria de arte contemporáneo de Vigo, Espacio Atlántico (en la foto), clausurada en Vigo. Con estas adquisiciones, la fundación inicia el tercer año de su colección de pintura contemporánea internacional.
En esta ocasión, al motivo principal de la colección, que indaga en la historia de la pintura de la segunda mitad del siglo XX, se incorporan otros soportes, como las fotografías pictóricas de creadores como Perejaume, Manuel Vilariño, João Penalva o Tracey Moffatt, e instalaciones, como una naturaleza muerta de espejos del brasileño Albano Afonso.
De las nuevas adquisiciones, destacan piezas que sortean los límites entre pintura, escultura, instalación y arquitectura, lo que se denomina ‘pintura expandida’. La fundación se ha hecho con obras de la consagrada estadounidense Jessica Stockholder y de los portugueses José Pedro Croft y Gerardo Burmester. También compró trabajos de Helmut Dorner, Shinite Smith, Manuel Caeiro, Yves Oppenheim, Curro González, Teo Soriano y Simeón Saiz Ruiz.

EN SN. SN

2010-01-18T14:28:00.000-08:00

EN SN. SN
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año: 2009
Técnica: Mixta sobre papel
Medidas: 13.5x19 cm

"La pintura primero tiene que convencernos (...) de lo que está ahí, de la realidad que describe. Todo cuadro convincente ofrece en primer lugr esa certeza. Y luego propondrá una duda. La duda no se plantea con respecto a lo que está ahí, sino acerca de dónde está.
En algún punto del lienzo se rompe la continuidad del espacio (la lógica del paradero) y es sustituida por una discontinuidad inquietante.
Todas las imágenes pintadas de una cosa hablan también de la ausencia de la cosa real. Toda la pintura trata de la presencia y la ausencia. Por eso pintamos. El espacio pictórico roto revela la ilusión del arte." (John Berger)

¿Quien ha dicho que el arte es caro?
Pincha AQUI y comproborás que no es cierto.

Una muestra recupera a Frida Kahlo en Bruselas, Berlín y Viena

2010-01-18T00:38:00.001-08:00

Frida Kahlo, la mujer que vivió por delante de su tiempo, la artista ignorada en su día y ahora universalmente admirada, desembarca en Europa, con una primera escala en el Bozar de Bruselas, camino de Berlín y Viena. Un total de 26 obras entre las que se incluyen diecinueve telas, muchas de ellas emblemáticas, un aguafuerte, seis dibujos, un recorrido fotográfico por su vida y el texto de su diario ilustran una intrigante historia de amores robados, repudios suprimidos y el triunfo de la serenidad.
Dolores Olmedo, su rival en amoríos, compró gran parte de la obra expuesta
La figura icónica de Frida Kahlo (1907-1954) es una de las más hipnotizantes de la historia de la pintura. Posee la fuerza absorbente de un agujero negro y recuerda que Kahlo fue mujer de sufrimiento largo, vida intensa y obra corta que tiene uno de sus principales focos en el Museo Dolores Olmedo, donde se dan la mano las pasiones del universo de la creadora. El amor de Alejandro Gómez, que Frida arrebató a Dolores, creó entre ambas, amigas de colegio y de lucha en la universidad, una animadversión mutua que sólo la muerte prematura de la artista, a los 47 años, puedo aplacar.
Por el pintor Diego Rivera hizo Dolores, que se había hecho millonaria, uno de los mayores sacrificios de su vida: comprar casi una treintena de obras de su aborrecida rival en amoríos cuando se puso a la venta la colección que había formado otro amigo de Kahlo. Rivera no quería que el conjunto, un completo resumen de la creación de Kahlo, se dispersara. La adquisición no supuso un martirio económico, sino emocional. Pero el destino ha compensado con creces el sacrificio de Dolores por Diego y hoy Frida Kahlo no puede comprenderse sin conocer las obras del museo de Xochimilco.

La muestra Frida Kahlo y su mundo, que hasta el 18 de abril se puede ver en el Museo Bozar, es la vanguardia del festival de amplio espectro (música, teatro, cine, literatura, lucha libre, danza, arquitectura, artes populares) dedicado a México en la capital de la UE para conmemorar una cadena de aniversarios que abren los 200 años del pistoletazo de salida hacia la independencia.

SALVADOS DEL INCENDIO: JACKSON POLLOCK – “NÚMERO UNO”

2010-01-17T02:16:00.000-08:00

A Jackson Pollock (1912-1956) le sucede algo similar a Kandinsky: su primera obra deja bastante que desear, pero a partir de 1947, cuando descubre, literalmente, el ‘dripping’, esa escritura/pintura que van chorreando encima del lienzo en una interacción total con la creación de la obra, su obra da un salto hacia arriba vertiginoso.
“Cuando estoy en mi cuadro no sé exactamente que estoy haciendo. Y sólo después de cierto tiempo de ‘contacto’ con él me doy cuenta del punto en que estoy. Y no tengo miedo de aportar cambios, de destruir la imagen, porque la pintura vive una vida propia. Quiero que esta vida aflore”. A partir de aquí el arte ha dejado de ser un producto reflexivo y se ha convertido en proyección pura donde lo accidental, por medio de los nuevos procedimientos técnicos, se convierte en director de la obra.
Hay pocas obras tan impactantes, en el sentido más contundente de la palabra: te golpean, reclaman tu atención ineluctablemente, en la segunda mitad el siglo XX.

Número Uno

En esta obra pintada al duco y con colores al aluminio en 1949, Pollock sigue manifestando su amor y dominio del “dripping”y, al emplear el aluminio, le confiere un color vivo, fresco y transparente a modo de rica malla de luces que envuelven la materia. Ese uso casi insólito que hace del color supera generalmente este resto de noción naturalística en la libertad absoluta del gesto, el cual refleja exclusivamente la acción física del artista.

"Travesías" - Daniel Canogar

2010-01-16T02:06:00.001-08:00

A principio de año, y durante varios días, los informativos de las diferentes cadenas de televisión dieron cuenta ampliamente sobre el montaje y la colocación de la instalación ‘Travesías’ que el artista Daniel Canogar (Madrid, 1964) ha llevado a cabo en el atrio del edificio Justus Lipsius, de Bruselas, lugar donde suelen celebrarse las reuniones del Consejo Europeo. El encargo de esta obra y su instalación se debe a que España ocupará la presidencia de la Unión Europea, entre enero y junio de 2010.
Canogar ha desarrollado para la ocasión una video instalación realizada con una pantalla de LEDs y que flotará desde el techo. Sobre las cabezas de aquéllos que caminan bajo la obra, aparecen las imágenes de una multitud en movimiento: andando, corriendo, generando tapones, cayéndose, tropezando… Dichas imágenes constituyen una suerte de espejo en el que representar el constante flujo de personas que vienen y van por el atrio del Justus Lipsius, concretamente desde las puertas de entrada al mismo y hasta la puerta giratoria a través de la cual se penetra en el edificio. La instalación está compuesta de una pantalla de 33 metros de largo por 1,65 de ancho. Gracias a su flexibilidad, el conjunto adquiere una forma sinuosa de un bucle de 4 metros de altura.

Una reflexión
Estas “Travesías” representa perfectamente a buena parte del arte contemporáneo: un arte banal, decorativo, con un alto nivel de complejidad tecno/científica en su realización, que deja pasmados a los espectadores por su espectacularidad, pero que en modo alguno produce algo así como una ‘experiencia estética’. Es una obra unidimensional y unidireccional. No es más de lo que es y no hay que pedirle nada más. En definitiva, estamos delante del epítome del ‘arte de corte’.
Lo que le sucede a Canogar y sus ‘Travesías’ es lo que le ocurre a las creaciones de esos primeros espadas del arte actual (Hirst, Murakami, Koons, etc.): sus creaciones son bonitas, divertidas, llamativas, ilusorias, decorativas, sobre todo decorativas, pero que son incapaces de crear la más mínima emoción o de crear cualquier tipo de empatía con el espectador. Piensen en el “Puppy’ de Jeff Koons instalado a la entrada del Museo Guggenheim de Bilbao, mismamente.
Como detrás no hay nada, hay que crearlo, mostrar un simulacro, y aquí es cuando entran en acción los historiadores, los filósofos del arte, los sociólogos, curadores (¿de qué curan?)… en fin, todos y cada uno de los actores llamados a legitimar(se) el significado de un arte que cuando nace ya es un cadáver.
Por desgracia -o no- está obra sólo vale en la medida en que su autor y sus legitimadores vivan; y cuando estos la palmen su ‘arte’ desaparecerá con ellos.

Tàpies en Campins

2010-01-16T02:01:00.001-08:00

Obras cada vez más esenciales, sintéticas, con menos materia y menos color, telas y maderas planas, grafismos leves, con preferencia por el blanco, el negro y los marrones... la galería Toni Tàpies presenta, como cada año, una selección de los trabajos que Antoni Tàpies crea en verano en su estudio de Campins, en el Montseny. Esta vez son 14 piezas y sólo algunas de ellas están datadas en el 2006 y en el 2007.
Tàpies, con 86 años, ha adaptado su forma de pintar a su forma física y a las servidumbres de la edad, aunque se le ve más animado que el año pasado, cuando tuvo que serle implantado un marcapasos. "Lo único que he cambiado –dice el artista– es al ayudante que tenía, que ya se ha hecho mayor, como yo, por uno más joven. Ahora ya no tengo que hacer nada que me suponga un esfuerzo físico. ¿Ha intentado abrir alguna vez un bote de pintura? No tengo ni que abrir los botes de pintura, ni mover los bastidores, ni agacharme. Hago que me coloquen unos caballetes a una altura en la que puedo pintar cómodamente sobre el lienzo o la madera".
Tàpies expondrá en los próximos meses en sus galerías de Londres y Nueva York (Pace Wildenstein), pero lo que más ilusión le hace es la reapertura de su fundación, tras las obras de reforma que la han tenido dos años cerrada al público.
La inauguración será el día 3 de marzo para las autoridades que han contribuido a financiar la reforma, el 4 la apertura oficial y el 5 y 6, fin de semana, se abrirán las puertas, de forma gratuita, a todo el público.
La colección particular formaría un extraordinario museo por sí mismo (arte africano, asiático, dibujos esotéricos, tratados cabalísticos, mapas astrológicos, arte contemporáneo). También habrá un pequeño ciclo de Méliès y una exposición que documenta las reformas del edificio de Domènech i Montaner.

Centros de arte españoles se lanzan a Internet en busca de nuevos públicos

2010-01-15T13:44:00.000-08:00

Hace ya algún tiempo que los museos se han dado cuenta de que su público ha cambiado. No es sólo cuestión de edad, cultura o globalización. La culpa, o el mérito, es de las nuevas tecnologías, con Internet a la cabeza. Millones de personas han ido incorporando la tecnología a sus hábitos cotidianos en tiempo real y con gente de todo el mundo. Es un público que, sin teorizarlo, vive diariamente la web 2.0. Y los museos han entendido por fin que, para captarlo y fomentar su participación, deben usar sus mismas armas.

The lazy logic of Ignava Ratio, obra del artista Ryan McGiness, que estará presente en La Casa Encendida de Madrid con un taller de arte y un casting online.

Varios de los grandes centros artísticos españoles han estrenado el año con nuevas estrategias para Internet. La Casa Encendida de Madrid, por ejemplo, ha lanzado el casting online titulado ‘Se buscan Ryan McGinness’ para encontrar dobles de este artista nacido en Virginia y afincado en Nueva York. McGinness tiene 37 años, el pelo oscuro y lacio y su look, como su obra, combina reminiscencias de la década de 1970 con elementos contemporáneos. Para convertirse en su doble no hay que parecerse a él, ni siquiera hay que ser hombre y menos artista.
Los seleccionados participarán en un taller de serigrafía, en el cual se crearán parte de las obras que se exhibirán en La Casa Encendida, del 4 de febrero al 4 de abril, en la muestra Estudio Franquicia. Las candidaturas se pueden someter a través de la web (www.sebuscanryanmcginness.com) o de la red social Facebook, donde el público podrá votar su aspirante preferido. Éste se añadirá a los 24 participantes elegidos por el artista, y será invitado a Madrid con gastos pagados desde cualquier lado del mundo.
Internet se ha constituido como un nuevo espacio para la creación y la difusión con todo lo que esto conlleva y los museos españoles deben quemar etapas para ponerse al nivel de los cambios sociales. No se trata sólo de los museos geográficamente periféricos, que buscan en la red una nueva centralidad: es el caso del Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Meiac) de Badajoz, que acaba de presentar la segunda entrega de NETescopio, un nuevo visor de arte en la Red y, a la vez, un archivo en continuo desarrollo de obras concebidas para Internet.
Los grandes museos también multiplican su presencia en la Red y utilizan sus herramientas gratuitas y colectivas. Desde el Prado, que a través de Google Earth permite navegar por sus obras maestras, hasta la Tate de Londres, que gracias a Google Street View, permite al público buscar los lugares reproducidos en las obras de la colección y ver cómo han cambiado, además de colaborar en el proyecto Mapping the Tate, señalando coincidencias entre los entornos reales y las representaciones pictóricas correspondientes.
Entre los centros de arte españoles que han aprovechado el año nuevo para estrenar web está el Arts Santa Mónica de Barcelona, que presenta su primer proyecto online (www.culturesdelcanvi.com), diseñado y dirigido por Bestiario. Se trata de una base de datos, de acceso libre y enfoque amable, para navegar de forma transdisciplinar a través de los conceptos de complejidad en varias áreas del conocimiento, desde la sociología hasta la matemática, con el objetivo de contribuir a encontrar un lenguaje común entre las disciplinas científicas y humanísticas. Está claro: el museo real/tradicional se hace también virtual/digital.

París se rinde ante Lucien Freud

2010-01-15T13:40:00.000-08:00

Después de más de 20 años, París vuelve a rendir homenaje a Lucien Freud , pintor de la Escuela de Londres y nieto del psicoanalista Sigmund Freud , con una exposición de sus trabajos de los últimos años, que se podrá ver en el Centro Pompidou desde el 10 de marzo al 19 de julio.
'Lucien Freud. L'Atelier' es el título de la muestra presentada ayer que reúne, en torno al tema del taller, los trabajos mayores del artista, conocidos como 'Large Interiors', sus versiones de cuadros de maestros de la pintura, la serie de autorretratos y retratos como los de Leigh Bowery o Big Sue.

Cerca de cincuenta pinturas, así como obras gráficas y fotografías del espacio de trabajo del pintor en la capital británica, se podrán ver en el Centro Pompidou. La mayoría de las piezas expuestas provienen de colecciones privadas, aunque también hay préstamos del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, la Tate de Londres o el Metropolitan de Nueva York.
En su espacio de trabajo ha retratado a amigos y familiares acompañados únicamente por los objetos y muebles de la habitación, como un sofá roto, una butaca desgastada o una cama de hierro, rodeados por una pared manchada de pintura. Desde su ventana, los solares y edificios industriales de Londres también le han servido de modelo. Esta tensión entre lo interior y lo exterior es sobre la que se articula la primera parte de la exposición. Una segunda sala recogerá la producción de autorretratos.
En sus primeros años, el artista británico trabajaba ensimismado, en su taller, a solas con el modelo, pero en la década de los 80 del siglo pasado empezó a fijarse en los trabajos de grandes artistas y a variar sus obras, como alguna de Cézanne o Picasso. Esta apertura y cambio de trayectoria será el objeto de la tercera sala de la exposición. Dos vídeos del taller y fotografías tomadas allí por David Dawson cerrarán 'Lucien Freud . L'Atelier'.
A sus 88 años, el artista mantiene su actividad, enriqueciendo su carrera. De familia judía, nació en 1922 en Berlín, pero en 1934 sus padres decidieron abandonar Alemania para escapar del auge del nazismo y se instalaron en Inglaterra, donde reside.

La fundación Miró abre una sala con obras donadas por la familia del artista

2010-01-14T02:16:00.000-08:00

La sala octogonal de la Fundació Miró recupera su arquitectura original y desde ayer se ha convertido en una suerte de capilla para contemplar, con luz tenue, las obras que la familia del artista ha cedido al museo barcelonés.
Las 17 obras llenan uno de los huecos más importantes de la colección del centro, los años 30 y 40. De las 15 obras de la serie, sólo había una en España, cedida a Barcelona por el coleccionista japonés Katsuta. Esta obra, junto con ‘Personatge sobre fons vermell’ (1939) son las únicas de la donación que han sido intercaladas en las salas de la colección permanente (la número 17) y no en la sala octogonal.
La década de los 30 fue una de las más trágicas para el artista. En 1927 quiso asesinar la pintura y ensayó los collages o el ready-made. Más adelante, en los convulsos años de la preguerra, sus obras se iluminaron con una luz apocalíptica y figuras grotescas que vagaban enloquecidas por espacios desiertos.
La apertura de la sala octogonal coincide con la nueva presentación de la colección permanente. El recorrido no cambia. Comienza con los grandes tapices y la escultura y, a partir de ahí, sigue el itinerario cronológico, sin más variantes que la inclusión de las dos obras de los años 30 citadas y que el tríptico que colgaba en la sala octogonal ‘L'esperança del condemnat a mort’, el círculo de la vida que queda interrumpido por la muerte (dedicado a Puig Antich) pasa a las reservas del museo.
Lo novedoso es la mejor iluminación de las salas, que permiten una mejor contemplación de las obras, y la colocación de paneles informativos en cada espacio, contextualizando la vida y la obra de Miró. También se ha añadido un audiovisual sobre la figura del artista en el sótano, donde están expuestas las obras de los amigos artistas de Miró.

El Musac se prepara para la reclusión de Txomin Badiola, Euba y Sergio Prego

2010-01-14T01:41:00.001-08:00

El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ( MUSAC ) ha cerrado sus salas para prepararse para un novedoso proyecto expositivo, que arrancará el 30 de enero con la muestra de la obra incompleta de los artistas bilbaínos Txomin Badiola y Jon Mikel Euba, y el donostiarra Sergio Prego, que se recluirán en el museo 40 días para terminarla.
A partir del próximo día 30, se expondrán las muestras individuales de estos tres escultores vascos, que a partir del 8 de febrero se encerrarán ocho horas al día, junto a quince voluntarios, en este museo con el fin de completar y transformar su obra.
La iniciativa se llama ‘Primer pro-forma 2010’, un nuevo formato experimental del Musac que parte de un compromiso con los tres artistas, que incluye la producción, la exhibición y la educación artística, como si de una universidad se tratara.
La idea coincide con la de estudio expandido, en el sentido de que el Musac y los 4.000 metros cuadrados de superficie destinados a la exposición, se convertirán en un lugar de trabajo para los artistas y de formación para los quince voluntarios.
Después del 20 de marzo, y hasta el 6 de junio, cuando hayan acabado el trabajo, se podrá ver el resultado de las intervenciones. Además de la obra de los tres escultores vascos, el 30 de enero también se inaugurará en el Musac 'Pre-Bellevue', la primera exposición individual en España del artista griego Yorgos Sapountzis, que estará en el apartado Laboratorio 987, un espacio dedicado a apuestas más arriesgadas. Se trata de un proyecto específico para el Musac , que está basado fundamentalmente en el concepto y las limitaciones del espacio público. Además, en el apartado de vitrinas, en el vestíbulo, se inaugurará el proyecto 'Loud Flash', en el que se reflexionará sobre el papel del punk británico.
Asimismo, a partir del día 30 de enero, se proyectará 'Iberia', una instalación audiovisual del artista Augusto Alves da Silva (1963, Lisboa) y que se trata del primer proyecto en colaboración entre Musac y la Fundación Serralves de Oporto. En 'Iberia', el espectador se enfrentará a una proyección aleatoria de miles de imágenes captadas por el artista a lo largo de un viaje por España en jeep.

“Impresionismo. Un nuevo renacimiento”, en Madrid

2010-01-13T01:48:00.000-08:00

La Fundación Mapfre presenta hoy en sus salas de exposiciones del Paseo de Recoletos la muestra “Impresionismo. Un nuevo renacimiento”, que recorre la historia del más importante movimiento artístico moderno a través de las grandes obras del Musée d’Orsay.
Del 15 de enero al 22 de abril, se podrán contemplar 90 de las grandes obras maestras de Manet, Monet, Renoir, Sisley, Pisarro o Cézanne, entre otros. Es la primera vez que un conjunto de obras impresionistas de primera importancia se presenta en España. Se trata por tanto de una ocasión única para contemplar, a través de los grandes maestros, una visión global de este movimiento artístico que cambió la percepción de la modernidad y que empezó con la modesta exposición de pintura que, en 1874, anunció el nacimiento de esta mayor revolución artística de la historia: el Impresionismo.

Qué: Impresionismo. Un nuevo renacimiento.
Dónde: Fundación Mapfre. Madrid
Cuando: Del 15 de enero al 22 de abril de 2010.

La feria viguesa Espacio Atlántico tendrá lugar entre el 14 y el 17 de enero

2010-01-13T01:43:00.000-08:00

Cincuenta galerías españolas y portuguesas mostrarán sus propuestas en el marco del Programa General de Espacio Atlántico, feria de arte contemporáneo de Vigo anteriormente denominada Puro Arte que en 2010 celebrará su cuarta edición. A esa selección de galerías habrá que sumar las que presentarán proyectos de un único artista, cuyos nombres aún no se han hecho públicos.
Espacio Atlántico podrá visitarse entre el 14 y el 17 de enero en el Recinto Ferial IFEVI de la capital pontevedresa y contará con la dirección de Marta Scarpellini y la dirección artística del comisario y crítico David Barro. Considerado como el principal referente ferial de la zona noroeste de la península, contará con la participación de quince galerías lusas y treinta y siete españolas, muchas de ellas ausentes por decisión propia de ARCO o Arte Lisboa al haber tomado la feria gallega como una apuesta personal.
Espacio Atlántico desarrollará además un activo programa social para profesionales del sector cultural y coleccionistas en el que participarán las principales instituciones artísticas de Galicia. Tendrán cabida todo tipo de manifestaciones (pintura, escultura, fotografía, vídeo, grabado, etc) realizadas por artistas acreditados de la escena internacional y jóvenes talentos.

Qué: Espacio Atlántico 2010
Dónde: Recinto Ferial IFEVI Pabellón 1. Avenida do Aeroporto 772. Cotogrande 36318
Vigo
Cuándo: Del 14 al 17 de enero de 2010

José Guedes expone por primera vez en España

2010-01-13T01:34:00.000-08:00

El IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno) ha inaugurado la primera exposición en España del artista brasileño José Guedes, un autor polivalente que representa el espíritu de movimientos emergentes relacionados con el conocimiento abierto y la inteligencia colectiva.
Guedes es un artista que se integra en los medios y soportes técnicos de su tiempo y sus ideas se asocian con la realidad contemporánea, razón por la cual, iconos del presente forman parte de su obra ecléctica y cotidiana.
Cualquiera de las disciplinas que elige para comunicarse con el público, bien sea la fotografía, el vídeo, la instalación, la pintura, el diseño, el objeto o la intervención, muestran un sustrato común que se refleja en el gusto por transitar y dialogar con momentos o detalles de la vida doméstica de nuestro tiempo.
Se puede decir que toma como referente estereotipos reconocibles del ‘sistema' para abordarlos y crear un discurso narrativo, en muchas ocasiones, cargado de una crítica a la vida pública de su país.
`
Qué: José Guedes
Donde: IVAM (Instituto Valenciano de Arte Moderno). Valencia
Cuándo: Hasta el 21 de marzo de 2010

La sangre menstrual protagoniza una muestra sobre la esencia de la mujer

2010-01-11T01:40:00.000-08:00

Fotografías en las que una mujer desnuda y con la espalda tatuada dibuja la palabra amor en una pared blanca con su sangre menstrual, o en las que una joven abraza las piernas de otra sobre las que escurre este fluido, forman parte de una exposición inaugurada en Valladolid.
La muestra, creada por la artista Isa Sanz bajo el título ‘Sangro, pero no muero’ pretende ahondar en la esencia creadora de la mujer y en su posición en el mundo, a través de la fijación en los tabúes de la mujer desnuda y la sangre menstrual, según ha explicado la autora.
En las 15 fotografías y los dos vídeos que la componen, se puede observar a mujeres en distintas posturas que invitan a reflexionar sobre el ciclo menstrual y su relación con el pensamiento femenino.
Sanz ha definido la exposición como un viaje de retorno al concepto griego del kosmos menstrual, entendido este concepto como lo hacían los griegos, en relación con la armonía de cuerpo, mente y espíritu.
(Foto: Isa Sanz)

Un Chagall que ha costado menos que un atún rojo

2010-01-11T01:37:00.000-08:00

Una galería de Londres, Reino Unido, comenzó a exhibir este viernes de la semana pasada una pintura de Marc Chagall que un pequeño museo de la capital británica adquirió por apenas 41.500 dólares el año pasado, en una subasta en París.
Teniendo en cuenta los precios normales de las obras del pintor ruso-francés, ésta se adquirió por una verdadera ganga y costó cuatro veces menos que un atún subastado en Tokio, que anda en una media de 175.000 dólares.
El Museo Judío de Arte Ben Uri de Londres compró el cuadro, titulado "Apocalipsis en Lila, Capricho" en una operación casi secreta, que tenía por objetivo no alertar a las grandes galerías del mundo sobre su puesta en venta.
La pintura, de 1945, es una de las diez de Chagall creadas de 1938 a 1945 que contienen un Jesucristo.
Esta obra, hasta ahora desconocida, es la expresión profundamente personal de Chagall del horror y el luto por la civilización judía casi exterminada por los nazis, así como una expresión del dolor por la muerte, ocho meses antes, de su esposa Bella.
La pintura, de 51,1 x 36 cm, se exhibirá en la galería Osborne Samuel de Londres hasta el 31 de enero.

Arte y tecnología se mezclarán por los espacios del centro Tabakalera en San Sebastián

2010-01-09T01:12:00.000-08:00

La última gran exposición en Tabakalera antes de su cierre por obras no será de producción propia sino promovida por una entidad que no suele frecuentar el mundo del arte, el Ministerio de Ciencia e Innovación del Gobierno español.
Con motivo de la reunión de los ministros de Innovación, Ciencia e Industria de varios países europeos en San Sebastián, entre las diversas actividades paralelas previstas está programada la exposición titulada ‘Sueños de silicio. Arte, ciencia y tecnología en la Unión Europea’. que ocupará casi toda la planta baja del edificio desde el 9 de febrero hasta el 21 de marzo.

‘Natural Fuse' de Usman Haque

La muestra es una producción realizada especialmente para la ocasión por el Ministerio de Ciencia e Innovación. Su objetivo es «mostrar las más recientes aplicaciones de la tecnología y el desarrollo tecnológico en la creación artística». Para configurar la espectacular exposición, el Ministerio ha realizado una labor de selección internacional, hasta elegir una decena de obras de sendos artistas cuyo interés por la ciencia y la tecnología se plasma e influye en sus creaciones.
Los artistas seleccionados y las obras que va a presentar son: Usman Haque con ‘Natural Fuse’. Sommerer & Mignonneau con ‘A-volve’. El catalán José Manuel Berenguer presentará ‘Luci’. Evelina Domnitch & Dimitry Gelfand con ‘Camera Lucida’. Boris Debackere traerá ‘Probe’. Etoy estará presente con ‘Mission Eternity: KOERPER1-30’. Marcel.lí Antúnez presentará ‘Requiem o Metamembrana’. Ulrike Gabriel estará con ‘Terrain_01’. Knowbotic Research presentará ‘My Black Cat’ y el japonés Sachiko Kodama dará a conocer ‘Protude, Flow 2008’.

Qué: Sueños de silicio. Arte, ciencia y tecnología en la Unión Europea
Cuándo: Del 9 de febrero al 21 de marzo de 2010
Donde: Tabakalera. San Sebastián (Guipúzcoa)

La memoria de los soldados estadounidenses muertos en Afganistán e Irak hecha arte

2010-01-09T01:06:00.000-08:00

La artista estadounidense Emily Prince lleva ya cinco años trabajando en su obra ‘American Servicemen and Women Who Have Died in Iraq and Afghanistan’ (Hombres y mujeres estadounidenses que han muerto en Irak y Afganistán); obra que, seguramente, tendrá que seguir completando por varios años más.
Casi todos los días, la artista de 28 años, natural de California, visita una página web que contabiliza las muertes de soldados de Estados Unidos en Afganistán e Irak para comprobar si hay nuevas bajas.
Cuando hay, busca la fotografía del soldado muerto, si es que está disponible, la copia a lápiz, escribe algunos detalles personales y, si dispone de información suficiente, agrega un comentario sobre la persona. Si la fotografía no está disponible, Prince deja la mayor parte de la tarjeta en blanco.
El resultado, que está siendo exhibido en la Saatchi Gallery de Londres, es un largo salón en donde las pareces blancas están cubiertas con más de 5.100 ilustraciones del tamaño de una postal de los soldados caídos, cuyos colores de piel están representados por el tono de la cartulina.
Las tarjetas están agrupadas en columnas, cada una de ellas representando una semana. Los vacíos fueron diseñados para ilustrar cuánto espacio queda en las paredes para colocar a los soldados que morirán, así como las muertes de miles de iraquíes y afganos que no están representados.
El título completo de la obra que Prince comenzó en el 2004 es ‘Hombres y mujeres estadounidenses que han muerto en Irak y Afganistán (Pero sin incluir los heridos, ni los iraquíes, ni los afganos)’.
La artista ha comentado que planea continuar agregando caras a su obra hasta que las tropas estadounidenses se retiren de Afganistán e Irak.

SIN TITULO I

2010-01-08T01:37:00.000-08:00

SIN TITULO I
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año:1984
Técnica: mixta sobre lienzo
Medidas: 35x27 cm

Vendrá la muerte y tendrá tus ojos
Vendrá la muerte y tendrá tus ojos/ esta muerte que nos acompaña/ desde el alba a la noche, insomne, /sorda, como un viejo remordimiento/ o un absurdo defecto. Tus ojos/ serán una palabra inútil,/ un grito callado, un silencio./ Así los ves cada mañana/cuando sola te inclinas/ ante el espejo. Oh, amada esperanza,/aquel día sabremos, también,/ que eres la vida y eres la nada./
Para todos tiene la muerte una mirada. /Vendrá la muerte y tendrá tus ojos./ Será como dejar un vicio,/ como ver en el espejo/ asomar un rostro muerto,/como escuchar un labio ya cerrado./Mudos, descenderemos al abismo.
(Césare Pavese)

¿Quien ha dicho que el arte es caro? Pincha AQUI y comproborás que no es cierto.

Robert Rauschenberg, Anish Kapoor y Henri Rousseau en el Guggenheim de Bilbao para 2010

2010-01-07T09:14:00.000-08:00

El estadounidense Robert Rauschenberg (Texas, 1925-Florida, 2008) regresa al recinto de titanio para protagonizar el primer gran acontecimiento artístico de 2010 y quizás uno de los más espectaculares, aunque la programación del museo dará para mucho más. En el año que acaba de comenzar el museo de Abandoibarra acogerá otras tres muestras temporales: dos centradas en las figuras de Anish Kapoor y Henri Rousseau, así como otra titulada ‘La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel’. También se celebrarán dos presentaciones de la colección permanente, una de ellas basada en obras propias de 62 artistas; desde Andy Warhol y Cy Twombly hasta Chillida y Oteiza.

De Rauschenberg podrá verse el primer conjunto de obras que ideó con desechos industriales. Esa es precisamente la línea argumental de 'Gluts', la exposición temporal que recalará el próximo 13 de febrero en el Guggenheim bilbaíno. Realizadas a partir de 1986, la serie de esculturas está inspirada en una visita que por entonces hizo a Houston. Eran años en los que la economía tejana vivía sumergida en una recesión provocada por un exceso ('glut', en inglés) en el mercado petrolífero, algo que llamó poderosamente la atención del creador. Tras volver a su estudio de Captiva (Florida), le dio por recoger objetos de metal deteriorados. No pretendía vender la chatarra, sino sacarle partido transformándola en relieves de pared y esculturas autónomas.
Poco después, la oferta del museo girará hacia el emergente mercado del arte asiático. A mediados de marzo, el célebre artista indio Anish Kapoor (Bombay, 1954) presentará alguna de las series en las que ha trabajado en los últimos tiempos, utilizando materiales de propiedades táctiles o altamente reflectantes: desde cera de color rojo-sangre hasta cemento. Cada sala del Guggenheim se transformará para la ocasión con objeto de realzar las sensaciones que provoca su obra en el observador. Ya en mayo y coincidiendo con el aniversario de su fallecimiento, recalará en la pinacoteca bilbaína una retrospectiva sobre la obra de Henri Rousseau, uno de los precursores del arte moderno.
En octubre llegarán Rubens, Rembrandy y Van Baburen con sus otros compañeros de fatigas de la Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca. Y poco después, una muestra titulada 'Haunted' se encargará de cerrar en noviembre la nómina de exposiciones. A través de obras propias, indagará en cómo gran parte de la fotografía y el vídeo contemporáneos parecen «embrujados» por la historia del arte.

EL PROGRAMA DE 2010
'Gluts': De Robert Rauschenberg. Del 13 de febrero al 12 de septiembre.
'Selecciones de la Colección del Museo Guggenheim Bilbao': Del 16 de febrero al 16 de enero de 2011.
Anish Kapoor: Del 16 de marzo al 12 de octubre.
Henri Rousseau: Del 24 de mayo al 12 de septiembre.
'La Edad de Oro de la pintura holandesa y flamenca del Städel Museum': Del 8 de octubre al 13 de febrero de 2011.
'Haunted: fotografía-vídeo-performance contemporáneo': Del 9 de noviembre al 6 de marzo de 2011.

Wyndham Lewis, creador del vorticismo, en la Fundacion Juan March

2010-01-07T09:08:00.000-08:00

La Fundación Juan March acogerá en su sede de Madrid y desde el próximo 5 de febrero una exposición dedicada a Wyndham Lewis (Amherst, Nova Scotia, 1882-Londres, 1957), un exhaustivo recorrido por la obra artística y literaria de una de las figuras clave del modernismo europeo de la primera mitad del siglo XX y creador del vorticismo, el único movimiento inglés de vanguardia (1914).
Pionero de la abstracción, pintor de guerra, gran retratista, novelista, ensayista, editor, crítico literario y de arte, fundador y director de revistas culturales y de vanguardia como Blast o The Enemy, esta exposición sobre Wyndham Lewis no es sólo la primera que se ofrece en España, sino también la más completa realizada hasta ahora en el mundo desde su muerte.
En esta exposición se mostrarán más de 150 obras y 60 publicaciones, revistas, catálogos de sus exposiciones y diversa documentación. El catálogo de la exposición se publica en dos ediciones (español e inglés) y cuenta con textos de los mayores especialistas internacionales en Lewis, como Paul Edwards, autor de una gran monografía dedicada a Wyndham Lewis, y Richard Humpheys, durante muchos años curator de la Tate Gallery; así como otros textos que relacionan a Lewis con la vanguardia, la guerra, la política e incluso con España.

Qué: Wyndham Lewis.
Donde: Fundación Juan March. Madrid.
Cuándo: Del 5 de febrero al 16 de mayo de 2010.

El Museo Reina Sofía abre el año con una instalación sonora de Francisco López

2010-01-05T01:37:00.000-08:00

El Museo Reina Sofía arranca su temporada de exposiciones 2010 con una instalación sonora realizada por Francisco López (Madrid, 1964)´(en la foto). Esta puesta en escena se abrirá al público el próximo 13 de enero y se podrá ver y escuchar hasta el 29 de marzo de 2010 en el edificio Nouvel, planta 4.
“Sin título # 223” es una instalación sonora ideada por Francisco López para un espacio específico e inusual del Museo, el corredor metálico interior del nivel superior del edificio Nouvel. En este lugar, que permanecerá casi a oscuras, se instalará un sistema de sonido que permitirá al público escuchar la pieza de unos cinco minutos de duración y de características acústicas especiales, dado el lugar.
Francisco López está reconocido internacionalmente como una de las figuras clave de la música experimental. Su experiencia en el ámbito de la creación sonora y en el trabajo con grabaciones ambientales abarca un período de 25 años. Ha realizado cientos de conciertos, proyectos con grabaciones de campo e instalaciones sonoras en 50 países de los cinco continentes.

Cuándo: 13 de enero al 29 de marzo de 2010
Dónde: Museo Reina Sofía. Edificio Nouvel, Planta 4

El proyecto ‘Goazen Txinara!’ inicia su segunda edición

2010-01-05T01:34:00.001-08:00

La experiencia vital y artística de Judas Arrieta (Hondarribia, 1971) en Pekín le llevó el año pasado a poner en marcha un estudio para promocionar el arte vasco en el país asiático a través de una serie de residencias de dos meses financiadas en colaboración con el Gobierno Vasco, a través del área de Promoción y Difusión Cultural del departamento de Cultura. ‘Goazen Txinara!’ es el nombre elegido para este programa que ya ha abierto la segunda convocatoria para que los artistas emergentes presenten sus proyectos. El plazo concluirá el próximo día 30 y los seleccionados se darán a conocer a finales de febrero
‘Goazen Txinara’ viene a ser un alternativa a las habituales becas a las que se presentan los recién licenciados en Bellas Artes para ampliar sus conocimientos en Nueva York , Londres o Madrid. La aceptación de la primera edición fue excelente, se presentaron 43 candidatos, y el hondarribitarra espera que este año aumente el número de proyectos: Tras los dos meses de residencia, que realizan al mismo tiempo dos artistas, se organiza una exposición, se contacta con medios de comunicación, tanto vascos como chinos, se muestran los proyectos a través de internet, y al final de la temporada se elabora un catálogo con el trabajo realizado por los residentes. En concreto Arrieta presentó ayer el correspondiente a 2009 donde aparecen las obras de Lorea Alfaro, Tasio Ardanaz, Carlos Irijalba, y Jasone Miranda Bilbao. Además, un acuerdo con la UPV permitió que Laura Siles y Edurne González también trabajaran en el estudio durante otros dos meses.
El año pasado se organizaron seis exposiciones en el MA Studio, como se ha denominado al local que sirve de lugar de trabajo y de residencia para los becados, y otras tres muestras en diferentes galerías y espacios expositivos de Pekín. Cuando el artista llega a la capital China los coordinadores del proyecto ya tienen la documentación sobre el trabajo que quieren realizar de forma que les facilitan toda la infraestructura necesaria.

CON TRES HERIDAS

2010-01-04T01:08:00.000-08:00

CON TRES HERIDAS
Autor: José Manuel Pérez Rey
Año: 1985
Técnica: Mixta sobre madera
Medidas: 50x33 cm

Este año se cumple el centenario del nacimiento del poeta Miguel Hernández(Orihuela, 30 de octubre de 1910 – Alicante, España, 28 de marzo de 1942), uno de los mayores poetas en lengua castellano de siglo XX.
Su poema, "Con tres heridas", está en lo profundo de este cuadro:

Llegó con tres heridas:
la del amor,
la de la muerte,
la de la vida.

Con tres heridas viene:
la de la vida,
la del amor,
la de la muerte.

Con tres heridas yo:
la de la vida,
la de la muerte,
la del amor.

¿Quien ha dicho que el arte es caro?
Pincha AQUI y comproborás que no es cierto.

Una exposición muestra, a través de 17 artistas, la realidad de China

2010-01-04T00:23:00.000-08:00

Para conocer cualquier lugar del mundo, nada como verlo a través de los ojos de sus habitantes. Aunque en el caso de un país con casi 10 millones de kilómetros cuadrados y más de 1.300 millones de ciudadanos, como China, la empresa se complica. Pero desde el pasado día 18 y hasta el 21 de marzo el centro cultural Matadero Madrid ofrece un acercamiento privilegiado para todo aquel que sienta la más mínima curiosidad por el país asiático que empieza a marcar el paso de la política y la economía mundiales. Es la hora de China.
Así, y como antesala de la futura Exposición Universal de Shanghai, que se celebrará entre el 1 de mayo y el 31 de octubre, el Ayuntamiento de Madrid ha reunido las obras de 17 artistas chinos de prestigio internacional bajo el título Beijing Time. La hora de China.

Recreación del Jardin de las delicias de Miao Xiaochun, una de las obras expuestas.

La exposición, ubicada en la nave 16 de Matadero, reúne obras de gran formato: instalaciones, esculturas, videoarte, fotografía, cine, dibujo digital... Una gran variedad de impresiones de la China de hoy que tiran por tierra muchos de los mitos y los prejuicios que todavía existen hoy en relación al país asiático. Un mosaico de visiones que reflejan la necesidad de una sociedad que crece a un ritmo vertiginoso de buscar y reivindicar su propia identidad, de dejar constancia de las miserias y las grandezas de un cambio y una transformación brutal, de preguntarse por su sentido y por su destino.

Qué: Beijing Time. La hora de China.
Cuándo: Hasta el 21 de marzo en el Matadero
Cómo: De martes a sábado, de 16.00 a 22.00. Domingos de 11.00 a 22.00. Miércoles 6 de enero, cerrado. Entrada gratuita.

Ámsterdam aprueba la reforma del Rijksmuseum

2010-01-04T00:19:00.000-08:00

La reforma del museo nacional de Ámsterdam (Rijksmuseum) ha entrado en su recta final. El acceso principal a la gran galería, a pie de calle, respetará la autonomía de los ciclistas. Al mismo tiempo, permitirá el movimiento de peatones y visitantes. El nuevo diseño, firmado por los arquitectos españoles Antonio Cruz y Antonio Ortiz, al igual que el resto de los trabajos del centro, ha logrado el apoyo unánime del Ayuntamiento local y de la poderosa Federación Ciclista. Sus socios consideraban peligroso compartir el arco exterior del museo que ahora albergará la entrada con los miles de turistas que se esperan a partir de 2013, fecha de conclusión de las obras.
Ahora, sin embargo, todos ellos, peatones y aficionados a la bici, podrán disfrutar del "pasaje", como se llama popularmente al arco. No sólo podrán ir al museo, sino que el paso entre la ciudad antigua y el centro de la capital holandesa seguirá siendo de libre acceso. Antonio Ortiz dijo ayer que estaba "muy satisfecho" por haber encontrado una solución de consenso.

Las grandes exposiciones para el 2010

2010-01-03T01:39:00.000-08:00

El sector del arte encara el nuevo año con menos aprensión de la que exhibió en el inicio de 2009, aunque Arco, la principal feria española, se acerca a su próxima edición -del 17 al 21 de febrero- en medio de una nueva polémica: numerosas galerías amenazan con no acudir a la cita por su disconformidad con los criterios de selección de la dirección de Ifema.
El Museo Reina Sofía explorará el concepto de modernidad en muestras como ‘El Principio Potosí, La deriva es nuestra’ o ‘Nuevos realismos: 1957-1962’. En el Museo del Prado, Turner será la estrella de la temporada, igual que Monet en el Museo Thyssen.

Willian Turner estará en el Prado

En la Fundación Mapfre recalará ‘Impresionismo. Un nuevo Renacimiento’, en colaboración con el Museo D'Orsay parisino.
El Macba acogerá una retrospectiva de John Baldessari y el Caixaforum, sendas muestras sobre Federico Fellini y Miquel Barceló, que también viajarán a Madrid.
En el mundo anglosajón, las programaciones recurren a apuestas seguras. El Metropolitan de Nueva York, por ejemplo, mostrará toda la obra de Picasso en sus fondos. En la Tate Modern de Londres, Arshile Gorki y Gauguin serán dos de las grandes exposiciones del año.

SALVADOS DEL INCENDIO: KANDINSKY – “PUNTAS EN ARCO”

2010-01-02T01:31:00.000-08:00

Al día de hoy sólo ante la obra de dos pintores he estado a punto de arrodillarme y llorar: Kandinsky y Rothko.

Puntas en arco

Es curioso pero ambos comparten algunas similitudes: los dos son rusos y ambos tienen una obra que es de más bien poco interés en sus inicios para, de golpe, empezar a crear una pintura absolutamente genial y abrumadora. Pero ahora de lo que se trata es de salvar la obra de Wassily Kandinsky.
He de reconocer que, particularmente, los primeros trabajos de Kandinsky me interesan más bien poco, e incluso nada. De hecho, en general, me parecen bastante flojos y sin mucho interés. Sin duda, desde un punto de vista biográfico deben ser tenidas en cuenta, pero en tanto que Arte, bueno, seamos sinceros, hay decenas de pintores mejores mejores que él, al menos hasta 1910 cuando pinta su primera acuarela abstracta.
Es verdad que Monet, que le causó una onda impresión a nuestro artista, tuvo acercamientos, digamos que intuitivos, a la abstracción, y que Delaunay, también estuvo ahí, pero él fue el primero, y ya sólo por eso merecería entrar en la historia del arte.

En Azul

¿Donde reside, fundamentalmente, el interés de la obra kandinskiana? Desde mi humilde punto de vista en que Kandinsky intenta, de manera más consciente de lo que se cree, pintar la música. Pocos artistas -otro podría ser Chillida y su obra sobre Bach- hay estado tan cerca de pintar eso tan abstracto y volátil como es la música. No hay que olvidar que este artista relacionaba directamente los colores con determinados instrumentos, como dejó escrito en su imprescindible "De lo espiritual en el arte".
Hay otro elemento en su obra que no hay que dejar pasar; es el primer pintor que crea un universo propio, que con sólo líneas y curvas es capaz de abrir un mundo hasta entonces desconocido. Hasta Kandinsky, los pintores, y los artistas en general, tenían que someterse al dictado de la realidad; desde él tal esclavitud dejó de ser un imperativo, y de esa forma abrió el arte de una manera nunca vista hasta entonces.

Trazo Transversal

¿Qué salvar de su obra? Todas sus ‘Composiciones’, desde 1925 hasta el final de su vida en 1944; y es que en esos cuadros sobretodo, Kandinsky supo compaginar una fecunda fantasía, un exquisito y libre uso del color, un continuo actuar bajo un impulso natural, con una equilibrada disciplina y un orden controlado. En el arte de Kandisnky la intensa emoción poética no esta reñida jamás con la más depurada y paciente técnica.

LA OBRA

Amarillo-Rojo-Azul

Composición VII

Negro-Violeta

Armonia Tranquila

On White

Composición 10

Fervor barroco para tiempos de crisis

2009-12-29T01:12:00.001-08:00

La extravagancia, el sensacionalismo, la opulencia y la originalidad que dieron identidad y poderío al imaginario visual del barroco regresan puestas al día para el tercer milenio en el arte contemporáneo más rabioso. Reinterpreta y actualiza los temas y la iconografía de la cultura del seicento. Han sido seleccionados 28 artistas, grandes nombres del star system del arte actual, y algunas de las obras más mediáticas y controvertidas de los últimos años para una sorprendente muestra. Titulada ‘Barock: Arte, ciencia, fe y tecnología en la edad contemporánea’, se celebra en el Museo d'Arte Contemporanea Donna Regina (MADRE), en Nápoles.
El estilo, protagonista el otoño expositivo en media Europa, recibe aquí una atención novedosa. Y vuelve a probar que el barroco interesa. Una de las muestras de la temporada en Londres es ‘Lo sagrado hecho real’, que ha conquistado a las audiencias con sus dramáticas tallas de arte sacro español del siglo XVII. Acaso sea porque, como se comprueba en la cita de la National Gallery, un insospechado puente artístico conecta la escultura barroca y el hiperrealismo más rompedor.
Las decisiones que los organizadores ha tomado para la exhibición ‘Barock…’ se antojan idóneas. Una de las etapas obligadas del grand tour, el viaje iniciático por el sur de Europa de los aristócratas, era la Cartuja de San Martino en Nápoles. El enclave, símbolo del triunfo del barroco, era célebre por su cementerio decorado con las reproducciones de las calaveras de los monjes, elemento característico de los gustos fastuosos, decadentes, experimentales y morbosos de aquella época. Más de tres siglos después la joven italiana Giulia Piscitelli, en una acción relámpago -sin permisos ni sofisticados aparatos- las ha fotografiado para la exposición tocadas con cascos de obrero de la construcción.
Empezando por el tiburón tigre más caro de la historia, de Damien Hirst sumergió, el recorrido tiende un puente entre el siglo XVII y la actualidad, marcado por las pelucas de Sislej Xhafa, el fantasma de la religión de Shirin Neshat, y los ralladores gigantes que Mona Hatoum.
El encanto perverso y barroco de la provocación se plasma en la hiperrealista 'Mujer crucificada' (en la foto) de Maurizio Cattelan, célebre por su polémica escultura del papa Juan Pablo II derribado por un meteorito. El juego entre realidad y ficción, la sublimación de la decadencia y la muerte, las contradicciones del progreso, las ambigüedades visuales, análogas a las que caracterizaron la edad barroca, se materializan en obras de Jake & Dinos Chapman, de Anish Kapoor, de Jeff Koons, de Gilbert & George, de Jeff Wall y de Antonio Biasucci.
La muestra coincide muy apropiadamente con la gran manifestación ‘Retorno al Barroco. De Caravaggio a Vanvitelli’, compendio de las obras maestras de este periodo, que se celebra en los seis principales museos de la ciudad. El proyecto reúne más de 500 piezas procedentes de colecciones públicas y privadas italianas y extranjeras, empezando por las sombrías pinturas de Caravaggio, cuya llegada a Nápoles en 1606 marcó el inicio de la época barroca.

(Fuente: Diario ‘El País’)

El Thyssen expondrá a Monet en febrero

2009-12-28T00:17:00.001-08:00

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogerán entre el 23 de febrero y el 30 de mayo de 2010 la exposición 'Monet y la Abstracción', que abarcará las obras más significativas de la última producción del pintor. Junto a los cuadros que reproducen el famoso jardín de Giverny, aparecerán los trabajos de toda una generación que recogió el testigo del maestro y que está constituida por nombres como Jackson Pollok, Mark Rothko, Willem de Kooning, Sam Francis, Joan Mitchell o Gerhard Richter.

Claude Monet - "Nenúfares"

En un momento en que Claude Monet era considerado como un artista desfasado con una producción igualmente anacrónica, surgieron una serie de jóvenes artistas que supieron encontrar en su pintura nuevos caminos o réplicas ante los gustos imperantes. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la historia del arte se vio, una vez más, mutilada y descompuesta en un abanico de estímulos que arrastraban las ya viejas estrategias de la Vanguardia canónica. Así, fórmulas manidas o excesivamente aprovechadas como el último Expresionismo o la Nueva Objetividad dieron paso a nuevas propuestas como la Abstracción americana, en cuyo seno se revalorizó cierto tipo de arte europeo y, más concretamente, se redefinió el modo de entender a Monet.
Con esta inminente exposición en Madrid se podrá no sólo comprender mejor a este artista de referencia, sino también colocar su mirada dentro de las inquietudes del panorama cultural americano, centrol munidial del arte durante la segunda mitad del siglo XX.

Barceló y Salvat-Papasseit, algunas de las novedades del Santa Mònica en 2010

2009-12-24T00:59:00.000-08:00

El centro Arts Santa Mònica albergará el próximo año un total un total de 18 exposiciones, entre las que destacan una sobre el pintor Miquel Barceló, una retrospectiva de la obra del poeta Joan Salvat-Papasseit, un análisis de Las Ramblas de Barcelona y otra sobre la relación entre la televisión y el arte.
La exposición de Barceló, que tendrá lugar del 15 de julio al 26 de setiembre de 2010, mostrará un centenar de obras del artista mallorquín realizadas entre 1973 y 1982, año en el que se considera que Barceló se consagró internacionalmente tras participar en la Documenta de Kassel (Alemania).

El centro de Arte Arst Santa Mónica

Por su parte, la muestra sobre el poeta Salvat-Papasseit (1894-1924) una doble dimensión, por un lado histórica que pretende divulgar la obra del artista y, por el otro, una relectura de su trayectoria por parte de varios artistas actuales. La exposición, que se exhibirá de diciembre a marzo de 2011
La programación del año 2010 del Arts Santa Mònica rinde también un pequeño homenaje a la calle en que se ubica el centro: Las Ramblas serán reflejadas en una muestra fotográfica a cargo de Jordi Bernadó y Massimo Vitali, que se expondrá de abril a junio. El videoarte y la relación entre la televisión y las manifestaciones artísticas tendrán también cabida el próximo año en el Santa Mònica, a partir de tres exposiciones distintas, a la espera de que en otoño inicie su actividad el laboratorio de medios de comunicación que está impulsando este centro artístico.
Arts Santa Mònica ha distribuido su programación del año 2010 en cuatro temáticas distintas: "Lugares", que tendrá lugar desde la primavera hasta finales de junio; "Materias", desde julio hasta septiembre; "Tecnología y mediación", de octubre a diciembre y enero; y "Vanguardias", desde finales de diciembre hasta marzo de 2011. Cada una de estas áreas contará con cuatro exposiciones, que se ubican en espacios distintos del centro Santa Mònica, que cuenta con un presupuesto de 2,1 millones de euros para el año 2010.
Este centro de arte contemporáneo ha recibido en 2009 cerca de 70.000 visitantes, 12.000 más que en el año anterior.

Instaladas siete esculturas de Auguste Rodin en la Rambla de Barcelona

2009-12-23T00:15:00.000-08:00

La muestra Arte en la calle. Auguste Rodin en Barcelona reúne en Rambla de Catalunya siete esculturas monumentales del Museo Rodin de París: El Pensador (que el escultor concibió en un inicio para formar parte del grupo escultórico de La Puerta del Infierno pero que acabó cobrando vida autónoma), y seis estudios de los seis prohombres que conforman el Monumento a los burgueses de Calais.
La exposición forma parte del programa Arte en la calle, una iniciativa pionera de la Obra Social ‘la Caixa’ que ya ha permitido ver en Barcelona dos exposiciones al aire libre de Manolo Valdés e Igor Mitoraj. El objetivo de este ciclo es el de sacar el arte de las salas de exposiciones, devolverlo al espacio público y provocar un diálogo con la arquitectura. Nunca mejor dicho en el caso de Rodin, quien concibió sus esculturas para ser expuestas al aire libre.
Auguste Rodin (París, 1840 – Meudon, 1917) no sólo revolucionó el arte de la escultura, que había quedado relegado a tediosa disciplina y reducido a mero monumento conmemorativo, sino que también demostró su modernidad apostando por exponer sus esculturas al aire libre.

Qué: Arte en la calle. Auguste Rodin en Barcelona
Donde: Instaladas en Rambla de Catalunya –entre las calles de Consell de Cent y Diputació
Cuándo: Del 18 de diciembre de 2009 al 6 de febrero de 2010

El lehendakari plantea un museo de artistas vascos en Urdaibai fuera de la marca Guggenheim

2009-12-22T00:03:00.000-08:00

El Ejecutivo socialista que gobierna en el País Vasco ultima un proyecto alternativo al conocido ya como 'Guggenheim 2' que se sostiene sobre dos pilares: el arte vasco y el medio ambiente. Sin necesidad de girar sobre un gran edificio de firma, como el levantado por Frank Gehry en Bilbao, el Gabinete de Patxi López plantea un museo integrado en la zona, declarada Reserva de la Biosfera, y orientado al fomento de los artistas y la producción cultural de Euskadi. El propio lehendakari dará hoy carta de naturaleza a la propuesta en la cita convocada en el Patronato de la Fundación Guggenheim.

Bahía de Urdaibai

López presentará oficialmente a sus socios las líneas maestras de un plan que está llamado a abrir una profunda reflexión sobre el equipamiento que necesita este rincón protegido de Vizcaya, hasta ahora envuelto en la trifulca política. Su apuesta, además, se aleja de los megaproyectos arquitectónicos para centrarse más en la creación de varios centros menores.
El capítulo más revelador en esta polémica se vivió el miércoles pasado y tuvo tintes casi surreales. En la misma jornada, la consejera de Cultura del Gobierno, Blanca Urgell (PSE), desmontaba el proyecto del Guggenheim de Urdaibai en el Parlamento de Vitoria, mientras el diputado general, José Luis Bilbao (PNV), lo 'vendía' en Nueva York en compañía del director, Juan Ignacio Vidarte, ante los mentores de la Fundación. Aunque sus discrepancias son claras, las dos instituciones comparten la necesidad de dotar a la zona de un bien cultural, capaz de generar riqueza y abrir una nueva ventana artística en Euskadi.

Arte abstracto español en el IVAM

2009-12-21T23:49:00.000-08:00

El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) presentará mañana la exposición ‘La Línea roja. Arte abstracto español’ en la colección del IVAM, una muestra que permanecerá instalada en el museo hasta el próximo 21 de febrero.
El título de la exposición es un homenaje a Antoni Tàpies. Su pintura La línea roja, fechada en 1963 y perteneciente a la colección del IVAM, debe entenderse como un cruce de caminos en el que convergen la larga tradición constructiva, la pulsión figurativa, la experimentación con la materia y la quiebra de la naturaleza bidimensional de la pintura.
Entre las obras más relevantes que reúne la muestra figuran La ligne rouge (Antoni Tápies), Le cagoulard,1935 (Julio González), Aviat l'instant,1919 (Joan Miró), Relieves luminosos,1955-60 (Eugenio Sempere), Serie Limo,1991 (Luis Gordillo) o Teófanes, 2004 (Ana Peters).
La muestra quiere analizar los múltiples puntos de convergencia que se produjeron entre las investigaciones formales de las diversas generaciones de artistas españoles desde los años treinta del siglo XX hasta la actualidad.

Qué: La Línea roja. Arte abstracto español en la colección del IVAM.
Donde: Instituto Valenciano de Arte Moderno. Valencia
Cuando: desde el 23 de diciembre hasta el 21 de febrero de 2010.

La quinta edición de Art Madrid acogerá a 64 galerías nacionales e internacionales

2009-12-20T01:14:00.000-08:00

La feria de arte moderno y contemporáneo Art Madrid celebrará su quinta edición del 17 al 21 de febrero de 2010 en el Pabellón de Cristal de la Casa de Campo madrileña, donde la organización espera recibir a más de 40.000 visitantes. Esta cita va dirigida principalmente a los coleccionistas de arte contemporáneo español y es la segunda de España tanto por el espacio ocupado como por el número de galerías.
En esta quinta edición está prevista la participación de 64 galerías, seleccionadas por un nuevo Comité, del panorama nacional e internacional, que mostrarán obras de los principales artistas contemporáneos.
Art Madrid acogerá, por segundo año consecutivo, un espacio dedicado al arte emergente, integrado en el programa Young Art, que integra a las galerías y los artistas más jóvenes.
Por otro lado, la feria se encuadra dentro del Programa Oficial para la celebración de los Bicentenarios de las independencias de los países latinoamericanos. Por este motivo, contará con un espacio exclusivo dedicado a esta celebración donde se mostrará una exposición con la obra de artistas latinoamericanos residentes en España.
Otra novedad es la creación de la Colección Art Madrid de Obra Única sobre papel. El objeto de la colección será la obra sobre papel de artistas contemporáneos españoles, con el único requisito de que ha de ser obra original, no seriada. La colección, además, comprenderá obras creadas exclusivamente en los últimos cuarenta años.

SALVADOS DEL INCENDIO: “Los Bisontes De Altamira” - Anónimo

2009-12-19T08:03:00.000-08:00

Desde un punto de vista hegeliano en las pinturas de las cuevas de Altamira (Santillana del Mar, Santander. España), y en especial en sus bisontes, se encuentra ya todo el arte. A partir del momento en que fueron pintados, los especialistas los fechan en el periodo Magdaleniense, en torno a los 14.500 años, en el llamado Estilo III; el Arte empezó a despegar toda su potencia creativa y expresiva; dicho de otra manera; la cueva de Altamira es el bing band del Arte.

Lo genial, lo auténticamente genial de esas pinturas, es la modernidad que rezuman: el aprovechamiento de las condiciones espaciales, el minimalismo de sus trazos, la sobriedad del color: pintaban con colores y no con colorines tan de modo hoy en día. Pero hay más: da igual por qué y para qué fueron pintados; si como acciones mágicas para la consecución de la caza -lo que hoy son los happenings y las perfomances-, si como elementos decorativos de las cueva -que es para lo que se quiere el arte aquí y ahora-, o como pinturas con carácter religioso y místico –una de las funciones que hoy cumplen los museos. Genios, fueron auténticos genios, los que pintaron todo eso.
La técnica empleada por aquellos creadores para lograr sus fines estéticos fue la siguiente: primero grababa con buril el contorno de los animales que después resalta con negro manganeso, raspándolo y sombreándolo si es preciso.

El colorante de ocre se reserva para el interior, aplicado directamente con la mano o con aerógrafos de hueso, expresando la anatomía del animal (en el que se ha destacado el aspecto humanoide de la cara del animal); y destacando algunos detalles peculiares al administrar las distintas tonalidades, después algunas zonas se modelan a través del raspado, el lavado y la frotación de los colores. Hay que hacer notar que los colores se conseguieron a partir del carbón vegetal, arcillas y tierras naturales (óxidos de hierro y manganeso), disueltos en agua.
Más tarde, el pintor selecciona los rasgos esenciales que identifican la especie, aprovecha las formas y protuberancias naturales de la cueva para encajar sus figuras, adquiriendo así, algunas de ellas, volumen y relieve.

El pintor se iluminó con lámparas de tuétano, que dan una luz intensa y limpia y no ennegrecen las paredes. La humedad natural de la cueva fijó y mantuvo la frescura de los colores durante milenios, justo hasta que llegaron los turistas y hubo que crear una réplica, que se visita como si fuese la original, la cuál sólo la pueden ver especialistas, reyes y políticos más o menos importantes.
Y aquí se plantea una cuestión tan importante como si le experiencia estética (sea lo que esto sea) se produce sólo ante el original y no la copia, elemento bastardo y falsificador del arte… pero esto será para otro post.

Fallece a los 87 años el pintor y poeta Albert Ràfols-Casamada

2009-12-17T07:49:00.001-08:00

El pintor Albert Ràfols-Casamada (Barcelona, l923) que hubiera cumplido 87 años el proximo 2 de febrero ha fallecido en Barcelona en la madrugada del 17 de diciembre. Reconocido como uno de los pintores más importantes de España, aportó una de las obras más coherentes, más líricas y más personales dentro de la abstracción colorista, que bebe sus fuentes de Matisse, de Miró y de Rothko.
A ellos les debía la importancia concedida al color, que él estructuraba en un esquema ortogonal extraído de su tan admirado Joaquín Torres García. Ràfols-Casamada abandonó los estudios de Arquitectura y estudió en la Academia Tàrrega, en donde conoció a la que se convertiría en su esposa, la tambien pintora María Girona. En 1950 con una beca del Cercle Maillol marchó a París, una estancia que fue definitiva para descubrir la modernidad.
Albert Ràfols no solo fue pintor; fue un intelectual completo que escribió poesía y prosa poética (reunida en el volumen Signe d?aire, Edicions Proa, 2000), creó revistas como AMPIT(1982-l984) y fue el creador de la Escuela EINA, en Barcelona, cuna de grandes artistas como Carlos Pazos, Jordi Pablo, Jordi Colomer,... y de grandes diseñadores como Josep Lluscá, Anna Yglesias, Anna de Tord, etcétera. Realizó varias pinturas murales como la del Palau St Jordi en la Anilla Olímpica de Barcelona.

Ràfols-Casamada era miembro del Patronato de la Fundación Pilar y Joan Miró de Barcelona (1980), Premio Nacional de Artes Plásticas (1980), Creu de Sant Jordi (1983) Medalla de Oro del Ayuntamiento de Barcelona (2008) y Officier de l?Ordre des Arts et des Lettres de la República francesa (1991).
El funeral se oficiará mañana viernes a las 11 horas en el tanatorio barcelonés de Sant Gervasi.

Antonio López obtiene el Premio Penagos de Dibujo

2009-12-17T00:33:00.000-08:00

El pintor Antonio López (en la foto), Premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2006, ha obtenido el Premio Penagos de Dibujo, que reconoce la trayectoria de un artista vivo que en su carrera haya dedicado una especial atención al dibujo.
Considerado el padre de la escuela hiperrealista madrileña, Antonio López (Tomelloso, 1936) comenzó su carrera como dibujante a los 13 años, impulsado por su tío, el paisajista Antonio López Torres, y desde entonces se ha convertido en uno de los pintores más cotizados en el panorama artístico internacional.
El premio Penagos de Dibujo se creó en 1982 en memoria del dibujante Rafael de Penagos (Madrid, 1889-1954), considerado el más importante representante del movimiento de renovación que se produce en el campo de la ilustración gráfica española en los años veinte y treinta.
Medalla de oro de Bellas Artes en 1983, Príncipe de Asturias de las Artes en 1985, entre otros galardones, Antonio López es, desde 1993, miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde estudió pintura entre 1950 y 1955 y donde fue profesor de la cátedra de Preparatorio de Colorido.